Maratón DreamWorks 12: «Wallace y Gromit: La Maldición de las Verduras».

¡Buenas, buenas! Estoy de regreso en mi querida y abandonada bitácora, espero sepan disculpar el estado de letargo en el que quedó este blog en lo que va de año. Muero de ganas de que lleguen las vacaciones para retomar todos los borradores que están aguardando a ser publicados, pero no es momento de adelantarnos. Ha llegado octubre, y eso sólo puede significar una cosa: ¡Halloween! Se viene la noche más terrorífica del año, y en Vorágine de Palabras nos dedicamos a hablar de ficciones que podemos disfrutar los más asustadizos sin perdernos el clima de esta fiesta. Desde pequeña adoro ver películas cargadas de la imaginería de noche de brujas, pero ante cualquier jumpscare medio facilón ya me quedo perturbada al punto de ser incapaz de conciliar el sueño.

Esta sección comenzó enfocada en la animación, y aunque la idea es eventualmente incorporar también live-action, esta Vorágine de Halloween 2019 se queda en los dibujos en movimiento, ya que la edición del año pasado quedó truncada, pudiendo sólo recomendar un mediometraje. De hecho, ya que estamos, ¿qué tal si matamos dos pájaros de un tiro y también recuperamos otro especial de este blog? En efecto, señoras y señores, esta entrada es además la continuación de la lentísima Maratón DreamWorks. Aprovecho la ocasión porque el siguiente largometraje que toca es ideal para ver este mes. Sin más dilación, ¡comencemos con el especial!

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Si bien está claro que no soy muy seguidora de esta transición de DreamWorks a la comedia pura, sigo reconociendo que es un estudio que da oportunidad a la variedad. Podemos tener una cinta plagada de humor referencial y celebrities como viene siendo la norma, pero también dan lugar a ideas ciertamente peculiares y personajes que, aunque no acostumbramos a ver en el cine familiar, se vuelven íconos muy queridos. En la maratón ya hemos comentado algunos, pero todavía nos quedan bastantes por conocer.

El caso que hoy nos ocupa, en cambio, es otro tipo de film. Wallace y Gromit ya habían demostrado en cortometrajes estrenados en los años 90 que son uno de los dúos más adorables de la animación. Con un par de Óscars encima y tras el éxito de Chicken Run, Katzenberg le pidió a Nick Park y su equipo de Aardman otra colaboración; esta vez trayendo a la gran pantalla a sus dos personajes más reconocidos. No sólo ganó un premio de la Academia (el único de la productora hasta la fecha aparte de Shrek), sino que extendió la popularidad de los personajes al público general.

2005 | Aventura, comedia, animada | 1h 25min | Nick Park, Steve Box | ★★★

En esta oportunidad, Wallace y Gromit son controladores de plagas de conejos en el pueblo, y están cargados de trabajo, pues se acerca la competición anual de verduras y todo el vecindario quiere asegurarse de mantener a salvo sus cultivos. Sin embargo, sus métodos pacíficos serán cuestionados cuando aceche el misterioso hombre-conejo, y Lord Quatermaine quiera resolverlo recurriendo a las armas. Gromit no tardará en darse cuenta de que tal vez las locas invenciones de Wallace hayan vuelto a generar caos, y le tocará una vez más resolverlo.

La premisa es bastante absurda, y las situaciones en las que se ven enfrascados los protagonistas son propias de la excentricidad de la comedia inglesa. Particularmente los habitantes del pueblo tienen líneas y momentos bastante graciosos, con muchos momentos de homenaje burlón a los clichés del cine de terror. Los propios directores calificaron a la cinta como la «primera película de horror vegetariana del mundo», y ciertamente esa afirmación ya sintetiza la película.

Cabe aclarar que la carga irónica se conjuga con la dinámica inocente del dúo protagonista. El carisma y carácter torpe de Wallace se complementa con las expresiones de exasperación y la resolución de Gromit, en donde el perro es el que se encarga de resolver los desastres del humano. Con un humor que surge de los silencios y los pequeños gestos, haciendo que la película no peque en ningún momento de grandilocuente, sin perder su personalidad en el camino.

Qué decir de la animación (¡la animación!). En una época en la que el CGI y el 3D dominan las salas de cine las producciones como esta suponen un soplo de aire fresco. Esta cinta tomó cinco años en hacerse, iniciando Aardman el proceso de creación justo después de finalizar su anterior colaboración con DreamWorks: Chicken Run (2000). Realmente se nota el esmero y trabajo en un resultado impecable, donde el movimiento favorece a la caracterización de los personajes y los gags.

A pesar del buen rato que se pasa viendo la película, dista de ser un trabajo redondo y pulido. La trama resulta bastante predecible, los personajes secundarios no son tan entretenidos y por ello quizás debería haber tenido menos duración. Problemas similares a los que tuvo la cinta anterior ya mencionada, y que no es de extrañar que se arrastratan dado lo cerca que estuvieron sus producciones. Aún Nick Park y compañía se encontraban dando sus primeros pasos en la gran pantalla, teniendo que adaptar su estilo narrativo al largometraje con una técnica de animación bastante laboriosa. Por ello no hay que restarles mérito y ver esta cinta por lo que es: entretiene bastante, hace reír y cuenta con unos protagonistas entrañables que hacen disfrutar de principio a fin, con guiños y pequeños detalles que hacen de Wallace y Gromit: La maldición de las verduras un deleite que aporta algo ligeramente diferente a lo que solemos ver estas fechas.

 

 

Maratón DreamWorks 11: «Madagascar»

¿Alguna vez vieron una película que les dejó indiferente? ¿Que lo único que podían decir sobre ella era un liso y llano meh? Bueno, resulta que mi gran reto de esta maratón no era la anti-recomendación que supuso la anterior El Espantatiburones. Criticar una mala película no es complicado, los fallos son tantos y tan notorios que señalarlos es pan comido en comparación a intentar explicar por qué una cinta ni te va, ni te viene. No hay nada tan terrible en su metraje, pero tampoco nada lo suficientemente destacable para considerarla buena. En fin, en este onceavo paso por el recorrido DreamWorks tocará exprimirme algo el cerebro y plasmar mis impresiones tanto como se pueda.

