Favoritos 2018

Sí, voy a empezar esta entrada diciendo lo mismo que todo el mundo: ¡este año ha pasado volando! ¿Con qué más puedo comenzar? Apenas pude publicar unas entradas, no completé la maratón DreamWorks ni analice doce parejas. Los meses volaban, y cuando me senté a escribir la Vorágine de Halloween ya hacía días pasó la noche de brujas. Lo mismo con los animes de temporada, no los disfruté mientras se emitían y menos me puse al día cuando ya estaban finalizados. Fue complejo compaginar el hobbie, el blog y mi inicio en la universidad, por lo que no podré hacer esos tops de destacados del año.

A pesar de tanta desventura con el calendario, he visto películas, animes, escuchado música y leído lo suficiente para echar la vista atrás y comentar por aquí lo más memorable, obras que me quedarán en la cabeza por mucho tiempo y que merecen ser recomendadas. Algunas ya las conocerán si fueron leyendo las publicaciones “mensuales” de los mix, y otras (qué sorpresa) ni me dio tiempo a reflexionar para exponerlas como es debido. Así que aquí van mis preferidos que haya descubierto este pasado 2018 a modo de resumen de mi año en términos de entretenimiento.


Coco (2017)

Recuérdame, no llores por favor.

… Ya estoy llorando.

Poco he visto de lo que la Disney y Pixar han estrenado en la gran pantalla este año. Siempre que quise aprovechar el tiempo libre para ir a la sala de cine, ya era demasiado tarde, las habían quitado de la cartelera. Siendo honesta tampoco me llamaron la atención lo suficiente como para preferir sus films a cualquier otro, a excepción de esta película.

Si bien la historia tiene muchos elementos ya vistos, y giros bastante predecibles en general, estéticamente es brillante. No soy una devota del 3D, y creo que la dupla Disney/Pixar está rozando una monotonía con sus diseños bastante decepcionante. Sin embargo, la ambientación ayuda mucho a que Coco llegue a destacar. La presentación de México, sin ser tan innovadora, es atractiva, interesante y no se siente como un homenaje a medias.

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Además que tenemos a Pixar haciendo lo que mejor se les da: construír momentos que producen emociones muy fuertes. Nuevamente traen una historia protagonizada por humanos, y no pudo funcionar mejor. La rebeldía de Miguel aprovechada para hablar de la familia, el olvido, el éxito y el perdón cuando se llega al último acto de la cinta sin por ello aleccionar a la audiencia de manera lisa y llana. Se permite reflejar la complejidad que adquieren este tipo de relaciones de una manera que podría funcionar sin la existencia de un villano (Ernesto de La Cruz es lo peor de la película sin lugar a dudas).

Los temas alrededor de los que gira, el abordaje aprovechando la locación los he apreciado más en el segundo visionado. No es una visagra de la animación, pero está bien contada. No la considero una obra maestra, pero los sentimientos a los que apela y su maestría audiovisual bastan para que se vuelva de mis favoritas de este año.

Monthy Pyton

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Para los lectores no debe ser novedad esta mención. Y es que descubrí el trabajo de este legendario grupo y no puedo sino recomendarlo. No por ello aseguro que guste, ojo. Es humor ligado a la tradición británica, que a veces es ininteligible para quien no está familiarizado con su idiosincracia. Como cualquier chiste, depende del espectador si le da gracia, pero Monthy Python’s Flying Circus dejó una impronta tan perceptible en la comedia Occidental (sobre todo televisiva), y el humor satírico de Life of Brian o Monthy Python’s Holy Grail, que compagina cuestiones sociales con parodias de géneros cinematográficos son imprescindibles para cualquiera interesado en la cultura popular. A veces muy surrealista e irreverente, otras muy ligado a su época, crearon un sello tan distintivo que pythonesque es un adjetivo reconocido en inglés.

Si les gusta el cine, la comedia, o incluso la cultura pop, consideren imprescindible ver algo de los Python alguna vez. Eso sí, no empiecen por The Meaning of Life.

Mary Poppins (1964)

Prácticamente perfecta en todo.

Hay películas que uno, las haya visto mucho o no, pertenecerán siempre a la infancia. Eso no quiere decir que si uno las vuelve a ver no descubra aspectos más bien dirigidos a adultos que antes no eran perceptibles a nuestros ojos jóvenes. Pero son obras que son nostálgicas, en el sentido de que nos hacen sentir como si fuéramos niños otra vez, que captan esa noción del tiempo tan diferente que teníamos en nuestros primeros años de vida, además de las explicaciones del mundo distintas a las que nos querían decir nuestros padres y profesores.

Todo el mundo tiene en mente ciertas ficciones si leen esa descripción, a los que les tiene muchísimo cariño. En mi caso, ese perfil corresponde a Las aventuras de Winnie the Pooh pensando en la animación y Mary Poppins teniendo en cuenta la imagen real. (Casualidad o no la música de ambos estuvo a cargo de los hermanos Sherman).

Por supuesto, no he descubierto este film en el 2018. Cuando era pequeña mi madre me regaló el DVD cuando le había pedido el de Heidi. No recuerdo que haya sido de mis predilectas de la infancia. Pero las canciones y ciertas escenas quedaron en mi mente. Este año se iba a estrenar una especie de mezcla entre secuela y remake, por lo que quise revisitar esta película, considerada por la gran mayoría como un auténtico clásico, y de las mejores de la compañía Disney.

 

Tras tanto tiempo sin verla, puedo decir que me ha encantado. El aspecto artístico, aunque algunos efectos envejecieron bastante, es impecable y mágico. Los fondos pintados a mano, las tomas de Londres de principios de siglo XX, el anochecer en los tejados. Son escenas que a todos nos gustaría visitar. Si sumamos eso a la música encantadora y pegadiza, que por cierto no se toma en serio a casi ningún personaje adulto, tenemos una obra audiovisual maestra.

No contenta con eso, Mary Poppins cuenta con actuaciones sumamente enérgicas y carismáticas, sobre todo de Julie Andrews y Dick Van Dycke. Hacen que el paseo que supone la historia sea tan divertido, que de vez en cuando dan ganas de volver a este mundo que entre la parodia, la magia y esos momentos tan espectaculares que tiene, se queda contigo. ¿Qué mas puedo decir de este film? Supercalifragilisticoespialidoso.

Once (2007) y Sing Street (2016)

Aún me falta una cinta para ver completa la filmografía de John Carney, un director irlandés cuya filmografía siempre gira alrededor de la música, pues él mismo es músico. Aún así, creo que con estas dos alcanza y sobra para saber las características de su trabajo.

Ambas tienen protagonistas que encuentran en la música el medio para expresar todos los sentimientos y sensaciones que no pueden decir con simples palabras, y que con ese descubrimiento buscan hacerse un sitio en la industria. Hay escenas que se disponen de forma parecida (pienso en los ensayos de los grupos, con padres que les llevan algo para comer mientras disfrutan de lo que hacen). Pero hasta ahí las similitudes. Y es lógico, no tanto porque Once sea una película independiente que roza lo casero y Sing Street sea mucho más comercial. En mi opinión, las premisas toman distintos caminos por la edad de los personajes y sus vivencias. Mientras que en la primera, los protagonistas que no tienen nombre están buscándose la vida como pueden mientras intentan vivir con un pasado que los acecha; la segunda refleja la ilusión del primer amor y el valor de la familia y los sueños en la adolescencia. Es lógico que entonces los tonos de Sing Street sean más edulcorados, idealizados, cargados de la influencia que tienen los videoclips y el cine en la mente de Connor. Todo lo contrario que su antecesora, que no deja de ser tierna, pero su honestidad añade una carga amarga y realista.

¿Por qué las estoy agrupando es este puesto entonces, si en líneas generales son obras que dejan un sabor de boca diferente? Carney sigue siendo el artífice de ambas, y aunque los medios que emplea en cada una son distintos, hay una sinceridad que desprenden las dos que es cautivante. Es sabido que al escribir tanto Once como Sing Street, añadió aspectos autobiográficos. Asimismo, los actores son en su mayoría desconocidos, siendo sus primeros trabajos para el cine, y todos músicos (se agradece tener escenas en las que se nota que están tocando realmente los instrumentos y no aparentando). Todo eso ayuda a sentir menos una manipulación – bastante común en géneros como el romance o el coming of age – y más una historia orgánica, verosímil, con las emociones a flor de piel y una pasión por la música totalmente presente.

HunterXHunter (2011)

Monstruos temibles, criaturas exóticas, vastas riquezas, tesoros ocultos, mundos de demonios, tierras inexploradas.

La palabra “desconocido” contiene magia, y algunas personas increíbles son atraídas a esa magia.

Ellos son conocidos como cazadores.

Bien, aquí estoy haciendo un poco de trampa. Todavía no he terminado este anime remake del manga de Yoshihiro Togashi a cargo de Madhouse. Sin embargo, he visto lo suficiente como para disfrutarlo infinitamente. Voy con calma, pues es un camino largo que quiero apreciar. No diré mucho más porque aún no la he finalizado como para tener impresiones generales, además de que le voy a dedicar una reseña completa. Simplemente estoy encariñada con sus personajes, y deseo ver más aventuras de Gon y compañía.

Los comienzos del Studio Ghibli

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Si siguieron la pista de este blog durante el año, quizá hayan visto que comencé junto con Darijosanatus, del blog Cuatro Torbellinos Parlantes una travesía por la filmografía completa del estudio liderado por Miyazaki y Takahata, dos de las mentes creativas más aclamadas de la animación japonesa. En el 2018 hemos llegado a ver cuatro películas de su haber: Nausicaä del Valle del Viento, El Castillo en el Cielo, Mi Vecino Totoro y La Tumba de las Luciérnagas.

Todos derrochan personalidad, estilo, personajes entrañables y registros diferentes. Si tuviera que destacar los que más me marcaron han sido las que componen la dupla que se estrenó hace treinta años: las aventuras de Satsuki y Mei con Totoro en el campo y el sufrimiento por la guerra de Seita y Setsuko. Dos historias absolutamente opuestas (y de cierta manera complementarias, si uno piensa en la dinámica de los protagonistas) que te llegan al corazón. Visualmente asombrosas, son joyas de la animación que cambiaron la perspectiva que tengo del medio. Si nunca las han visto corran a verlas, porque ambas son una experiencia que no se pueden perder.

Sin desmerecer por supuesto a la apocalíptica Nausicaä… con una protagonista de la que me gustaría haber visto más y la fantástica El Castillo en el Cielo, que te lleva por una aventura por los aires excitante.