2005 | Aventura, comedia | 1h 26min |Dir Eric Darnell, Tom McGrath| ★★1/2

Desde que era pequeña hasta la actualidad, una de las franquicias de más éxito de la productora es la de Madagascar: tres películas, dos series y un film spin-off. De todo eso (antes de la maratón, claro) sólo había visto la serie de TV Los Pingüinos de Madagascar junto a mi hermanito. Las cintas no me llamaban la atención por el diseño de los personajes, y cada vez que intentaba ver la primera de éstas me quedaba dormida de inmediato. ¿Me perdí de mucho? No creo.

La historia, sin embargo, puede resultar curiosa para el cine de animación. Un grupo de animales – león, zebra, jirafa e hipopótamo – viven tranquilamente en el zoológico de Nueva York. Mientras que el felino adora ser la estrella y principal atracción del lugar, su amigo zebra Marty no sabe si pasar su existencia en cautiverio es tan prometedor. Por una serie de eventos Marty escapa del zoo, y sus amigos irán tras él para hacer que regrese. Sin embargo, las cosas no salen como planean y acaban siendo llevados a la isla de Madagascar, donde la naturaleza a la que no están acostumbrados puede separarlos para siempre, pues el apetito de un carnívoro hambriento como Alex parece poner en peligro la vida de sus amigos.

Teniendo en cuenta que uno de los directores ha estado también a cargo de la maravillosa y divertida Antz, no es tan sorpresivo que en Madagascar se pretende jugar con la representación de los animales en la animación. Esa oscilación entre su humanización y su comportamiento animal es tan antiguo como el cartoon más clásico. Aquí la premisa parte de que el actuar como humano de estos animales se da por la domesticación que supone el zoológico, y tanto el conflicto como la comedia pasan por esta cuestión.

A lo largo de la cinta, hay gran cantidad de referencias a la cultura popular, como ya acostumbra a suceder en las películas de DreamWorks. El primer tramo de Madagascar es el más entretenido en mi opinión, con los mejores gags y la aparición estelar de los pingüinos, para muchos lo mejor de la franquicia (con mucha razón). Cuando llegan a la selva, en cambio, ya las risas disminuyen. El rey Julien y los lémures tienen potencial, pero nunca llegan a ser tan graciosos porque hay que resolver la cuestión del hambre de Alex. Y ésta no es lo suficientemente explotada como para mantener nuestra atención durante lo que resta de duración.

 

El conflicto entre el grupo de amigos, aunque curioso y poco visto en una película para toda la familia, no es suficiente para que Madagascar sea recomendable porque se queda en comedia para niños. A pesar de que es un elemento que puede divertir a los adultos, la cinta no sigue el camino de Shrek o la mencionada Antz desarrollando el humor negro relacionado a una trama como la presentada. Al quedarse en entretenimiento infantil pierde el potencial para entretener a más generaciones.

No tengo mucho más para añadir. Si te gustan las películas que van a lo seguro y tienen algo de humor escatológico y referencial, es probable que ésta sea de tu agrado. Es preferible verla en inglés, pues las voces de Ben Stiller, Chris Rock y muchos más comediantes la dejan mejor parada que los doblajes. Si no es tu estilo, entonces puedes saltearla sin remordimientos: ni los personajes ni los diseños son imprescindibles.

 

No tengo mucho más para añadir. Si te gustan las películas que van a lo seguro y tienen algo de humor escatológico y referencial, es probable que ésta sea de tu agrado. Es preferible verla en inglés, pues las voces de Ben Stiller, Chris Rock y muchos más comediantes la dejan mejor parada que los doblajes. Si no es tu estilo, entonces puedes saltearla sin remordimientos: ni los personajes ni los diseños son imprescindibles.

Meh.

La próxima vez dejamos un poco (desafortunadamente no por mucho tiempo) el 3D para volver a la entrañable animación por stop-motion. Confío en que pasaré un buen rato.

 

Favoritos 2018

Sí, voy a empezar esta entrada diciendo lo mismo que todo el mundo: ¡este año ha pasado volando! ¿Con qué más puedo comenzar? Apenas pude publicar unas entradas, no completé la maratón DreamWorks ni analice doce parejas. Los meses volaban, y cuando me senté a escribir la Vorágine de Halloween ya hacía días pasó la noche de brujas. Lo mismo con los animes de temporada, no los disfruté mientras se emitían y menos me puse al día cuando ya estaban finalizados. Fue complejo compaginar el hobbie, el blog y mi inicio en la universidad, por lo que no podré hacer esos tops de destacados del año.

A pesar de tanta desventura con el calendario, he visto películas, animes, escuchado música y leído lo suficiente para echar la vista atrás y comentar por aquí lo más memorable, obras que me quedarán en la cabeza por mucho tiempo y que merecen ser recomendadas. Algunas ya las conocerán si fueron leyendo las publicaciones «mensuales» de los mix, y otras (qué sorpresa) ni me dio tiempo a reflexionar para exponerlas como es debido. Así que aquí van mis preferidos que haya descubierto este pasado 2018 a modo de resumen de mi año en términos de entretenimiento.

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Coco (2017)

Recuérdame, no llores por favor.

… Ya estoy llorando.

Poco he visto de lo que la Disney y Pixar han estrenado en la gran pantalla este año. Siempre que quise aprovechar el tiempo libre para ir a la sala de cine, ya era demasiado tarde, las habían quitado de la cartelera. Siendo honesta tampoco me llamaron la atención lo suficiente como para preferir sus films a cualquier otro, a excepción de esta película.

Si bien la historia tiene muchos elementos ya vistos, y giros bastante predecibles en general, estéticamente es brillante. No soy una devota del 3D, y creo que la dupla Disney/Pixar está rozando una monotonía con sus diseños bastante decepcionante. Sin embargo, la ambientación ayuda mucho a que Coco llegue a destacar. La presentación de México, sin ser tan innovadora, es atractiva, interesante y no se siente como un homenaje a medias.

Además que tenemos a Pixar haciendo lo que mejor se les da: construír momentos que producen emociones muy fuertes. Nuevamente traen una historia protagonizada por humanos, y no pudo funcionar mejor. La rebeldía de Miguel aprovechada para hablar de la familia, el olvido, el éxito y el perdón cuando se llega al último acto de la cinta sin por ello aleccionar a la audiencia de manera lisa y llana. Se permite reflejar la complejidad que adquieren este tipo de relaciones de una manera que podría funcionar sin la existencia de un villano (Ernesto de La Cruz es lo peor de la película sin lugar a dudas).

Los temas alrededor de los que gira, el abordaje aprovechando la locación los he apreciado más en el segundo visionado. No es una visagra de la animación, pero está bien contada. No la considero una obra maestra, pero los sentimientos a los que apela y su maestría audiovisual bastan para que se vuelva de mis favoritas de este año.

Monthy Pyton

Para los lectores no debe ser novedad esta mención. Y es que descubrí el trabajo de este legendario grupo y no puedo sino recomendarlo. No por ello aseguro que guste, ojo. Es humor ligado a la tradición británica, que a veces es ininteligible para quien no está familiarizado con su idiosincracia. Como cualquier chiste, depende del espectador si le da gracia, pero Monthy Python’s Flying Circus dejó una impronta tan perceptible en la comedia Occidental (sobre todo televisiva), y el humor satírico de Life of Brian o Monthy Python’s Holy Grail, que compagina cuestiones sociales con parodias de géneros cinematográficos son imprescindibles para cualquiera interesado en la cultura popular. A veces muy surrealista e irreverente, otras muy ligado a su época, crearon un sello tan distintivo que pythonesque es un adjetivo reconocido en inglés.

Si les gusta el cine, la comedia, o incluso la cultura pop, consideren imprescindible ver algo de los Python alguna vez. Eso sí, no empiecen por The Meaning of Life.

Mary Poppins (1964)

Prácticamente perfecta en todo.

Hay películas que uno, las haya visto mucho o no, pertenecerán siempre a la infancia. Eso no quiere decir que si uno las vuelve a ver no descubra aspectos más bien dirigidos a adultos que antes no eran perceptibles a nuestros ojos jóvenes. Pero son obras que son nostálgicas, en el sentido de que nos hacen sentir como si fuéramos niños otra vez, que captan esa noción del tiempo tan diferente que teníamos en nuestros primeros años de vida, además de las explicaciones del mundo distintas a las que nos querían decir nuestros padres y profesores.

Todo el mundo tiene en mente ciertas ficciones si leen esa descripción, a los que les tiene muchísimo cariño. En mi caso, ese perfil corresponde a Las aventuras de Winnie the Pooh pensando en la animación y Mary Poppins teniendo en cuenta la imagen real. (Casualidad o no la música de ambos estuvo a cargo de los hermanos Sherman).

Por supuesto, no he descubierto este film en el 2018. Cuando era pequeña mi madre me regaló el DVD cuando le había pedido el de Heidi. No recuerdo que haya sido de mis predilectas de la infancia. Pero las canciones y ciertas escenas quedaron en mi mente. Este año se iba a estrenar una especie de mezcla entre secuela y remake, por lo que quise revisitar esta película, considerada por la gran mayoría como un auténtico clásico, y de las mejores de la compañía Disney.

 

Tras tanto tiempo sin verla, puedo decir que me ha encantado. El aspecto artístico, aunque algunos efectos envejecieron bastante, es impecable y mágico. Los fondos pintados a mano, las tomas de Londres de principios de siglo XX, el anochecer en los tejados. Son escenas que a todos nos gustaría visitar. Si sumamos eso a la música encantadora y pegadiza, que por cierto no se toma en serio a casi ningún personaje adulto, tenemos una obra audiovisual maestra.

No contenta con eso, Mary Poppins cuenta con actuaciones sumamente enérgicas y carismáticas, sobre todo de Julie Andrews y Dick Van Dycke. Hacen que el paseo que supone la historia sea tan divertido, que de vez en cuando dan ganas de volver a este mundo que entre la parodia, la magia y esos momentos tan espectaculares que tiene, se queda contigo. ¿Qué mas puedo decir de este film? Supercalifragilisticoespialidoso.

Once (2007) y Sing Street (2016)

Aún me falta una cinta para ver completa la filmografía de John Carney, un director irlandés cuya filmografía siempre gira alrededor de la música, pues él mismo es músico. Aún así, creo que con estas dos alcanza y sobra para saber las características de su trabajo.

Ambas tienen protagonistas que encuentran en la música el medio para expresar todos los sentimientos y sensaciones que no pueden decir con simples palabras, y que con ese descubrimiento buscan hacerse un sitio en la industria. Hay escenas que se disponen de forma parecida (pienso en los ensayos de los grupos, con padres que les llevan algo para comer mientras disfrutan de lo que hacen). Pero hasta ahí las similitudes. Y es lógico, no tanto porque Once sea una película independiente que roza lo casero y Sing Street sea mucho más comercial. En mi opinión, las premisas toman distintos caminos por la edad de los personajes y sus vivencias. Mientras que en la primera, los protagonistas que no tienen nombre están buscándose la vida como pueden mientras intentan vivir con un pasado que los acecha; la segunda refleja la ilusión del primer amor y el valor de la familia y los sueños en la adolescencia. Es lógico que entonces los tonos de Sing Street sean más edulcorados, idealizados, cargados de la influencia que tienen los videoclips y el cine en la mente de Connor. Todo lo contrario que su antecesora, que no deja de ser tierna, pero su honestidad añade una carga amarga y realista.

¿Por qué las estoy agrupando es este puesto entonces, si en líneas generales son obras que dejan un sabor de boca diferente? Carney sigue siendo el artífice de ambas, y aunque los medios que emplea en cada una son distintos, hay una sinceridad que desprenden las dos que es cautivante. Es sabido que al escribir tanto Once como Sing Street, añadió aspectos autobiográficos. Asimismo, los actores son en su mayoría desconocidos, siendo sus primeros trabajos para el cine, y todos músicos (se agradece tener escenas en las que se nota que están tocando realmente los instrumentos y no aparentando). Todo eso ayuda a sentir menos una manipulación – bastante común en géneros como el romance o el coming of age – y más una historia orgánica, verosímil, con las emociones a flor de piel y una pasión por la música totalmente presente.

HunterXHunter (2011)

Monstruos temibles, criaturas exóticas, vastas riquezas, tesoros ocultos, mundos de demonios, tierras inexploradas.

La palabra «desconocido» contiene magia, y algunas personas increíbles son atraídas a esa magia.

Ellos son conocidos como cazadores.