A Place Further Than the Universe

Dentro de los escasos animes estrenados este año que he visto, esta producción de Madhouse dirigida por Atsuko Ishizuka ha sido mi favorita. Arrancando a la par que el 2018, dejó el estándar sumamente algo para que otra la desplazara. Nadie esperaba mucho de una serie aparentemente del montón de un grupo de chicas adolescentes que quieren ir a la Antártida. Semana a semana fue conquistando a la comunidad otaku, con la amistad tan enternecedora que gesta entre las protagonistas, los obstáculos y las emociones que van surgiendo con las que muchos nos identificábamos, además de momentos cotidianos en los que se desarrolla una dinámica entre los personajes creíble y entretenida a partes iguales.

Sin hacer uso del fanservice ni peleas forzadas para meter conflicto, Sora Yoori mo Tooi Basho es uno de los mejores títulos que el estudio Madhouse ha animado en el último tiempo. Ojalá que también otorgue un giro en las series cute girls doing cute things plagados de moe.

Gravity Falls (2012)

Al menos una vez por año intento hacerme un hueco para la animación occidental, que actualmente viene cosechando numerosos éxitos con humor inteligente y mundos sumamente creativos. Esta vez fue el turno de esta serie de dos temporadas creada por Alex Hirsch para Disney Channel.

En contra de todo prejuicio que uno puede tener para con la cadena de televisión que la emitió, Gravity Falls es un gran serie que puede disfrutar desde un niño a un adulto. Con sus referencias culturales, parodias, homenajes, humor y personajes que rara vez son queribles en series para toda la familia. Los hermanos Dipper y Mabel son excéntricos, inteligentes cuya relación de hermanos está excelentemente ejecutada y sus aventuras juegan con el absurdo en un pueblo que, para el final, uno sabe que va a extrañar.

Los escenarios y los secundarios están bien construídos. Y es divertida de principio a fin, permitiendo que incluso los villanos más amenazadores te produzcan carcajadas.

El estilo de dibujo que tiene no me llamó la atención en un inicio, pero coincide con la naturaleza de la serie, además del uso del color y las formas bastante interesante. Es una carta de amor a los frikis irresistible, una de las mejores de la década.


Y esos fueron mis favoritos del 2018, que no dudaría en ver otra vez en el futuro. Fue un año en el que no dediqué tanto tiempo a la ficción como hubiese querido, pero que cada minuto que pude ponerme con ello fue un deleite. Que tengan un buen comienzo de año, espero que Vorágine de Palabras pueda seguir creciendo regularmente este 2019. Nos leemos.

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¿Qué sucede con los animes de temporada?

Como aniblogger, una de las mayores frustraciones que he tenido a lo largo de este 2018 ha sido la incapacidad de mantenerme al día con los animes de temporada. A excepción del invierno, los meses del año pasan sin que logre decidirme a ver algún estreno. Quizá uno o dos por temporada pasen por mi radar y logren llegar a la pantalla más próxima que tenga, pero confieso que me cuesta bastante estar al pendiente. Es un asunto personal evidentemente, pues en todo espacio donde la otaquería se reúna es un tema recurrente: redes sociales, eventos, grupos de amigos y la misma pregunta una y otra vez, ¿qué estás viendo esta temporada?

Mi visionado de HunterxHunter (2011) y el reto anual de animes me va a tener ocupada este último mes, por lo que dudo que logre llegar a hacer un balance sobre este año en lo que animación japonesa respecta. En gran medida me propuse cumplir el reto y ver todas las películas de Ghibli porque me interesa más ver producciones aclamadas de gran calidad (algunas incluso son obras maestras imprescindibles para cualquier experto) que jugar a la búsqueda del tesoro cada tres meses.

Es una cuestión que se presenta seguido entre los fans de este medio ¿Son ineludibles los animes de temporada? ¿Han echado a perder la industria? Quiero alejarme de preguntas tremendistas, teniendo en cuenta el lugar de los blogs (nuestro punto de vista, básicamente). Claramente, como todo hobby, su disfrute es tremendamente subjetivo. Así que incorporaré visiones diferentes. Como yo misma no soy una asidua de las temporadas, citaré entradas de otros blog cuyas miradas son interesantes; además de incluír planteos realizador por youtubers, que son en este momento más masivos que los blogueros. Sin perder, por supuesto, mi punto de vista (que sigue siendo mi blog por algo).

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Internet: la watchlist interminable

Por si eres un otaku recién llegado a esta afición (bienvenido por cierto), vamos a contextualizar un poco. Hace años, antes del anime ilegal online y los foros sobre Naruto, la única manera de disfrutar de una serie o película animada de Japón era necesario que los títulos pasen por numerosos filtros. Como no, primero tenía que emitirse en Japón. Luego era necesario que una compañía (generalmente de Estados Unidos o Europa) consiguiera la licencia tiempo después para poder transmitirla y finalmente ponerla en venta en VHS o DVD. Los shows que llegaban a las pantallas en este lado del mundo debían ser éxitos rotundos que dieran rentabilidad. Así que lo más probable era que los niños accedieran a varias obras a través de programación infantil (Pokemon, Sailor Moon, Sakura Card Captor), los mayores tuvieran canales que pasaran joyas de culto como Adult Swim o Locomotion (Cowboy Bebop, Neon Genesis Evangelion) o incluso estaban los directivos de televisión que entendían que “esos dibujitos chinos” eran únicamente para un público juvenil y hacían llegar a los niños series cargadas de ecchi (Dragon Ball). En resumen, tenías que consumir lo que terceros te ponían a disposición o vivir rebuscando en videoclubs.

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Obviamente, internet fue es un factor de transformación. Ahora incluso siendo un niño puedes elegir qué ver con las plataformas de streaming, si esa serie de los noventa que tu primo de treinta años tanto de muestra o Yo-kai Watch. Desde hace unos años vivimos de manera más similar a los otakus japoneses que nunca: podemos ver capítulos nuevos con horas de diferencia. Con una búsqueda rápida podemos disfrutar de cualquier serie o película anime que queramos. La variedad es abrumadora así como la indecisión, ¿qué ver primero? ¿cuál vale la pena? La respuesta puede residir en tus propios gustos, o – lo más probable – en el mismo internet. Las redes sociales se colman de comentarios, recomendaciones, memes, shipeos. Se nota cuando arranca una nueva temporada de estrenos y, antes de que la misma termine, ya estamos pendientes de lo que vendrá. Así que es probable que optemos por unirnos a la movida y no quedar al margen de toda la ola de hype (concepto que no es nuevo, pero que cobra una importante vigencia con todo lo que estoy describiendo). Listo, sabemos qué vamos a ver, ¿y ahora qué?

¿Ver o no ver? ¿Escribir o no escribir? Esa(s) es (son) la(s) cuestión(es)

Así como el hype, la comunidad otaku ha generado una nomenclatura en lo que a las temporadas se refiere. “Creo que la voy a droppear“, “yo aplico la regla de los tres episodios, así decido cuáles sigo”; nuevas formas de ver anime surgen como experiencia social. Aquí es donde entran los blogs, YouTube, AnimeAmino y todo el etcétera que quieran. Al igual que los cómics, parece que el anime ya se ha instalado por completo en la cultura popular, pero su masividad no se ve plasmada en la crítica “oficial” de los medios de comunicación. La misma ha incorporado la mención a películas de animación nipona gracias a su llegada a los cines (sobre para la temporada de premios occidentales si reciben nominaciones), el caso de las series es más variable. Siempre ha sido la gente aficionada la que ha diseñado espacios alrededor del manganime. Revistas, eventos, foros, blogs, videos de fans para fans, que generan una cercanía mayor.

Los blogueros sabemos que nuestras opiniones de los estrenos de temporada son leídas, quizá las entradas más gustadas por los lectores. Por ello, sentimos la necesidad/obligación/ganas – llamenlo de la forma que sea – de comentar de manera más rigurosa éstos, recomendando nuevas promesas con entusiasmo y desilusionándonos con otras. Como lectora, es agradable sentir que comparto el visionado con más personas (ni que decir de la opinión sobre las favoritas) y siempre intento leer las impresiones que puedo encontrar cuando ando desorientada. Esto lo expresa muy bien Wanda en su blog:

“No sabía que los japoneses lanzaban al mercado cada estación del año nuevos proyectos. Lo supe cuando entre al mundo de los bloggers, cuando empecé a seguir a algunas que otras personas y a leer sus impresiones semanales sobre los animes de temporada. La verdad, fue un mundo nuevo que descubrir. Es divertido poder saber qué opina otra gente amante del anime sobre las series que tu también estás viendo y que tal vez pensó o se dio cuenta de las mismas cosas que tú, después de todo, no creo ser la única que no encontraba en su entorno cercano gente que hiciese lo mismo y con quien poder tener conversaciones extensas del tema. (…) No creo que sea un secreto que mientras más series veas puedes atraer a un número mayor de lectores”.

También Pauutopía, en respuesta a un tweet, me ha dicho algo similar:

Trayendo otro punto de vista, es cierto (esto desde un plano personal) que genera pereza o frustración escribir impresiones cada mes o semana sobre las nuevas series. No sólo porque esa agenda impide ponerse con las propias listas de pendientes que cada vez son más extensas, sino porque uno puede sentir que es fácil perder la originalidad con este formato. Con tantos puntos de vista circulando, se complica decir algo al respecto que no haya sido dicho antes. A eso, se suma el aporte de Sho-Shikibu:

Cabe aclarar que, así como es una solución para el espectador indeciso, cuando no viene una idea para publicar algo nuevo los comentarios de la temporada de turno vienen de maravilla. Todo hay que decirlo.

Pasan las estaciones, pasan los estrenos, ¿y los clásicos?

Otra cuestión que se menciona seguido es el lugar que ocupan las obras consagradas en las pantallas, ¿realmente se ven perjudicadas ante la novedad de los simulcast? Personalmente, opino lo mismo que afirma Arkada (del canal de YouTube Glass Reflection) en este vídeo. El problema no es que los clásicos pierdan su lugar como tal, pues siempre estarán ahí para el que quiera echarles un ojo. La pregunta es si los nuevos animes que salgan pueden adquirir la esa condición con el paso del tiempo. Esa preocupación proviene del bajón de popularidad de series como Shingeki No Kyojin o destacadas de años anteriores que no tienen más temporadas y que ahora se quedan en tierra de nadie ¿Alguien recuerda a Re:Zero? No hay tiempo, porque toca recibir la próxima estación y seguir el ciclo.

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Es sin duda un tema interesante. Yo me tengo perdido los animes más aplaudidos de los últimos años para ponerme al día con las temporadas varias veces, arrepintiéndome en el proceso. En el blog Dimensión Dandy hay toda una entrada sobre la escasa aparición de estrenos destacables en medio de un océano de clones mediocres que les recomiendo leer.

Por supuesto es una situación que genera modificaciones en la manera de producir anime. Arkada menciona a Boku no Hero Academia y Sword Art Online como dos casos de franquicias que no pierden atención estrenando arcos nuevos con poco tiempo entre uno y otro, manteniendo el interés de la audiencia. David por su parte destaca títulos de la talla de Ping Pong: The Animation, que demuestran que aún hay momentos de auténtica originalidad y personalidad en medio de la estandarización reinante.