Bien, aquí estoy haciendo un poco de trampa. Todavía no he terminado este anime remake del manga de Yoshihiro Togashi a cargo de Madhouse. Sin embargo, he visto lo suficiente como para disfrutarlo infinitamente. Voy con calma, pues es un camino largo que quiero apreciar. No diré mucho más porque aún no la he finalizado como para tener impresiones generales, además de que le voy a dedicar una reseña completa. Simplemente estoy encariñada con sus personajes, y deseo ver más aventuras de Gon y compañía.

Los comienzos del Studio Ghibli

Si siguieron la pista de este blog durante el año, quizá hayan visto que comencé junto con Darijosanatus, del blog Cuatro Torbellinos Parlantes una travesía por la filmografía completa del estudio liderado por Miyazaki y Takahata, dos de las mentes creativas más aclamadas de la animación japonesa. En el 2018 hemos llegado a ver cuatro películas de su haber: Nausicaä del Valle del Viento, El Castillo en el Cielo, Mi Vecino Totoro y La Tumba de las Luciérnagas.

Todos derrochan personalidad, estilo, personajes entrañables y registros diferentes. Si tuviera que destacar los que más me marcaron han sido las que componen la dupla que se estrenó hace treinta años: las aventuras de Satsuki y Mei con Totoro en el campo y el sufrimiento por la guerra de Seita y Setsuko. Dos historias absolutamente opuestas (y de cierta manera complementarias, si uno piensa en la dinámica de los protagonistas) que te llegan al corazón. Visualmente asombrosas, son joyas de la animación que cambiaron la perspectiva que tengo del medio. Si nunca las han visto corran a verlas, porque ambas son una experiencia que no se pueden perder.

Sin desmerecer por supuesto a la apocalíptica Nausicaä… con una protagonista de la que me gustaría haber visto más y la fantástica El Castillo en el Cielo, que te lleva por una aventura por los aires excitante.

A Place Further Than the Universe

Dentro de los escasos animes estrenados este año que he visto, esta producción de Madhouse dirigida por Atsuko Ishizuka ha sido mi favorita. Arrancando a la par que el 2018, dejó el estándar sumamente algo para que otra la desplazara. Nadie esperaba mucho de una serie aparentemente del montón de un grupo de chicas adolescentes que quieren ir a la Antártida. Semana a semana fue conquistando a la comunidad otaku, con la amistad tan enternecedora que gesta entre las protagonistas, los obstáculos y las emociones que van surgiendo con las que muchos nos identificábamos, además de momentos cotidianos en los que se desarrolla una dinámica entre los personajes creíble y entretenida a partes iguales.

Sin hacer uso del fanservice ni peleas forzadas para meter conflicto, Sora Yoori mo Tooi Basho es uno de los mejores títulos que el estudio Madhouse ha animado en el último tiempo. Ojalá que también otorgue un giro en las series cute girls doing cute things plagados de moe.

Gravity Falls (2012)

Al menos una vez por año intento hacerme un hueco para la animación occidental, que actualmente viene cosechando numerosos éxitos con humor inteligente y mundos sumamente creativos. Esta vez fue el turno de esta serie de dos temporadas creada por Alex Hirsch para Disney Channel.

En contra de todo prejuicio que uno puede tener para con la cadena de televisión que la emitió, Gravity Falls es un gran serie que puede disfrutar desde un niño a un adulto. Con sus referencias culturales, parodias, homenajes, humor y personajes que rara vez son queribles en series para toda la familia. Los hermanos Dipper y Mabel son excéntricos, inteligentes cuya relación de hermanos está excelentemente ejecutada y sus aventuras juegan con el absurdo en un pueblo que, para el final, uno sabe que va a extrañar.

Los escenarios y los secundarios están bien construídos. Y es divertida de principio a fin, permitiendo que incluso los villanos más amenazadores te produzcan carcajadas.

El estilo de dibujo que tiene no me llamó la atención en un inicio, pero coincide con la naturaleza de la serie, además del uso del color y las formas bastante interesante. Es una carta de amor a los frikis irresistible, una de las mejores de la década.

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Y esos fueron mis favoritos del 2018, que no dudaría en ver otra vez en el futuro. Fue un año en el que no dediqué tanto tiempo a la ficción como hubiese querido, pero que cada minuto que pude ponerme con ello fue un deleite. Que tengan un buen comienzo de año, espero que Vorágine de Palabras pueda seguir creciendo regularmente este 2019. Nos leemos.

«La leyenda de Sleepy Hollow», terror a la Disney.

Octubre está a días de finalizar, y eso sólo puede significar una cosa. La festividad más terrorífica del año está a la vuelta de la esquina. Más allá de sus detractores, los que ya la incorporamos adoptamos nuestras costumbres para la noche de brujas: desde disfraces hasta la decoración de calabazas.

Si siguen el blog hace un tiempo, sabrán que esta bitácora también celebra Halloween y, dada la naturaleza cobardica de su autora, difícilmente se hable por aquí de clásicos indiscutibles del terror. Más bien los lectores encontrarán un repertorio de dibujos animados que están relacionados de una forma u otra a la imaginería del evento, que pueden ser disfrutados por todo el mundo sin perjudicar sus horas de sueño.

¿Significa eso que la animación no puede ser perturbadora y espeluznante? Para nada. Desde que soy niña he visto gran cantidad de escenas que se me han quedado grabadas de lo aterradoras que me resultaron. Sin lugar a dudas, hay obras que pueden estremecernos tanto como los actores de carne y hueso. Aunque tampoco me quiero adentrar por esos lares, por lo que este año vuelvo a traer cortos y largometrajes que asustan en mayor o menor medida, pero que de todas maneras deberían considerarse para (re)descubrir en estas fechas.

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Un gran exponente de esta combinación de risas y sustos es La leyenda de Sleepy Hollow (1949). El relato homónimo escrito por Washington Irving de 1820 es un auténtico referente de la literatura estadounidense, que ha inspirado gran cantidad de adaptaciones a lo largo de los años. Muchos conocemos la versión que en 1999 dirigió otro gran nombre asociado a Halloween: Tim Burton. Cinco décadas antes, Walt Disney sacó su última «película-paquete» compuesta de dos cortos basados en grandes obras literarias: la mencionada comparte metraje con la adaptación de El Viento en los Sauces, que no comentaremos ya que no tiene mucha relación con la víspera de Todos los Santos.

Así pues, damos por inaugurada la Vorágine de Halloween 2018 con un verdadero clásico, que presenta a un personaje mítico del terror con un tinte caricaturesco.

Ichabod Crane es un profesor que llega al pueblo neoyorquino de Sleepy Hollow a trabajar. Muchos se ríen de él por su aspecto, pero su educación y maneras inspiran respeto y admiración en las damas locales. Su objetivo es conquistar a Katrina Van Tassel, la hija del terrateniente más rico de la región y así gozar de su fortuna. No lo tendrá fácil, pues Fornido Hueso – el tipo más popular del pueblo – quiere también a la joven. Parecería que Ichabod tiene todo bajo control, hasta que en la noche de Halloween se encuentra con el temible jinete sin cabeza del que tanto escuchó hablar.

No me crié con este cortometraje. Jamás apareció en la pantalla del televisor de mi casa, y no llegó a mis manos el VHS de la cinta de la que proviene, como sí sucedió con gran cantidad de clásicos de la casa del ratón. Así que es la primera vez que veo esto y me ha resultado un soplo de aire fresco. Hace mucho tiempo no disfruto de un cartoon tradicional y de sus cualidades que han erosionado las nuevas técnicas de animación predominantes.

El Sleepy Hollow de Disney es un producto de sus tiempos: una comedia romántica sin diálogo cuya gran baza es el uso de slapstick a lo loco, personajes caricaturescos y sumamente expresivos además de una narración cargada de ironía con las voces de Bing Crosby en la VO y Germán «Tin Tan» Valdés en el doblaje (ambas excelentes y exquisitas). Y si todo eso no basta para encasillarla automáticamente entre los lugares comunes de su época, basta con escuchar cualquiera de las canciones que contiene para notarlo.

Teniendo en cuenta lo que asociamos a las producciones de la compañía, ésta historia no nos presenta personajes agradables o mínimamente queribles. Ichabod fantasea con la muerte del señor Van Tassel para obtener dinero y comodidades, Fornido Hueso es superficial y Katrina simplemente quiere tener a todos los hombres del pueblo a sus pies para enfurecer al anterior. Lejos de ser un problema, es el motor cómico de su desarrollo.

También están esos reconocidos quince minutos finales en los que la trama da un vuelco y se torna oscura, sin abandonar su carácter burlón. Y no es de extrañar que sea el fragmento que se lleva los aplausos. Sin desmerecer el resto del corto, es el clímax el que despliega más creatividad artística con sus fondos, animación y efectos de sonido que beben de creaciones previas de la productora como la mismísima Blancanieves y los Siete Enanitos y El Viejo Molino (ambos de 1937). Además de generar la representación más icónica del Jinete sin Cabeza, combinándo su imagen amenazadora con el aterrorizado Ichabod. El contraste que supone ver a éstos dos en el bosque representa la combinación de sustos y risas que constituye esta obra. Sencillamente inolvidable.

Y poco más queda por añadir, pues contando con la duración justa esta es una de las adaptaciones más fieles al texto. Enmarcado en una misteriosa biblioteca con otro narrador enigmático que aporta a la atmósfera ideal para la noche de muertos. Divertido de principio a fin tanto para adultos como para niños algo mayores, no puedo dejar de recomendárselo; incluso si no son fans de Disney.

 

Mix de julio y agosto 2018

Algún día esta sección se volverá mensual como se suponía, lo prometo. No me gustaría que  tengan una mala imagen de la que les escribe, aunque peque de inconstante. Creo que muchos sienten el problema que tengo con el mix: es que los meses se pasan volando y cuando estoy apenas esbozando el borrador, rememorando todo lo que vi/leí/escuché en el mes, ya toca pasar la página del calendario. ¡Exijo un giratiempo! Como una persona que se sumerge en la ficción, a veces pierdo la noción del tiempo. En fin, soy una cronopia sin remedio.

Pero vamos a lo que importa: las recomendaciones y los fiascos a evitar. Algo que hubo en estos meses fue variedad, a pesar de que ando con cierta pereza para terminar mis lecturas, que compagino con las académicas que me exige la universidad. Así que lo audiovisual predominó en mi día a día. Sin más que añadir, doy paso al mix de julio y agosto.

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Akatsuki no Yona

2014 | Studio Pierrot | Aventura, Fantasía, Shojo | 24 eps. | ★★★1/2

Me digné de una vez por todas a comenzar el Reto Anime 2018 que me propuse (a buena hora, ya sé) con la letra A, pues tenía muchas ganas de ver una fantasía épica luego del vacío que me dejó Avatar, The Last Airbender.

Este anime nos sitúa en el reino de Kouka, en una pasado ficticio, en el que la princesa Yona vive plácidamente en el castillo, como cualquier miembro de la realeza. Como es de esperarse, su vida dará un vuelco cuando su padre sea asesinado por su querido primo, Soo-Woon. Confusa y sumamente triste, Yona escapa del golpe de estado junto con su guardaespaldas y amigo de la infancia Hak. Emprenderán un viaje para encontrar a las reencarnaciones de los legendarios dragones, con el fin de que los ayuden a detener una posible guerra. En su travesía, la princesa recorrerá el reino y se dará cuenta de que no es tan pacífico ni estable como creyó toda su vida.

Se trata sin duda de una serie con una propuesta que ya hemos visto, con elementos folklóricos, cargados de aventura y misterios. Para mí hay dos aspectos a destacar que le dan una vuelta de tuerca a la fórmula. En primer lugar el desarrollo de la protagonista, su evolución es notable y lógica, aportando elementos de un buen coming of age en el que Yona pasa a ser una princesa enjaulada en su pequeño mundo a una líder llena de conflictos por resolver. Sí, se vuelve más guerrera y badass, pero no al modo que nos otorga un shonen tradicional. El camino de Yona es tortuoso, largo y más retrospectivo que una mayor fuerza física, plagado de desengaños y crisis de identidad y ética entre los valores anti-violencia que le transmitió el rey y una realidad que exige una intervención inmediata además de un gran sentimiento de culpa en ella.