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Me disculpo si la lectura de esta entrada fue densa. Espero que se entienda que sencillamente quise explorar una temática a la que le venía dando vueltas. No he tocado asuntos que también aparecen con frecuencia al hablar de las temporadas tal como la distribución del tiempo, teniendo en cuenta que es un hobby. A su vez he optado por no profundizar demasiado para no entrar en cuestiones de mercado que no interesan a una simple bloguera. Por internet hay mucha información al respecto si tienen curiosidad.

Ustedes, ¿qué opinan al respecto? ¿Qué lugar ocupan los animes de temporada en su día a día? La sección de comentarios está abierta a cualquier perspectiva.

#ParejasDelAnime: Yukari y George (Paradise Kiss)

 

Bien, sabemos que mayo pasó hace rato. Pero no ignoré esta encuesta que publiqué en Twitter, así que en esta ocasión por la voluntad popular llega la demografía josei a la sección. Generalmente en estos animes, dirigidos a mujeres y no a chicas como los shōjo, sus personajes pasan por las penurias de la vida cotidiana de un adulto: trabajan, tienen relaciones más íntimas y a veces se pueden ir por el lado erótico. Para muchos más maduro, y para otros un despropósito a la hora de representar ciertas situaciones, los animes enmarcados aquí también tienen sus parejas, acorde a su registro y estilo.

8929e2c68555e701091a9d932d0960a2Una autora de manga josei muy afamada es Ai Yazawa, una de mis favoritas, conocida mundialmente por Nana. Sin embargo, al ser una obra sin terminar, no creo que pueda hablar mucho de ella en esta sección. Además que tiene bastantes capítulos y ninguna de sus parejas me atrae por el momento como para escribir al respecto. Es un imprescindible del género romántico sin lugar a dudas, pero en esta ocasión prefiero revisar la adaptación animada del anterior trabajo de la mangaka. Paradise Kiss no sólo es más corta, sino que también tiene aspectos a destacar. Aunque el pasaje a la pantalla de la mano de Madhouse no para de decepcionarme, con un presupuesto acotado que degrada la narración, recorta escenas y deja a su historia mal parada al lado de la adaptación de Nana hecha por el mismo estudio. Pero aquí nos centramos en lo que a anime se refiere, por lo que tendré que obviar la presentación de los eventos que hace la historieta. Así que recomiendo al que no le haya convencido esta serie de doce capítulos que pruebe a leer el material original, que no se va a arrepentir y seguramente valorará tanto a Yukari como a Nana y Hachi, aún con sus diferencias.

Me disculpo de antemano si para muchos esta no es una serie para calificarse josei. Admito que fui algo rebuscada escogiendo una obra basada en una historia de Yazawa, pues muchos no se ponen de acuerdo en cuanto a denominar a su trabajo como shojos o joseis. Hacía mucho tiempo quería revisionarla, y probablemente me precipité a la hora de considerarla como un anime correspondiente a dicha demografía. Ahora sí, procedo con la entrada.


Yukari “Caroline” Hayasaka es en muchos aspectos una protagonista a la que estamos acostumbrados. Una adolescente entre la secundaria y la universidad que se debate entre lo que sus padres le exigen y lo que ella quiere hacer, sin saber a ciencia cierta qué es lo que desea. Quejumbrosa en un principio, su vida va a dar un vuelco cuando se tope con un grupo de excéntricos estudiantes de diseño de moda, que quieren que haga de modelo en un importante desfile de la escuela.

A medida que avanza la trama, va a ir tomando decisiones, rebelándose, descubriendo quién es y a dónde se dirige. Por más que esta trama de coming of age con una personalidad como la de ella nos suena bastante, a mí me ha resultado imposible no conectar con Yukari. Pretende ser firme, y abrirse un camino por su cuenta sin tener realmente una idea. Pero, ¿quién la tiene de veras en esa época? Salir de las cuatro paredes de un colegio donde pasas todo el tiempo para adentrarse al mundo adulto no es sencillo, sobre todo cuando pasas de estudiar por obligación a ser relativamente libre. Es un conflicto por el que todos pasamos de alguna forma, aunque sea incómodo darse cuenta de que hemos tenido las actitudes tan inmaduras que tiene la protagonista.

A priori parecería que Jouji “George” Koizumi tiene todo claro, en oposición a Yukari. Un apasionado por la moda, que tiene talento para diseñar y que desprende labia y glamour allá por donde va, provocando tanto a hombres como mujeres; pero a medida que avanza la trama nos daremos cuenta de que en su vida tiene situaciones que lo conectan con lo que le sucede a su modelo. Añadiría algo más, pero en el anime le quitan su aspecto cómico y le restan expresividad.

Me he dado cuenta de que George no es un personaje popular, ni dentro de Paradise Kiss ni para los que nos gustan las publicaciones de Yazawa, y no termino de entender por qué. Muchos lo consideran frívolo, manipulador o egoísta; cosa que no es tan así. Hay partes de la serie en la que se muestra más abierto y cálido, además de que si comparamos al peliazul con otros masculinos creados por la mangaka encontraremos a caracteres más desagradables como Takumi, o infantiloides varios. Para mí es un buen equilibrio de todo lo bueno y lo malo de los hombres de las historias de esta señora. Más atractivo y provocador que los tímidos compañeros de aula de un romance escolar y más caballeroso y galante que los protagonistas de joseis más subidos de tono, por no decir ecchis camuflados. Tampoco ello implica que sea de mis personajes favoritos, y de hecho como parte de un romance tiene aspectos que están lejos de ser ideales, pero dado su trasfondo y el escenario de la serie tiene un proceder algo comprensible.

En mi opinión, el romance no es el elemento principal de esta obra; el centro es el crecimiento de Yukari, el encuentro con estos personajes que también lidian con situaciones que marcaron sus infancias y el construír el propio camino en un ambiente no tradicional en la ficción. Por lo tanto, la historia no va a intentar mostrarnos momentos compartidos por éstos dos para que no podamos esperar a verlos juntos. Su atracción física y su consecuente acercamiento no le pregunta al espectador, porque es una parte necesaria para que los engranajes empiecen a funcionar. George es tan atractivo para Yukari como lo es el meterse en el grupo como modelo: supone rebeldía, desobediencia, probar que es una mujer madura accediendo a todo lo que su madre rechazaría rotundamente. La transición de pasar de su amor platónico por Hiro – un estudiante ejemplar y correcto – al  provocar a un tipo transgresor como el peliazul es la principal muestra de ello al comenzar.

A raíz de esto veremos que entran en un cliché bastante molesto. Un grupo de personajes le advierte a nuestra protagonista que George no le conviene, que no puede hacerla feliz, y casi se van para la pila de parejas “chico malo – chica buena” que suelen adoptar series que quieren hacerse llamar “maduras”. Menos mal que no se queda allí, pues no se podría decir que Yukari es buena o pura en términos de estereotipos. Afortunadamente, no aplican en este los títulos de tsundere, kuudere, u otros arquetipos a los que el anime de romance nos tiene tan acostumbrados.

Aclarando que va a haber spoilers considerables, hay que tener en cuenta que esta pareja está destinada a separarse casi desde el principio. Lamentablemente la animación no logra trasladar la expresividad de los personajes en el manga, pero de todas maneras se percibe cierta lucha que llevan adelante para mantenerse juntos. Son personas que provienen claramente de mundos muy diferentes, aunque ambos se vuelquen en la industria de la moda. Es un entorno que no los favorece, pues Paradise Kiss no es una historia sobre cumplir sueños (al menos no en el sentido que tenía Nana en un comienzo, por no salirme del ámbito de la animación japonesa) por lo que no los veremos apoyarse mutuamente para hacerse hueco en este mundillo tan intricado, superficial y volátil.

Esto deriva en el que es para mí el punto principal: la falta de comunicación presente durante todo el desarrollo de la historia. Creo que el comienzo está bien manejado, en cuanto a una atracción bastante clara. Pero a medida que pasan los capítulos las cosas no hacen si no empeorar. No establecen un vínculo de confianza lo suficientemente fuerte, y eso puede generar la antipatía de muchos. Sin defender a capa y espada la serie, es sabido que no cuentan con los elementos como para poder hacerlo, por lo que es de esperarse que este problema ocurra. George está obsesionado con encontrar a una mujer diferente de su madre, y Yukari se debate entre su independencia y seguir un modelo idílico de pareja, el cual se va a ir dando cuenta de que no existe. En ese sentido, se podría decir que hay un comentario interesante, respecto a las expectativas que uno puede tener entorno al romance, pero no está tan explotado.

Aún asi considero que tienen cierta química, y a pesar de los molestos malentendidos se nota que se preocupan por el otro ¿Es suficiente para querer que perduren juntos? Para nada.

Llega el momento de hablar del elefante en la habitación. El final es una parte fundamental de este anime, y es una lástima que no muestren los eventos tal como en el manga. De todas formas, ciñiéndome a la adaptación de Madhouse, Paradise Kiss tiene una pareja interesante. No porque su historia o sus momentos sean atrapantes o simpáticos en particular, sino por el adiós que tienen que decirse. No será el mejor, pero pensando en series de romance accesibles a un público juvenil si aporta un tono realista muy necesario. Yukari y George son disfuncionales como dúo, y por ello su farsa envuelta en terciopelo debe terminar. Es un cierre agridulce que gustará más o menos, pero me hace recordar más a la modelo y el diseñador que a otros adolescentes que apenas se declararon en las aulas. Sentimos el dolor de Yukari con la partida del peliazul, pero es un mal que simplemente sucede, como tantos otros en la vida. Nunca he escuchado a nadie quejarse de este final. Al contrario, muchos reconocen que mejora una serie que con otra conclusión no destacaría.

He intentado modificar un poco la estructura tan rígida de las anteriores entradas de esta sección, que necesitaba modificaciones urgente.

¿Hay alguna pareja que quieres ver comentada por aquí? No dudes en mencionarla en los comentarios.

 

 

 

 

 

 

Mix de julio y agosto 2018

Algún día esta sección se volverá mensual como se suponía, lo prometo. No me gustaría que  tengan una mala imagen de la que les escribe, aunque peque de inconstante. Creo que muchos sienten el problema que tengo con el mix: es que los meses se pasan volando y cuando estoy apenas esbozando el borrador, rememorando todo lo que vi/leí/escuché en el mes, ya toca pasar la página del calendario. ¡Exijo un giratiempo! Como una persona que se sumerge en la ficción, a veces pierdo la noción del tiempo. En fin, soy una cronopia sin remedio.

Pero vamos a lo que importa: las recomendaciones y los fiascos a evitar. Algo que hubo en estos meses fue variedad, a pesar de que ando con cierta pereza para terminar mis lecturas, que compagino con las académicas que me exige la universidad. Así que lo audiovisual predominó en mi día a día. Sin más que añadir, doy paso al mix de julio y agosto.


Akatsuki no Yona

2014 | Studio Pierrot | Aventura, Fantasía, Shojo | 24 eps. | ★★★1/2

Me digné de una vez por todas a comenzar el Reto Anime 2018 que me propuse (a buena hora, ya sé) con la letra A, pues tenía muchas ganas de ver una fantasía épica luego del vacío que me dejó Avatar, The Last Airbender.

Este anime nos sitúa en el reino de Kouka, en una pasado ficticio, en el que la princesa Yona vive plácidamente en el castillo, como cualquier miembro de la realeza. Como es de esperarse, su vida dará un vuelco cuando su padre sea asesinado por su querido primo, Soo-Woon. Confusa y sumamente triste, Yona escapa del golpe de estado junto con su guardaespaldas y amigo de la infancia Hak. Emprenderán un viaje para encontrar a las reencarnaciones de los legendarios dragones, con el fin de que los ayuden a detener una posible guerra. En su travesía, la princesa recorrerá el reino y se dará cuenta de que no es tan pacífico ni estable como creyó toda su vida.

giphy2Se trata sin duda de una serie con una propuesta que ya hemos visto, con elementos folklóricos, cargados de aventura y misterios. Para mí hay dos aspectos a destacar que le dan una vuelta de tuerca a la fórmula. En primer lugar el desarrollo de la protagonista, su evolución es notable y lógica, aportando elementos de un buen coming of age en el que Yona pasa a ser una princesa enjaulada en su pequeño mundo a una líder llena de conflictos por resolver. Sí, se vuelve más guerrera y badass, pero no al modo que nos otorga un shonen tradicional. El camino de Yona es tortuoso, largo y más retrospectivo que una mayor fuerza física, plagado de desengaños y crisis de identidad y ética entre los valores anti-violencia que le transmitió el rey y una realidad que exige una intervención inmediata además de un gran sentimiento de culpa en ella.

En segundo lugar, ese elemento se combina con uno que a primeras no parecería coincidir demasiado con el anterior. Yona está rodeada de bishonens que solemos ver en una estructura propia de un harem inverso. Ojo, no quiere decir eso que sean igual de blandos o genéricos, cada uno tiene un pasado, personalidad y motivaciones; pero se percibe con facilidad ciertos arquetipos que siguen: el más afeminado y delicado, el cerebro sin capacidad física, el tsundere que no admite sus sentimientos salvo contadas excepciones que deberían hacer suspirar al expectador, el kuudere y así. Todos les suenan, ¿no? A simple vista no congenia muy bien esto con una protagonista que constantemente cuestiona su proceder y formas, por lo que en un inicio no estaba muy convencida. Sin embargo, la carisma de los personajes son suficientes para cargar con lo que de otro modo sería un contra importante. La narración de los capítulos permite empatizar con ellos y disfrutar mucho las relaciones que establecen con Yona y entre ellos, sin duda acompañado de una comedia agradable.

Los diseños son muy distintivos, como debería ser en este tipo de series, y funciona muy bien para la demografía a la que apunta. La banda sonora y la animación están correctas, destacando en los puntos de inflexión que viven los personajes.

El mayor problema sin lugar a dudas es que se trata de una adaptación incompleta de un manga que aún está publicándose. Así que al finalizar el visionado vamos a sentir esa frustración a la que nos acostumbramos con este tipo de animes, al sentir que apenas vimos la punta del iceberg de algo mucho mayor. Es algo que se nota mucho en Akatsuki no Yona, donde hay una construcción de mundo importante y muchos personajes con conflictos políticos, románticos y personales. Por lo que advierto que vamos a sufrir una espera hasta que Pierrot u otro estudio adapte lo que queda del cómic una vez completado. Mientras tanto, nos quedamos con un tedioso final apurado y sumamente abierto. Eso no quita que se trate de un anime muy disfrutable, con personajes entrañables y que destaca dentro de la demografía shojo de los últimos años.

Por ahora en latinoamérica no hay una editoral que publique el manga, por lo que mis ganas de leerlo quedarán insatifechas (y yo que quería saber las intenciones de Soo-Woon).


Bibliómanos

 TV pública argentina | Youtube | Divulgación literaria | ★★★★

Bibliómanos es una nueva manera de hablar sobre libros. Un programa de divulgación literaria y otros géneros escritos, que también es un juego. Maximiliano Tomas y Eugenia Zicavo, una nueva generación de expertos en literatura, conducen este espacio que fusiona contenidos de lectura con entretenimiento y que cuenta con la presencia de distintos invitados del mundo editorial, autores y críticos literarios.

A pesar de que, como decía al comienzo de la entrada, la lectura es una actividad que tengo abandonada, eso no quiere decir que no siga mi hambre por conocer títulos que me interesen para un futuro, ya que si tuviera dinero sería una ávida practicante de tsundoku. Hacía unos años mi principal fuente para apuntar próximas lecturas eran los más afamados booktubers, con su estilo de edición particular y sus recomendaciones mirando a cámara (generalmente publicaciones encasilladas en la literatura juvenil). Con el paso del tiempo mis intereses fueron cambiando, y me incurrí en los clásicos de siempre, que aún continúo descubriendo.

El año pasado descubrí por redes sociales que la televisión pública de mi país iba a estrenar un programa conducido por dos periodistas y críticos literarios: Maximiliano Tomás y Eugenia Zicavo, que ya conocía por Libroteca, un programa que presenta en otro canal. Vengo siguiéndolo desde entonces, y no podía faltar como recomendación por aquí. Más allá de hablar sobre títulos que oscilan entre aclamados y más desconocidos, el programa tiene su encanto en el estilo dinámico en el que se desarrolla. Los conductores charlan y debaten como compinches sobre los libros que llevan cada programa, pues deben competir presentando cinco obras cada uno sobre un tema determinado, pasan por varias instancias y el que aportó más libros a la selección final se queda con todos.

Con las dos temporadas que tiene por el momento, es sumamente entretenido, reflexivo y variado, puesto que al estar disponibles todos los episodios en Youtube uno puede seleccionar los temas que le interesen. Ya me gustaría poder jugar con algún amigo lector.


Música de fondo: nostalgia ochentosa

A partir de este mix, que no sea raro que añada elementos en bloque. Una cosa lleva a la otra, y a veces las recomendaciones tienen que presentarse en grupo, porque quizá en solitario no aguantan la exigencia de los lectores.

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Entre exámenes que aprobar, no tuve el momento para ponerme a escuchar con atención algún disco o explorar un grupo que quería conocer mejor. Así que me dejé guiar por los queridos algoritmos del streaming, que me conocen bien y saben que en mi reproductor la década predominante es aquella a la que pertenecen Back to The Future, el new wave y los walkman. Así que a mis oídos llegaron tres grupos que sienten esa inspiración que también está sucediendo en la tele y el cine con Stranger Things como su mayor exponente, y que toman sonidos sobre todo de las bandas británicas de la época. Acordes y sintetizadores que nos suenan muy familiares, que por el momento sólo considero “música de fondo” amigable.

La primera en hacerse con el botón de play fue la nuevita Pale Wavesunos jóvenes de Manchester que saltaron a la escena por su estética gótica, unos singles sacados el pasado 2017, la atención de la prensa musical británica y el respaldo de su banda compañera de discográfica The 1975 (que nunca me convenció). Sus guitarras a veces recuerdan al sonido pop de cierta época de The Cure, algunos detalles propios del dream pop y sintetizadores esporádicos. Son canciones 100% radiofónicas, pegadizas y de escucha fácil. Aunque no se les puede criticar demasiado, pues su disco debut My Mind Makes Noises no verá la luz hasta el 14 de septiembre. Espero que no se queden siendo más estilo que sustancia. ★★★

Luego llegó la más conocida CHVRCHES, formación escocesa electrónica que desde 2012 tiene cierta cuota de éxitos y bastante movida por los festivales musicales mainstream. Utiliza los componentes de la electrónica actual comercial: la voz femenina, el estribillo que llega tras un in crescendo en varios temas, el foco en el ritmo y en su disco del 2016 Every Open Eye mucha reminiscencia al synth pop encabezado por Depeche Mode. Con letras algo más profundas de lo usual y aunque sin la presencia necesaria para quedarse conmigo, si quieren mover un poco el esqueleto y animarse un rato tienen su discografía. ★★1/2

Por último tenemos a The New Division (New Order + Joy Division cough cough) que es sin dudas la banda que menos se molesta en modernizar la synthwave que se hizo tan popular hace tres décadas. Le pongo una canción cualquiera de esta banda a mis padres y creerían sin mucha dificultad que pudo haber sonado en algún club en su juventud. A puro sintetizador, con vocales masculinas que no se inventan nada. En sus últimos trabajos añadieron algún toque del presente, aún muy difusos y esporádicos. Por el momento mis favoritos de los tres, ¡que vivan los ochenta! ★★★


La inamovible sección de cine

Ya deberían saber a esta altura que si no hay películas no es un mix. Siempre que pueda voy a hacer un espacio para darle una oportunidad a un largometraje. Y aunque me quedaron gran infinidad de pendientes todavía, pude quitarme nombres que hace tiempo estaban en la lista de espera. Eso sí, no pude ir ni una vez al cine, por lo que no hay nada reciente esta vez.

Como ya expongo lo suficiente mi lado cinéfilo por Letterboxd, no voy a extenderme en demasía por aquí, pues no quiero ser reiterativa. En la red social podrán encontrar qué veo, cuándo y mis impresiones sobre los films.

Conociendo a John Hughes: The Breakfast Club y Ferris Bueller’s Day Off.

¿Más cosas de los ochenta? Menos mal que no quería ser reiterativa. Y así es, queridos lectores, soy una apasionada de esa década, de su cultura que comenzaba a virar con la introducción de la tecnología, y que siento que de alguna forma esa fascinación viene por la nostalgia que sienten mis padres, y los medios de comunicación en general al parecer. A pesar de ello, tengo muchísimo por explorar todavía de lo más reconocido que salió a la luz esos diez años, siendo una de esas la filmografía del director John Hughes. Algunos lo conocerán por su trabajo como escritor en el clásico navideño Home Alone, pero antes de eso ya había participado en varios éxitos. Estos meses vi sus dos películas más aclamadas.

The Breakfast Club es un hito del coming of age y drama adolescente, con sus personajes tan memorables y sus conversaciones llenas de incomodidad, interrogantes y cierta simpatía. Tenía las expectativas por las nubes con esta cinta, y no resultó ser tan genial como esperaba. Entiendo que le habló a una generación y trató al adolescente como una persona, y no un alienígena que no entendía nada. Sin embargo, sus dilemas no me llegaron lo suficiente. Aparte de Brian y el famoso diálogo de terapia de grupo (tal vez el final incluso), no me ha conquistado.