En segundo lugar, ese elemento se combina con uno que a primeras no parecería coincidir demasiado con el anterior. Yona está rodeada de bishonens que solemos ver en una estructura propia de un harem inverso. Ojo, no quiere decir eso que sean igual de blandos o genéricos, cada uno tiene un pasado, personalidad y motivaciones; pero se percibe con facilidad ciertos arquetipos que siguen: el más afeminado y delicado, el cerebro sin capacidad física, el tsundere que no admite sus sentimientos salvo contadas excepciones que deberían hacer suspirar al expectador, el kuudere y así. Todos les suenan, ¿no? A simple vista no congenia muy bien esto con una protagonista que constantemente cuestiona su proceder y formas, por lo que en un inicio no estaba muy convencida. Sin embargo, la carisma de los personajes son suficientes para cargar con lo que de otro modo sería un contra importante. La narración de los capítulos permite empatizar con ellos y disfrutar mucho las relaciones que establecen con Yona y entre ellos, sin duda acompañado de una comedia agradable.

Los diseños son muy distintivos, como debería ser en este tipo de series, y funciona muy bien para la demografía a la que apunta. La banda sonora y la animación están correctas, destacando en los puntos de inflexión que viven los personajes.

El mayor problema sin lugar a dudas es que se trata de una adaptación incompleta de un manga que aún está publicándose. Así que al finalizar el visionado vamos a sentir esa frustración a la que nos acostumbramos con este tipo de animes, al sentir que apenas vimos la punta del iceberg de algo mucho mayor. Es algo que se nota mucho en Akatsuki no Yona, donde hay una construcción de mundo importante y muchos personajes con conflictos políticos, románticos y personales. Por lo que advierto que vamos a sufrir una espera hasta que Pierrot u otro estudio adapte lo que queda del cómic una vez completado. Mientras tanto, nos quedamos con un tedioso final apurado y sumamente abierto. Eso no quita que se trate de un anime muy disfrutable, con personajes entrañables y que destaca dentro de la demografía shojo de los últimos años.

Por ahora en latinoamérica no hay una editoral que publique el manga, por lo que mis ganas de leerlo quedarán insatifechas (y yo que quería saber las intenciones de Soo-Woon).

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Bibliómanos

 TV pública argentina | Youtube | Divulgación literaria | ★★★★

Bibliómanos es una nueva manera de hablar sobre libros. Un programa de divulgación literaria y otros géneros escritos, que también es un juego. Maximiliano Tomas y Eugenia Zicavo, una nueva generación de expertos en literatura, conducen este espacio que fusiona contenidos de lectura con entretenimiento y que cuenta con la presencia de distintos invitados del mundo editorial, autores y críticos literarios.

A pesar de que, como decía al comienzo de la entrada, la lectura es una actividad que tengo abandonada, eso no quiere decir que no siga mi hambre por conocer títulos que me interesen para un futuro, ya que si tuviera dinero sería una ávida practicante de tsundoku. Hacía unos años mi principal fuente para apuntar próximas lecturas eran los más afamados booktubers, con su estilo de edición particular y sus recomendaciones mirando a cámara (generalmente publicaciones encasilladas en la literatura juvenil). Con el paso del tiempo mis intereses fueron cambiando, y me incurrí en los clásicos de siempre, que aún continúo descubriendo.

El año pasado descubrí por redes sociales que la televisión pública de mi país iba a estrenar un programa conducido por dos periodistas y críticos literarios: Maximiliano Tomás y Eugenia Zicavo, que ya conocía por Libroteca, un programa que presenta en otro canal. Vengo siguiéndolo desde entonces, y no podía faltar como recomendación por aquí. Más allá de hablar sobre títulos que oscilan entre aclamados y más desconocidos, el programa tiene su encanto en el estilo dinámico en el que se desarrolla. Los conductores charlan y debaten como compinches sobre los libros que llevan cada programa, pues deben competir presentando cinco obras cada uno sobre un tema determinado, pasan por varias instancias y el que aportó más libros a la selección final se queda con todos.

Con las dos temporadas que tiene por el momento, es sumamente entretenido, reflexivo y variado, puesto que al estar disponibles todos los episodios en Youtube uno puede seleccionar los temas que le interesen. Ya me gustaría poder jugar con algún amigo lector.

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Música de fondo: nostalgia ochentosa

A partir de este mix, que no sea raro que añada elementos en bloque. Una cosa lleva a la otra, y a veces las recomendaciones tienen que presentarse en grupo, porque quizá en solitario no aguantan la exigencia de los lectores.

Entre exámenes que aprobar, no tuve el momento para ponerme a escuchar con atención algún disco o explorar un grupo que quería conocer mejor. Así que me dejé guiar por los queridos algoritmos del streaming, que me conocen bien y saben que en mi reproductor la década predominante es aquella a la que pertenecen Back to The Future, el new wave y los walkman. Así que a mis oídos llegaron tres grupos que sienten esa inspiración que también está sucediendo en la tele y el cine con Stranger Things como su mayor exponente, y que toman sonidos sobre todo de las bandas británicas de la época. Acordes y sintetizadores que nos suenan muy familiares, que por el momento sólo considero «música de fondo» amigable.

La primera en hacerse con el botón de play fue la nuevita Pale Waves,  unos jóvenes de Manchester que saltaron a la escena por su estética gótica, unos singles sacados el pasado 2017, la atención de la prensa musical británica y el respaldo de su banda compañera de discográfica The 1975 (que nunca me convenció). Sus guitarras a veces recuerdan al sonido pop de cierta época de The Cure, algunos detalles propios del dream pop y sintetizadores esporádicos. Son canciones 100% radiofónicas, pegadizas y de escucha fácil. Aunque no se les puede criticar demasiado, pues su disco debut My Mind Makes Noises no verá la luz hasta el 14 de septiembre. Espero que no se queden siendo más estilo que sustancia. ★★★

Luego llegó la más conocida CHVRCHES, formación escocesa electrónica que desde 2012 tiene cierta cuota de éxitos y bastante movida por los festivales musicales mainstream. Utiliza los componentes de la electrónica actual comercial: la voz femenina, el estribillo que llega tras un in crescendo en varios temas, el foco en el ritmo y en su disco del 2016 Every Open Eye mucha reminiscencia al synth pop encabezado por Depeche Mode. Con letras algo más profundas de lo usual y aunque sin la presencia necesaria para quedarse conmigo, si quieren mover un poco el esqueleto y animarse un rato tienen su discografía. ★★1/2

Por último tenemos a The New Division (New Order + Joy Division cough cough) que es sin dudas la banda que menos se molesta en modernizar la synthwave que se hizo tan popular hace tres décadas. Le pongo una canción cualquiera de esta banda a mis padres y creerían sin mucha dificultad que pudo haber sonado en algún club en su juventud. A puro sintetizador, con vocales masculinas que no se inventan nada. En sus últimos trabajos añadieron algún toque del presente, aún muy difusos y esporádicos. Por el momento mis favoritos de los tres, ¡que vivan los ochenta! ★★★

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La inamovible sección de cine

Ya deberían saber a esta altura que si no hay películas no es un mix. Siempre que pueda voy a hacer un espacio para darle una oportunidad a un largometraje. Y aunque me quedaron gran infinidad de pendientes todavía, pude quitarme nombres que hace tiempo estaban en la lista de espera. Eso sí, no pude ir ni una vez al cine, por lo que no hay nada reciente esta vez.