Ferris Bueller’s Day Off (1986) por su parte es una comedia hecha y derecha, con escenas desopilantes, referenciadas hasta el infinito, y personajes que son más gags que otra cosa. Matthew Broderick es formidable, su carisma y su trabajo rompiendo la cuarta pared le han ganado un lugar en la historia del cine nada desdeñable. La hermana de Ferris y sobre todo mi adorable Cameron se quedaron conmigo. La veré seguramente más veces por lo disfrutable que es; de hecho, ya he repetido varias escenas.

Continúo con la filmografía de Monthy Python: el Salto Grial, la cuarta pared y el bajo presupuesto.

Luego de enamorarme de La Vida de Brian, tocaba ir atrás a la primera película de los cómicos británicos con Monthy Python and the Holy Grail (1975). Para ser breve diré que me reí bastante, como debería ser con cualquier comedia, pero me desconcertó más que me divirtió. Es de una naturaleza muy distinta a la historia de Brian, más caótica y similar a su show de televisión. Me entretuve mucho con las animaciones y el humor negro además de las burlas al cine, pero me causó menos impacto que el otro largometraje.

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Si leyeron todo esto del tirón les agradezco mucho su tiempo. Sorprendentemente estos dos meses pude ver cosas muy diversas y quise compartirlas todas por aquí. Como siempre pueden recomendarme cosas que les encantaron los últimos meses y contarme si conocen algunas de las que nombre hoy.

Travesía Ghibli #1: “Nausicaä del Valle del Viento”

A la hora de ver anime, muchos nos fijamos en el estudio que se encarga de animarlo. El staff de cada uno le da una impronta a las obras que pueden realzarla… o arruinarla. Madhouse, Bones, Gainax, Production I. G, entre otros son nombres que han hecho historia en la animación japonesa desde hace años, produciendo series, películas y OVAs inolvidables. Cualquier otaku que se precie le da importancia a la hora de ver un estreno a los encargados de darle vida a la historia, teniendo sus favoritos y algunos que no le terminan de convencer.

Pero vayámonos atrás en el tiempo, cuando Nippon Animation era el estudio que con su World Masterpiece Theater exportaba series basadas en clásicos de la literatura a Occidente. Detrás de Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes estaban Hayao Miyazaki e Isao Takahata, que luego de colaborar anteriormente en Las aventuras de Horus, Príncipe del Sol (1968), forjaron una amistad y un equipo que más tarde los llevaría a crear el estudio Ghibli; ¿necesito contar el resto? Es un ícono de Japón, y acerca sus largometrajes incluso a audiencias no interesadas en los dibujos nipones. Clásicos de la animación, desde El viaje de Chihiro, Mi vecino Totoro o La tumba de las luciérnagas fueron concebidos aquí, y son obras que cualquiera que adore el anime (o incluso el cine) debería de ver.

El problema es justamente ese. Hay películas del estudio que en mi vida he visto, y hace poco he descubierto que no soy la única. Dariijosanatus (o Froaude) del blog Cuatro Torbellinos Parlantes, no ha visto ni una película del estudio. Como era algo que teníamos que resolver para limpiar nuestro nombre, venimos a comentar todos los films de la casa de Totoro, no sólo para disfrutar de sus producciones por primera vez, sino para animar a los que están en nuestra situación a unirse y presenciar los mundos creados por Miyazaki y compañía con nosotros.

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Vamos a empezar por una cinta de 1984, estrenada un año antes de la fundación de Ghibli, pero que fue necesaria para que el mismo llegara a existir, contando con el staff que luego lo integraría. El mismo estudio lo considera como parte de su filmografía, y los encargados de licenciar sus trabajos la incluyen al catálogo; así que era preciso empezar por aquí.

La caída de una civilización industrializada de hace mil años llenó la tierra de óxido y fragmentos de cerámica, que creó un bosque que se extiende por un páramo inmenso dentro del planeta y se encuentra lleno de hongos denominado ‘Fukai’, que desprenden esporas y emana un miasma que son mortales para la vida humana.

Nausicaä es la princesa de El Valle del Viento, uno de los pocos asentamientos humanos que han sobrevivido a lo largo de los siglos, viviendo en armonía y paz con la comunidad. Es una chica aventurera y sensible que tiene la capacidad de calmar a los Ohms, criaturas gigantescas con aspecto de insecto.

Este equilibrio se rompe con la llegada del reino de Tolmekia, liderado por la princesa Kushana, con un aspecto imponente y ambiciosa, que invadirá el pueblo de Nausicaä con un determinado fin.

Darijosanatus: Esta bloguera, Faelyan, cuando se embala, coge la velocidad y altitud de una ave, es imposible de alcanzar. Yo soy de ciencias, y aunque ésto no quiere decir que mi habilidad para expresarme por escrito no sea mala, creo que es obvio que no tengo la capacidad de escritura que puedan tener otros blogueros, sean las razones que sean, o quizás mi modo de escribir sea diferente a lo de los demás, lo cual puede crear bajo mi punto de vista una entrada bastante interesante y llena de ideas o un desastre, por la mala coordinación de ambos, mal entendimiento o lo que sea.

Como Faelyan dijo, es la primera película del ‘Studio Ghibli’ que veo, e incluso ni se considera oficial dentro del mismo estudio, pero puedo decir que he visto una película ya dirigida por Hayao Miyazaki, cuyas impresiones dejaré y/o dejaremos en segundo plano para más adelante. Siempre he oído a este nombre en la industria del anime, por sus películas, además del estudio de animación, yendo ambos nombres unidos, incluso se paró la producción del propio estudio por la retirada de Miyazaki según he leído y tal, pero este hombre es esa clase de persona, que en mi opinión, morirá mientras esté rodando una película, como muchos otros directores de cine me supongo u otro tipo de artistas.

Dejándonos de presentaciones, la historia nos introduce a una sociedad post-apocalíptica, con una tecnología más avanzada a la nuestra actual, debido a la caída de una gran civilización industrial que provocó graves consecuencias, dejando el denominado ‘Fukai’ que ocupa gran parte del planeta, una niebla espesa que es mortal para los humanos sin las debidas protecciones y que suele estar custodiada por ‘ohmus’, insectos gigantes que también son peligrosos para la propia supervivencia humana, sobre todo cuando son agresivos.

Las pequeñas poblaciones humanas que sobreviven en zonas donde el ‘Fukai’ no llegó a extenderse, viven con sus recursos, aunque realizando incursiones en este territorio, como la propia protagonista que da el nombre a la película y al manga en el que se basa, Nausicaä, princesa de ‘’El Valle del Viento’’ que recolecta recursos de siglos pasados que son de utilidad para sus habitantes.

Faelyan y yo, ella primero a mí, me comentó que el manga de Hayao Miyazaki, de la que se adaptó la película, ha de ser más extenso y que por ello algunas partes de la película puedan verse más apresuradas o mismamente recortadas, pero no es de esa manera; la película fue creada cuando el manga llevaba solamente 2 volúmenes publicados y terminó de publicarse en el año 1994, con un total de 7 volúmenes. Según he leído, el manga trata los temas que se dan en la película de una manera mucho más extensa, más profunda, con temas medioambientales más desarrollados y un mundo más desarrollado que el que hemos visto nosotros. Tuvo varios parones el manga por las diversas películas que dirigió o ayudó en parte estando en ‘Studio Ghibli’, por lo que la propia visión de Miyazaki cambió a lo largo de los años, así como sus ideas, pudiendo ser quizás el final del manga algo muy distinto a lo que nos encontramos en esta película, pero será algo que no profundizaremos demasiado, aunque si queréis ver más de este mundo o ver el propio desarrollo del manga, es muy recomendable que se lea el mismo. Yo quizás lo haga y puede que haga algo para mi blog o por dónde sea para el manga, pero no prometo nada.

La trama de la película puede ser un ejemplo de asignatura de lengua en la escuela o instituto de cómo realizar la introducción, el nudo y desenlace de una película. Es muy simple y no necesita de giros de guión inesperados, flashbacks o escenas colocadas de manera inteligente, aunque el primer recurso se usa, pero simplemente para describir la historia del propio personaje y algún suceso pasado. Rápidamente se va hacia el tiempo presente para seguir contándote la historia.

¿Esto que quiere decir? Que Hayao Miyazaki es un vago de manual… No, es broma, lo que quiero decir es que con toda la simplicidad con la que narra la historia de Nausicaä, su pueblo y el mundo que le rodea, por la propia calidad de las ideas, la fluidez con la que van pasando los acontecimientos, acompañados de una muy buena banda sonora y unos diseños gráficos que son alucinantes para la época en la que se dibujó y animó, es genial y te hace seguir viéndola desde el inicio hasta el final con ganas.

Esta obra tomó influencia de grandes clásicos, como son El Señor de los Anillos de Tolkien, la saga Terramar de la autora Ursula K. Le Guin o Anochecer de Isaac Asimov, pero este último más bien para el manga. El propio nombre de Nausicaä es tomado por La Odisea de Homero e incluso como dato muy curioso y muy cercano a mí por lo que estudié (Ciencias Ambientales) según he leído, a Miyazaki el desastre de la Bahía Minamata, que ocurrió por el vertido de aguas contaminadas, de altas concentraciones de mercurio, por fábricas y que provocó víctimas, no por la toma de la propia agua de la bahía, si no por la propia ingesta de peces y bivalvos (almejas) que son los que acumulan mayores concentraciones de mercurio (fenómeno de bioacumulación), con el que se inspiró para crear ese mundo tan tóxico de la película, el ‘Fukai’.

Incidiendo en el detalle medioambiental, hay un concepto que encontramos investigando un poco sobre el film, o más bien de la obra que ha ido realizando Hayao Miyazaki a lo largo del tiempo, lo cual no puedo aseverar porque no he visto más películas de él que ésta, que es el denominado ‘Animismo’, una creencia religiosa que se puede englobar dentro de una corriente filosófica o forma de pensar. Éste se define como la idea de que la propia naturaleza y/o propios objetos, tipo amuletos y demás, tienen consciencia propia y pueden actuar por su voluntad. En esta película, más bien se centraría en que los elementos naturales, ya sean las rocas, el agua o los propios ohmus poseen esta capacidad, que se puede observar bajo la perspectiva de la propia protagonista, Nausicaä, que posteriormente Faelyan describe brevemente su forma de actuar y la enorme sensibilidad que siente, tanto a las personas como a la propia naturaleza.

Es más, la película comienza con una recomendación de la WWF, el Fondo Mundial para la Naturaleza, lo cual deja ver o aclara aún más el mensaje que tiene la historia, pudiendo llegar a tener un objetivo de concienciar a los que vean la obra o de mostrar el importante tema naturalista que contiene la misma.

Faelyan: Como dice Darío, Miyazaki se ha inspirado en clásicos de la literatura para crear el mundo de Nausicaä del Valle del Viento. Crea así un universo evidentemente más amplio de lo que vemos en la cinta; que si se hubiera estrenado en la actualidad podría haberse vuelto saga de éxito fácilmente. Para lo que tenemos, no puedo evitar que la narrativa de ésta me recuerde a otro clásico animado de los ochenta: Akira, que usa más la baza tecnológica y su trama no tiene mucho que ver, pero que tienen tanto para contar que en un primer visionado uno se puede sentir abrumado de tanta información que te cuentan en cada escena, pero está mejor manejado que en otros casos, con escenas más pausadas que permiten seguir el ritmo. La segunda película que dirigió Miyazaki es totalmente disfrutable para todos los públicos. Cargada de épica, momentos más experimentales y un mensaje que no es pura moral ni pretende ser aleccionadora, esta obra resume muy bien lo que se puede ver en la obra de su director: la belleza de la naturaleza, con esos prados verdes y los cielos tan azules, la representación del viento, su pasión por la aeronáutica y el vuelo, protagonistas femeninas llenas de fuerza y carisma, además del uso de una tecnología que no parece de una época en particular. Es una excelente introducción a todo lo que a uno le viene a la cabeza cuando piensa en Miyazaki.

Es un relato que permanece vigente, pues no se trata precisamente de el humano contra la naturaleza, sino de los propios humanos y su tendencia a temer a lo desconocido, pelearse entre ellos y repetir errores del pasado, en este caso relacionado al descuido que hicimos y todavía hacemos del mundo que habitamos. También se centra en el equilibrio y la empatía como forma de resolver la injusticia, pues los humanos deben sufrir como los insectos para poder redimirse y ser perdonados para cambiar la situación.

Así como se nota la dificultad de adaptar una historia inacabada en un largometraje, los espectadores nos quedaremos con las ganas de conocer mejor a los personajes, que están bien planteados. Ninguno es realmente malvado, ya que sus motivaciones y conflictos son entendibles. Sin embargo, Kushana como némesis del pensamiento de Nausicaä queda bastante abandonada, así como Asbel, que me identifiqué mucho con su perspectiva.

     

Pero hablemos de la más importante, la princesa que da título al film. Cuando comentaba con Darío la película el me dijo algo que me dejó pensativa. Le daba la impresión de que Nausicaä era tal vez demasiado perfecta, tan valiente, idealista y heroica. Puede ser que sea un personaje que está diseñado para ser un modelo a seguir; sin embargo, también es bastante incomprendida a lo largo de la película. Adora la vida natural, y puede hablar de los ohmu y el fukai sin que nadie intente entenderla. Los personajes de otras ciudades, e incluso la gente del Valle del Viento – que la adoran por ser su princesa – en ocasiones no saben como tomársela. Lo realmente admirable de ella es que a pesar de no poder compartir con nadie esa visión que tiene del mundo realmente se esfuerza para que haya paz en ambas especies. Siempre hace algo, resolviendo problemas constantemente, a veces dejándose llevar fuertemente por sus emociones. Tampoco es completamente pacifista, pues usa notablemente la violencia ante un hecho que le afecta, cosa que no deja de hacerle sentir culpabilidad y, aunque llore seguido por ver tanto sufrimiento, está muy lejos de ser parecida a los personajes femeninos a los que estamos acostumbrados, que van a la lágrima fácil o pasan la mitad de la trama protestando sin tomar partido en lo que les rodea, lo que demuestra que el film no ha envejecido después de más de treinta años.

Sin lugar a dudas el aspecto audiovisual es algo por lo que también es imprescindible ver esta obra. A pesar de que no tenga una animación tan fluida como las películas ya producidas por el estudio, las escenas de vuelo siguen siendo increíbles, y el detalle de los fondos, de colores suaves, es impresionante. Se aprecia el trabajo duro que hay sobre todo en el clímax, con todo lo que sucede en el mismo. Todo está realizado en forma tradicional, y no deja indiferente el esfuerzo puesto, dada nuestra época, en la que fácilmente se recurre al uso de CGI para fondos y demás.

Asimismo, es un largomentraje en el que no sólo trabajaron futuros integrantes clave de Ghibli, sino que participaron como animadores figuras tan reconocidas como Hideaki Anno, trabajando en la escena del Dios Guerrero.

Algo a destacar es el diseño de los ohmus y de las naves usadas por los humanos, similares a los insectos (ya que no existen aves en este mundo). Nuevamente se nota la pasión del director por la aeronáutica, y es algo que le aporta cierta identidad a la obra.

Con los años, las remasterizaciones del filme han distorsionado los colores en ciertas escenas, por lo que, en la versión que hemos visto, parecía que al comienzo Nausicaä no llevaba pantalones. Nos ha distraído un poco, a decir verdad, durante los primeros minutos. Luego, investigando, nos dimos cuenta de que era un problema de la reedición. Lo mencionamos para avisar a los que les llegue a pasar lo mismo cuando disfruten de la película.

Luego está la banda sonora, que se trata de la primera colaboración de Joe Hisaishi con Miyazaki. Me costó reconocer que era un trabajo suyo, pues no adoptará aquí sus armonías características. Con canciones llenas de épica, toques medievales y ritmos electrónicos totalmente ochenteros (que funcionan extremadamente bien como parte de la ambientación post-apocalíptica) es un soundtrack completo, con un tema principal memorable. A su vez el requiem se ha convertido con los años en parte de numerosos memes, siendo una mezcla curiosa entre perturbadora y encantadora.

Darijosanatus: Como primera película ghibliana que veo, me resulta bastante complicado decir algo al respecto de forma personal, más que nada por la cantidad de fans que hay de sus películas y que pueden saber mucho más que yo. Ambos coincidimos en que es una película de animación japonesa que cualquier otaku que se precie debería ver, le guste más o menos, y es una recomendación tanto como película en sí como para conocer más del universo creado por Miyazaki y su estudio de animación.

En mi opinión, y a decepción de los más fans, Nausicaä del Valle del Viento no me ha podido llegar tanto como a ellos, más bien por la simpleza de los personajes, con los cuales no logro empatizar, salvo con Nausicaä un poco, pero igualmente es un personaje que parece más un ideal que una persona de verdad, de ahí que no logro identificarme con ella como con personajes de otras obras, que son más humanos, de los cuales puedo decir ejemplos a patadas, como Kenzo Tenma de Monster, Yang Wenli de Legend of Galactic Heroes, o algunos más conocidos como pueden ser Luffy de One Piece o Izuku Midoriya de Boku no Hero Academia.

En contraparte, y por eso seguiré viendo más de la filmografía de ‘Studio Ghibli’, su universo junto a las ideas que propone y la narración tan amena y fluida que se da, me han gustado, porque no llega a ser, al menos en este caso, una historia rocambolesca ni incoherente de guión con lo que quiere contar el propio autor de la obra. Es una historia muy bien estructurada, narrada y que no se te llega a ser pesada en ningún momento, por lo que de mi parte os animo a que la veáis para que le déis una oportunidad a toda su filmografía.

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Quizás conforme vaya viendo más empiece a coger un gusto mayor por las películas, y por esta misma, pero por el momento no me puedo declarar fan de ‘Studio Ghibli’.

Y para terminar, ya lo dije en parte, su banda sonora junto a su diseño gráfico son geniales, en serio, nos ha costado elegir imágenes para añadir a la propia reseña porque es que de verdad, se puede hacer captura de pantalla a cualquier paisaje que veas dentro de la propia película. La banda sonora la escuché ayer por la noche mientras discutíamos o conversábamos que queda más bonito con Faelyan, y es preciosa también.

Una obra totalmente recomendable, pero quizás a mí los mundos de ciencia ficción y fantasía no me llegan a gustar, casi ninguno, así que no quiero que mi opinión os coarte a la hora de ver esta película porque es muy buena.

Faelyan: Concuerdo en la recomendación de Darío, es una historia sólida que merece al menos una oportunidad, aunque su protagonista se coma al resto en pantalla. Así como expresé antes, a mis ojos es una excelente heroína, totalmente entretenida. Plantea un mundo fascinante en el que queremos saber lo que va a pasar y en el que nos vemos inducidos por un ritmo estable y unos diseños maravillosos. Es una obra esencial para conocer a Miyazaki en estado puro, con toques de la época que la vuelven irresistible. Me ha sorprendido gratamente.

Y esas fueron nuestras impresiones de la primera película en esta travesía sobre las películas de Ghibli, que recién comienza. Próximamente comentaremos El castillo en el cielo en el blog de Darijosanatus, Cuatro Torbellinos Parlantes, que deberían revisar. Esperamos que hayan disfrutado leyendo tanto como nosotros escribiendo y esperamos que nos cuenten su opinión de ésta y las demás cintas. Hasta entonces, ¡a ver anime se ha dicho!

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#ParejasDelAnime: Hajime y Kaoru (No Puedo Entender lo que Dice Mi Esposo)

La gran mayoría de historias románticas en el anime contemporáneo ocurren en los pasillos de los institutos, con dos personajes jóvenes que todavía están aprendiendo lo que es estar enamorado. Los románticos empedernidos que queremos ver a la pareja por fin junta siempre tenemos que esperar hasta el final de la serie, y en otras oportunidades ni siquiera parecen alcanzar doce o veinticuatro episodios para un simple acercamiento. Lógicamente, es un aspecto que se vuelve frustrante para cualquier espectador. Cuesta sentirse identificado e interesado con lo que nos propone la trama ya que, si estas dos personas se quieren, ¿no sería lo más probable que quieran acercarse y estar juntos? Es una cuestión que causa que mucha gente se llene de prejuicios sobre el género romántico, e incluso la demografía shoujo en general. Si es justificado o no es algo que atañe a la calidad de sus exponentes, siendo un tema que dejo para otra entrada.

Como cada mes seguimos observando relaciones amorosas de la animación japonesa, y hoy nos vamos a alejar de los recintos escolares y las problemáticas adolescentes. Danna ga Nani wo Itteiru ka Wakaranai ken (o No Puedo Entender lo que Dice mi Esposo) está basada en un manga de cuatro paneles, cuyos capítulos duran tres minutos y nos cuentan las desventuras de una chica que está casada con un otaku. A simple vista aparenta ser la típica comedia con referencias a animes y bastante ecchi, pero nada más lejos de eso.

Los protagonistas

 

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La vida diaria de la pareja se nos suele mostrar desde el punto de vista de Kaoru, una trabajadora de oficina que fuma y se emborracha cada vez que la invitan a tomar algo. Desde que empieza la serie está casada con Hajime, un otaku obsesionado con el moe que se gana la vida escribiendo un blog sobre su hobby. Al quedarse en casa, él suele limpiarla y cocinar.

Poco sabemos de la vida de ambos antes del matrimonio, por lo que no se puede decir mucho más de ellos individualmente.

Desarrollo

Uno de los aspectos por los cuales destaca esta serie es por la falta de una historia lineal: en este caso no tenemos que esperar confesiones, ni besos. Desde el minuto uno están casados, y eso no quiere decir que no haya conflictos. Tanto Kaoru como Hajime no están muy seguros de lo que supone un matrimonio, ni el ser feliz, mucho menos hacer feliz a otra persona.