Como ya expongo lo suficiente mi lado cinéfilo por Letterboxd, no voy a extenderme en demasía por aquí, pues no quiero ser reiterativa. En la red social podrán encontrar qué veo, cuándo y mis impresiones sobre los films.

Conociendo a John Hughes: The Breakfast Club y Ferris Bueller’s Day Off.

¿Más cosas de los ochenta? Menos mal que no quería ser reiterativa. Y así es, queridos lectores, soy una apasionada de esa década, de su cultura que comenzaba a virar con la introducción de la tecnología, y que siento que de alguna forma esa fascinación viene por la nostalgia que sienten mis padres, y los medios de comunicación en general al parecer. A pesar de ello, tengo muchísimo por explorar todavía de lo más reconocido que salió a la luz esos diez años, siendo una de esas la filmografía del director John Hughes. Algunos lo conocerán por su trabajo como escritor en el clásico navideño Home Alone, pero antes de eso ya había participado en varios éxitos. Estos meses vi sus dos películas más aclamadas.

The Breakfast Club es un hito del coming of age y drama adolescente, con sus personajes tan memorables y sus conversaciones llenas de incomodidad, interrogantes y cierta simpatía. Tenía las expectativas por las nubes con esta cinta, y no resultó ser tan genial como esperaba. Entiendo que le habló a una generación y trató al adolescente como una persona, y no un alienígena que no entendía nada. Sin embargo, sus dilemas no me llegaron lo suficiente. Aparte de Brian y el famoso diálogo de terapia de grupo (tal vez el final incluso), no me ha conquistado.

Ferris Bueller’s Day Off (1986) por su parte es una comedia hecha y derecha, con escenas desopilantes, referenciadas hasta el infinito, y personajes que son más gags que otra cosa. Matthew Broderick es formidable, su carisma y su trabajo rompiendo la cuarta pared le han ganado un lugar en la historia del cine nada desdeñable. La hermana de Ferris y sobre todo mi adorable Cameron se quedaron conmigo. La veré seguramente más veces por lo disfrutable que es; de hecho, ya he repetido varias escenas.

Continúo con la filmografía de Monthy Python: el Salto Grial, la cuarta pared y el bajo presupuesto.

Luego de enamorarme de La Vida de Brian, tocaba ir atrás a la primera película de los cómicos británicos con Monthy Python and the Holy Grail (1975). Para ser breve diré que me reí bastante, como debería ser con cualquier comedia, pero me desconcertó más que me divirtió. Es de una naturaleza muy distinta a la historia de Brian, más caótica y similar a su show de televisión. Me entretuve mucho con las animaciones y el humor negro además de las burlas al cine, pero me causó menos impacto que el otro largometraje.

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Si leyeron todo esto del tirón les agradezco mucho su tiempo. Sorprendentemente estos dos meses pude ver cosas muy diversas y quise compartirlas todas por aquí. Como siempre pueden recomendarme cosas que les encantaron los últimos meses y contarme si conocen algunas de las que nombre hoy.

Travesía Ghibli #3: «Mi Vecino Totoro»

Hace unas semanas hemos comenzado este recorrido por la filmografía del estudio Ghibli con Darijosanatus de Cuatro Torbellinos Parlantes. Comentamos dos filmes dirigidos por Miyazaki, con una historia fantástica en mundos absorbentes: Nausicaä del Valle en el Viento (1984) en este espacio, y El Castillo en el Cielo (1986) en el blog de mi acompañante en esta aventura. Ambas películas nos encantaron, y no podemos dejar de recomendarlas como cintas que te introducen al cine del aclamado director por la puerta grande. Verdaderos clásicos.

Sin embargo, ahora toca la primera gran cinta del estudio y del cineasta en cuanto a popularidad al menos, pues el espíritu del bosque – que según Miyazaki en realidad es un animal – llamado Totoro está en todas partes, siendo el principal ícono de Ghibli y un mega objeto de todo tipo de merchandising. Tratamos sin duda con un peso pesado de la animación mundial, y no va a ser tarea fácil.

Tres años atrás yo lo había visto, sin entender el motivo por el que éste gusta tanto. Darío experimenta esta historia por primera vez, así como con las demás obras producidas en Ghibli. ¿Qué impresiones nos ha dejado una película tan reconocida? Acompáñanos en esta tercera entrega de la Travesía para saberlo.

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En los años 50, una familia japonesa se traslada al campo. Las dos hijas, Satsuki y Mei, entablan amistad con Totoro, un espíritu del bosque. El padre es un profesor universitario que estimula la imaginación de sus hijas relatándoles fábulas e historias mágicas sobre duendes, fantasmas y espíritus protectores de los hogares, mientras la madre se encuentra enferma en el hospital.

Fuente: Filmaffinity

Darijosanatus: No sé con qué palabras empezar para comentar este film. Siento por mi parte que lo que digamos aquí ya se ha dicho en las miles de reseñas, reviews o análisis que se han hecho sobre nuestro tan querido Totoro, película que como dice Faelyan, disfrutamos ambos de la misma manera salvo quizás pequeñas diferencias o en la propia intensidad de dicha emoción.