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Al comienzo está lleno de gags sobre el anime y los fans, desde chistes sobre el yaoi y el lolicon hasta referencias directas a series como Neon Genesis Evangelion. Sin embargo, ésta no es una serie corta que sólo emplea humor de este estilo; a lo largo de los capítulos los personajes quieren cambiar para convivir mejor y ayudarse: Hajime consigue un trabajo y Kaoru aprende a cocinar, por ejemplo. Hay un punto clave en el anime donde se enteran de que van a ser padres, lo que por supuesto genera muchos momentos de reflexión por parte de los protagonistas; no están seguros de ser una buena pareja, pero si de algo tienen la certeza es que son mejores estando juntos que por separado. Puede sonar algo básico en la construcción de cualquier historia de amor, pues realmente no hay demasiados motivos para estar con alguien a largo plazo más allá de ese. Al contrario, es corriente ver que se ponen en su lugar razones más épicas o excesivamente melosas para que nos pongamos a favor de la unión de protagonistas, que logra el efecto contrario porque no nos lo creeremos tanto como ésta pequeña sucesión de chistes y momentos tiernos entre un matrimonio de jóvenes inseguros.

Es hasta refrescante ver sus interacciones con amigos, suegros y padres, pues contribuyen a reafirmar su relación de una manera que no es común en estos animes. Todos escuchamos o tuvimos conversaciones similares alguna vez, por lo que entendemos mejor a estas personas ficticias, aún con su diseño cómico y minimalista.

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La serie cuenta con dos temporadas que pasan volando. En poco tiempo nos encariñamos con la extraña pero realista pareja que forman éstos dos y no sobran ganas de que hubiera una continuación para seguir viendo sus peripecias cotidianas. No obstante, en este caso no es imprescindible; se le da un buen cierre al conflicto principal que le deja muy buen sabor de boca a cualquiera.

Comunicación y química

Aquí nos olvidamos de la timidez para comenzar a hablar, de los chocolates del día de San Valentín y las confesiones: en su lugar las charlas del día a día de Kaoru y Hajime van sobre la convivencia, sus personas cercanas y ellos mismos. Tampoco alejan temas más adultos, aunque utilizados en clave cómica.

Como decía antes, hay varias escenas pequeñas que no intentan ser grandilocuentes y consiguen enternecer. Por ejemplo, hay un capítulo en el que Kaoru recuerda su pasado, sola pero tranquila y se da cuenta de que, sin saberlo, le faltaba eso que tiene al despertar: a Hajime a su lado. No hay explicaciones, ella no piensa “¿qué es este sentimiento?”, lo sabe y nosotros también.

Conclusión

i-cant-understand-what-my-husband-is-saying-1Kaoru y Hajime son una buena pareja. Son dos personas muy distintas que podrían estar bien sin el otro, pero estando juntos se percibe esa magia que se encuentra en los detalles. Chispas de comedia y momentos dulces hacen que No Puedo Entender lo que Dice Mi Esposo trascienda más allá de los animes cómicos para dar lugar a un dúo adorable por el que todos apostamos. Quizá le falte desarrollo debido a la brevedad de sus episodios, además de que en ocasiones le dan tiempo de pantalla a otros personajes que no nos importan tanto y son más cliché; pero para lo que es, vale mucho la pena sentarse una tarde a ver las delicias de la vida matrimonial sin tanto romanticismo y azúcar.

¿Han visto esta serie? ¿Les gusta otra pareja casada del anime? Como siempre pueden sugerir más parejas en los comentarios, y seguramente tendrán una entrada aquí.

Aplicando la regla de los 3 episodios a la temporada invierno 2018

Hay una especie de mito o creencia dentro de la comunidad otaku que se ha convertido casi en ritual: que con ver tres episodios de un show ya se puede deducir si estamos ante algo que valga la pena o si la serie merece un rotundo drop. Se supone que basta con este número de capítulos para que el anime en cuestión te presente a su elenco, trama e intenciones. En muchos casos ha servido, como en el conocido ejemplo de Puella Magi Madoka Magica, que se podría decir que popularizó esta tendencia a darle la oportunidad a un anime que a simple vista parece normalito durante tres bloques de más o menos veinte minutos.

Personalmente, considero que este método es útil en algunas ocasiones, pues hay series que hasta necesitan más tiempo para gustar. Sin embargo, no puedo negar que es práctico si no tienes el tiempo suficiente para esperar a que te conquiste tal o cuál anime, por lo que viene como anillo al dedo para los estrenos de temporada. Así, le voy a dar una oportunidad a muchísimas series que dejaría fuera por mis preferencias para enterarme si se me escapa algo jugoso teniendo en cuenta sus tres capítulos iniciales. Sin más preámbulo, empecemos con la  tanda de animes que nos ofrece el comienzo del 2018.

NOTA: en la información de cada serie añado un breve comentario, que defina lo mejor de la serie en estos tres episodios.


 Sora yori mo Tooi Basho

Madhouse| Aventura, Slice of life | Guión original | Mejores personajes

 

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La propuesta del estudio Madhouse para este invierno es nada más y nada menos que otro añadido al ya explotadísimo género de “chicas kawaii haciendo una actividad”, sólo que ésta vez se trata de la descabellada idea de ir a la Antártida. Si, así como leen. Un grupo de estudiantes niponas yendo al continente de hielo para cumplir su sueño. Por suerte, no decepcionó, pues no le es tan fácil a nuestras colegialas zarpar así como así.

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En estos tres episodios se nos introducen a todas las chicas, con personalidades e historias definidas, momentos cómicos, animación normal con unos colores que no son vibrantes y delineados blancos. Terminé interesada en ver cómo se las arreglarán y si el show trae alguna sorpresa. Imagino que el anime atrapa según cómo te caigan estas jovencitas, y a mi me han convencido con esas ganas que tienen de emprender este viaje juntas. Después de todo, se trata más de la energía juvenil que de la travesía propiamente dicha.

Yuru Camp △

 C-Station| Slice of life, comedia | Manga | Lo más relajante que vi

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Otra serie de chicas kawaii, en este caso lolis, que les gusta salir de acampada, siendo parte del club de actividades al aire libre. Me encanta ver este estreno por lo extremadamente relajante que es. Además de que fui muchos años a los scouts y me siento muy identificada con todo lo que hacen. Incluso aparecen consejos de acampada sin ser molesto o interrumpir el ritmo de los episodios. tumblr_p21lilyidg1t0lt8go1_540La banda sonora acompaña a ese clima calmado y las chicas no serán de lo mejor, pero al menos no las sexualizan ni sobreexplotan el moe.  Eso sí, va a fuego lento, ya que todavía no se incorporaron todos los personajes al grupo de camping. Ahí puede haber un problema: la relación que construyen Rin y Nadeshiko es dinámica y tierna, por lo que no sé si las demás cuadrarán bien o quedarán fuera de lo interesante. A pesar de todo es una serie perfecta para tomar un té y desconectar.

Karakai Jouzu no Takagi-san

 Shin-Ei Animation| Comedia, Escolar | Manga | Mejor seiyuu y OTP

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No esperaba mucho de este show, ya que a simple vista la premisa es muy del estilo de Tonari no Seki-kun, que no me desagradó, pero no me entusiasmaba ver una serie igual. Además de que el formato de mini-historias podía hacerse repetitivo y los personajes haciendo siempre lo mismo acaba fácilmente en el tedio absoluto.

tumblr_p30xycpvv41thzx08o7_1280Menos mal que de todas formas la vi, convirtiéndose este estreno en el que más me hace reír; no por el guión, sino por la hilarante interpretación de Yuki Kaji (Eren Jaegar, Meliodas), que borda cada escena a la perfección. Su personaje es nuestro protagonista, un tontorrón de aquellas que intenta gastarle bromas a su compañera, Takagi-san, antes de que ella se las gaste a él. Como es de esperarse, fracasa estrepitosamente en cada intento, sin darse cuenta de que la pequeña lo ve con otros ojos.

Lleno de inocencia y humor para todo público, Karakai Jouzu… ofrece por el momento un buen rato, con momentos que te sacan una sonrisa. Ojalá le funcione la estructura sin cansar.

Pop Team Epic

 Kamikaze Douga | Comedia, parodia | Manga | Mejor opening y comedia

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Mucha curiosidad y revuelo generó este compilado de sketchs en las redes sociales, y no es para menos. Poputepipikku es una gran burla que no deja títere con cabeza, hace referencias sin parar, se ríe de los franceses, de la vida cotidiana, de los idols y hasta rompe la cuarta pared numerosas veces, entre muchas otras cosas. Todo lo popular es pasado por el filtro de estas dos chicas de secundaria que tienen voz femenina en una mitad y masculina en otra, aspecto que sume más a la trolleada de la serie a sus espectadores.

Se nota la pasión que le pone el estudio, pues no es tarea fácil adaptar a un formato tan distinto un manga de cuatro viñetas. Prueban muchos estilos de dibujo, stop-motion, juegan con los actores de voz y con el público, interactuando con él, aportando mucha personalidad. Por eso mismo se ha convertido en memes y la gente responde a los planteos de las colegialas. Realmente lo trasladaron muy bien a la animación.

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Un problema persistente entre los que se acercan a Pop Team Epic es que la segunda parte del episodio es exactamente la misma que el primero, sólo que con cambio de seiyuus. Entiendo el desconcierto que genera en un comienzo, hasta que te das cuenta que todo es parte de la gracia, el sinsentido y a la vez la gran significación del anime. Tomes la posición de intelectual analítico o de audiencia casual estupefacta, es un estreno que no deja indiferente a nadie. Estando yo a medio camino entre las carcajadas y la incomprensión, no dudo que continuaré su visionado, esperando las sorpresas que guarda.

Slow Start

 A-1 Pictures| Slice of life, Escolar | Manga | El más aburrido y genérico

 

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Pese a que la sinopsis indica que esta típica serie de A-1 Pictures (con el mismo estilo que su apuesta de la pasada temporada otoño, Blend S) tiene cierto tono dramático, ya que nos cuenta sobre una chica que empieza el colegio un año más tarde de lo normal por una enfermedad; se va por el camino del moe, para que todos exclamen kawaiis nyan nyans todo el rato. La cantidad de clichés, fanservice y estereotipos utilizados se comen la poca personalidad que podía ofrecer este estreno. Para darles una idea, es de estos shows en los que tienen que poner el nombre de los personajes en el opening por lo genéricos y olvidables que son. DROP INSTANTÁNEO.

Gakuen Babysitters

Brain's Base| Slice of Life, Escolar, Comedia | Manga | Mejor escolar

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Francamente, éste estreno es de mis mayores sorpresas de la temporada. Viendo el PV y los diseños creía que se trataba de algo mediocre y sin sentido. Y aquí estoy, que me vi los tres episodios de una sentada, asombrada de cómo me absorbió una típica serie escolar de clubs, en éste caso un club de niñeros, plagados de chibis adorables. La trampa de que los bebés son muy tiernos se percibía de lejos, pero construyen un anime interesante, con algunos gags efectivos y varios awwwww de por medio. Es un buen slice of life que aprovecha la temática cute para abordar temas familiares con un puñado de personajes no tan carismáticos pero decentes. No sé cómo hicieron para que los capítulos se pasen volando. Totalmente entretenido si soportas a los niños pequeños.

Citrus

  Passione | Drama, Romance, Escolar, Yuri| Manga | Peor romance

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Este es el estreno que más perdida me tenía. Primeramente porque no soy fan del yuri ni del yaoi, debido a que considero que construyen sus tramas alrededor del fanservice, con personajes que parecen recortados de un cartón y que no hacen mucho más que cualquier integrante de un anime ecchi, además de que ese rollo sumiso/dominante no me atrae para nada. Para colmo, este anime entra en esa categoría de imouto, en el que tenemos a hermanos no relacionados por la sangre que hacen sus cositas… Combinado aquí con el yuri.

A pesar de eso, admito que a lo largo de los capítulos me caía mejor la protagonista, con su torpeza y su rebeldía de gal, a pesar de que sigue teniendo sus características copiadas de otras miles de gals en el anime. Los diseños no están mal y sé la buena fama que tiene su manga. tumblr_p259lzp4yi1vk041eo1_500Aún con eso, pocos elementos captan mi atención: la presidenta del consejo estudiantil me tiene sin cuidado por más pasado triste que le den y el romance se estructura de la misma forma que un show plagado de fanservice. Intenté dejar a un lado los prejuicios con Citrus, además de que quiero algo de variedad en el Parejas del Anime en cuanto a orientación sexual; pero nada, son personajes muy planos, situaciones vistas y demás. Como fan del anime romántico y escolar, he visto muchísimos tópicos, que se hacen tolerables en determinadas historias cuando le aportan encanto y carisma, siendo lo que le falta a este estreno, que lo necesita con urgencia. DROP.

Violet Evergarden

Kyoto Animation | Fantasía, Drama | Novela ligera | Mejores visuales

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El pez gordo de este invierno, y no es para menos. La técnica que tiene es insuperable: desde la paleta de colores, la animación de los personajes y elementos, la iluminación, una ambientación steampunk correcta, sumado al detalle y la delicadeza que le pone Kyoto Animation a cada frame (superando la calidad de su último largometraje, Koe no Katachi, lo cual es sorprendente); sólo su estilo hace que sea un imprescindible de este invierno. Otra cosa a resaltar es que se trata de la primera vez que Netflix emite un anime semana a semana, gran paso adelante para que las diversas plataformas de visionado legal se ajusten a las necesidades de los consumidores otakus.

 

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El dilema de muchos se producía al salir del apartado visual y poner la atención en la historia. Una protagonista que es una máquina, con un estilo kuudere, cuyo objetivo es saber qué significa la expresión “te amo” no sonaba prometedor para una parte de la audiencia. Aún así, el desarrollo de la historia hasta el momento posee un enfoque de slice of life con la emotividad a la que el estudio nos tiene acostumbrados. Tiene momentos que en cuanto a delicadeza y cuidado están a la par de lo que vemos, además de que aprovechan la ignorancia de Violet para poner escenas cómicas que no quedan fuera de lugar. evergarden-mano-gifAsimismo, todo buen anime con cyborgs indaga en la condición humana, y Violet Evergarden no es una excepción: ni siquiera nosotros mismos sabemos definir nuestros sentimientos, mucho menos plasmarlos de forma clara con palabras y encontraríamos muy difícil la tarea de enseñarle a alguien como Violet sobre el tema, por lo que en ese sentido va por el buen camino. El problema hasta el momento son los personajes, que no atrapan y tampoco sabemos lo suficente sobre ellos como para que nos importen.

Francamente no tengo mucha idea para dónde nos llevara este anime, dándonos en estos tres episodios pistas sobre la evolución de ella pero sin especificar qué rumbo tomará. Mientras tanto, todos disfrutamos el recorrido audiovisual que supone este estreno, sin atender mucho al futuro del elenco de personajes. 

Sakura CardCaptor: Clear Card-hen

 Madhouse | Aventuras, Magical Girls | Manga | Mejor secuela, el más "OK"

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Antes que nada aclaro que la nostalgia no va a afectar mi visión sobre esta continuación del clásico magical girl noventero, pues éste nunca estuvo en mi pantalla durante mi infancia, culpa de los canales y sus programaciones que en su lugar yo fuera fan de Sailor Moon.

Claramente esta historia en la que Sakura y sus amigos están ahora en la secundaria se disfruta muchísimo más si ya viste las anteriores aventuras de la pequeña. Como alguien que sabe lo básico de cada personaje y poco más, entendí el argumento y no sentí que me costara meterme en el mundo de esta obra de las CLAMP.

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Llena de colores brillantes, es un buen aporte (a pesar de que ya tenga sus años) el hecho de que la transformación es sólo del objeto y no es que la transforman también a Sakura como suele suceder, quitando el abusivo fanservice que acostumbra a aparecer en este tipo de animes. Asimismo, da la impresión de que a Shaoran le falta expresión y varios secundarios sobran. Algunos usos de las cartas son curiosos, pero más allá de eso el desarrollo de los problemas que tiene que afrontar la niña son bastante predecibles, cosa que no me sorprende. Lo compensaría con creces si les dieran más chispa a ciertos personajes. No es un recomendado, sin ser tampoco mala ni aburrida. Meh, espero a ver qué me generan los próximos episodios.

Koi wa Ameagari no You Ni

Wit studio | Romance, seinen | Manga | Mejor protagonista y mejor ending

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Éstos tres capítulos supusieron para mi una grata sorpresa. Cuando ojeaba los estrenos para decidir qué seguir, me generaba opiniones encontradas ésta serie sobre una chica de 17 años que se enamora de su jefe, de unos 40. Pensaba que sería un drama en el que la colegiala sufriría por obvias razones y esperaba ver su maduración frente a tal problema. Comienzo a verla y me encuentro con un opening colorido y éstos dos montando una llama… Bueno, el gerente parece un niño atrapado en el cuerpo de un adulto, está divorciado y tiene un carácter torpe y ameno que contrasta totalmente con la seriedad de nuestra protagonista, Akira. tumblr_p2sbh7gtfd1uku9tco3_500Viendo esa dinámica creí entonces que sería más enfocado en la comedia, y que ella estaría enamoradísima de él mientras que éste último no se entera, al más puro estilo de Gekkan Shoujo Nozaki-kun. Avanzo con los episodios y nuevamente me equivoqué, Akira no está para vueltas y va directo al grano, para sorpresa nuestra y del aturdido cuarentón. Todavía sigo sin saber por donde irán los tiros con ésta historia, ya que su temática no deja de ser controversial por más inocentón que sea el integrante masculino.

 

Por otra parte, después de Violet Evergarden ésta es la serie de temporada con un estilo visual característico a la par que destacable, con unos colores muy agradables y un dibujo algo retro, sobre todo con Akira. Me encanta que muchas cosas se trasmiten a través de miradas o recuerdos sin diálogos, dejando esos monólogos internos que suelen estorbar en un par de títulos del género. De mis preferidas de este invierno por el momento.

Darling in the Franxx

A-1 Pictures, Trigger | Mecha, Sci-Fi | Guión original | Peores diseños de personajes y mejor waifu

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¿Que Trigger y A-1 Pictures van a sacar un anime de mechas? ¡No puedo esperar a verlo! Y es que me hacía pura ilusión experimentar lo que estos dos estudios podían aportar a un género que quedó lejos de la gloria que en su momento poseía. Esperé a que estuvieran los tres capítulos disponibles y… no me provoca nada. Nuevamente tenemos un comienzo exprimido, copiado y reventado en los dibujos de robots gigantes, con el protagonista perdedor que se encuentra con una chica de diseño curioso y atractivo que lo introducirá a una experiencia como nunca ha vivido en su aburrida vida.

Aunque la animación sea más que buena, con escenas muy logradas, el apartado técnico en general es decepcionante. Primeramente el diseño de personajes es el que ya nos ha ofrecido una y mil veces A-1, y sólo recuerdo tres nombres de los mismos porque el resto me dan igual. tumblr_p2iad3jjuw1upe1ufo1_500Por otra parte los mechas: atención a la fealdad de los robots porque jamás he visto a los japoneses haciendo máquinas de pelea tan exageradamente caricaturescas que uno no se los imagina en una batalla. Y por último, pero para nada menos importante, la banda sonora. Esta serie necesitaba las composiciones de Hiroyuki Sawano, las pedía a gritos y en su lugar tiene un soundtrack insípido y olvidable.

Decía antes que era la típica estructura inicial de un mecha, pero olvidé mencionar la gran innovación que tiene en el funcionamiento de los robots. Para pilotearlo es necesario que haya dos personas de distinto sexo muy bien compenetradas, lo cual podría reforzar en cierta dirección la evolución del cast y… ¡El chico usa de comando el culo de su compañera! ¿Era necesario Japón? ¿Era necesario? Sé que se te ocurren las ideas más bizarras y ecchi posibles para las batallas (nada más lejos que el concepto de invenciones extrañas como la de Seikou no Qwaser) y que este caso no es lo más atrevido que has llevado a la pantalla pero, ¿no se podía romper esquemas en un sentido mejor?f8b ¿No podías hacer chicas que pilotearan a la par que sus contrapartes masculinos y no gimieran cada dos por tres? ¿O no se te ocurrió crear personajes varones más interesantes y menos típicos? ¿No? Bueno, le daré a tu peculiar creación un capítulo más para que me demuestre que lo vale, y si no sucede, ya firmo que esto queda en un triste DROP. 

P.D: eso sí, te felicito por el personaje de Zero Two, ¡bravo Darling in the Franxx, has generado a la waifu de la temporada! Se come al resto de personajes y la serie es ella.


Ciertamente esta temporada está suponiendo una auténtica caja de sorpresas. Aquellos estrenos que me daban la impresión de ser mediocres resultaron ser mis favoritos hasta el momento y los que esperaba con ansias me decepcionan a cada capítulo que emiten. También tiene series de géneros y estilos muy variados, por lo que cualquiera puede encontrar un anime aquí que sea de su agrado. Agradezco tener el blog porque de otro modo me hubiera perdido los buenos estrenos que este invierno nos ofrece. ¿Seguirán manteniendo la calidad o habrá más decepciones? ¿Encontraré otro anime de temporada que valga la pena? En unas semanas les contaré y, hasta entonces, ¡a ver anime se ha dicho!

Y ustedes, ¿qué ven esta temporada? ¿Me perdí de algún estreno interesante? Pueden dejar sus opiniones en los comentarios.