A Hayao Miyazaki le das un tomate que está cortado por la mitad de hace varios días y una lechuga pocha y te prepara la mejor ensalada que hayas podido probar en años, cómo que si le das un buen paquete de arroz de gran calidad junto a pimientos y demás verduras para realizar el denominado refrito, más pollo o lo que le quieras añadir al propio plato de arroz, y te realiza una paella genial, que no se te olvida en la vida que la has probado. Tiene unos aliños especiales o manera de cocinar que hace que, pese a la antigüedad o frescura y calidad de sus ingredientes logra unos resultados fantásticos e inmejorables. ¿Cuál es su receta para conseguir tremendos platos? Sólo lo sabe él y parte de su equipo de producción, nosotros sólo lo podemos intuir levemente pero sabemos que tienen algo de especial esas comidas tan ricas que nos hace.

De parte nuestra, vamos a intentar descubrir cuáles son las proporciones y los tipos de ingredientes que usa en Mi Vecino Totoro, la cantidad de aceite y vinagre que le echa, el tiempo que lo deja en reposo, si lo mete en el horno o en algún electrodoméstico que nosotros, o yo al menos, no tengo, no sé si la autora de este blog lo tiene, pero sí dice que sí seguro que nos engaña.

 

En primer lugar, la estructura de un slice of life que tiene. Este género en el anime se ha ido popularizando en los últimos años, y se define como una historia sencilla, sin una trama compleja pero llena de momentos emotivos, en la que te vas encariñando de los personas, de sus vivencias. Mi Vecino Totoro lo usa a la perfección y de manera muy natural, creando ese pueblo entrañable en plena naturaleza con habitantes completamente agradables y de buen corazón, acompañando a Mei y Satsuki en su día a día.

Por otro lado, y con el toque de ‘animismo’ que hasta ahora he ido viendo a lo largo de las obras de Miyazaki, se encuentra la magia aportada por el denso bosque donde Totoro vive en algún rincón, el cual puede aparecer en el momento que menos te lo esperas, pero eso sí, no todos pueden verlo y si lo intentas buscar probablemente no lo consigas encontrar. Las escenas de Totoro con Mei y Satsuki son esas situaciones fantásticas y excepcionales en las cuales le podemos ver, y sin ellas probablemente no habríamos visto al tan querido icono del ‘Studio Ghibli’ en la película.

Podemos encontrar esa añoranza a la infancia a lo largo del largometraje, sin necesidad de artífices muy complicados, de manera completamente natural siguiendo el flujo de la propia inmersión dentro de la historia que se nos presenta. Así, y con ayuda un poco de las tan queridas niñas, podemos ver o al menos notar que Totoro existe de verdad.

Esta película consigue que los adultos vuelvan a ser niños por una hora y media, o por momentos al menos, y que los niños disfruten de toda la travesía imaginando a Totoro y creyendo que existe de verdad, que está en algún lugar muy escondido en el bosque más cercano nuestro y que cualquier día puede aparecer ante ellos y ayudarles en lo que necesiten. Una auténtica película familiar que merece mucho la pena de verdad y a la que no le han pasado los años, como suele ser habitual en las obras de Ghibli hasta el momento que yo he visto personalmente. Yo como Fae, me sentí completamente encariñado y deseando vivir en ese pueblo y cuando acabó la película sentí como había que volver de vuelta a la maldita vida adulta.

Antes de cederle el turno a Fae, cómo no, yo no puedo dejar mi toque ambientólogo sin aparecer. Totoro aparte de ser el icono de ‘Studio Ghibli’ y la extraña criatura que habita en los bosques de esta película o protagonista de la misma, también es una especie animal. Fue descubierta en 2013 en Vietnam por los zoólogos Pavel V. Kvartalnov, Eduard A. Galoyan e Igor V. Palko entre otros, gracias a los datos moleculares y no por morfología, ya que las especies de este gusanito en concreto son muy complicadas de distinguir, y les pusieron el nombre de Totoro, Eoperipatus totoro en concreto se denomina la especie, ya que el gusano (los onícoforos) les recuerda al gatobus que usaba Totoro para desplazarse. Es que hasta en la ciencia, la zoología en concreto, llega la influencia de Miyazaki y sus obras, o más bien, difícil se hace no disfrutar de sus películas y no hacerse fan de ellas.

Faelyan: Previamente mencionaba que hace un par de años vi por primera vez las peripecias de estas hermanitas en su encuentro con Totoro, y francamente no me había gustado. Mi ojo occidental no percibía nada familiar en esta película, los personajes no me atraían y la criatura me parecía más extraña que encantadora. Además, todavía no sabía apreciar las sutilezas de los slice of life o los iyashikei. No necesariamente son géneros en los que se puede encajar a Mi Vecino Totoro, pero sus narrativas no se basan siempre en la clásica estructura de los tres actos, y no siguen los desarrollos a los que estamos acostumbrados en este lado del mundo. Por ello, en esta revisión cambió totalmente mi opinión de esta obra maestra.

La historia es simple, y eso permite que el film brille en lo realmente importante: el cómo se cuenta. Hay una naturalidad, una frescura y una gran personalidad atada a éste, que son los que hacen que sea tan querido por muchos espectadores. Sabe capturar muchas emociones: la nostalgia por esa infancia desenfadada, curiosa y por momentos mágica, sin dejar de lado las problemáticas que pueden surgir en el camino. Cada momento es importante, a pesar de que no tenga gran importancia acordarse el orden de los eventos, ni que los diálogos sean memorables. Es un largometraje que nos toca la fibra sensible de una u otra forma, apelando al medio que tiene a disposición, que es por supuesto la animación, logrando que sintamos gran empatía por los personajes llegando al fin de la cinta.

Esto se debe en gran parte a que a su vez es una de las películas más personales del director. Basada en gran parte en su estadía en la ciudad de Tokorozawa, ubicada en la prefectura de Saitama, los lugares que recorría Miyazaki en sus paseos lo inspiraron fuertemente para contar esta historia. Asimismo, la madre del director había padecido tuberculosis (enfermedad que tiene la madre de las niñas según la adaptación a novela del film), lo que contribuyó a que las protagonistas fueran niñas, pues hubiera sido muy doloroso para el propio Miyazaki hacer la película si fueran hermanos en su lugar.

Asimismo, al no recurrir a fuentes como un manga o numerosas referencias a otras obras, como sucedió en las dos películas ya comentadas, la trama y el ritmo se sienten mejor manejados, generando una película sólida, que se valora más con los revisionados (y si no que vean cómo mi perspectiva sobre ésta dio un giro de 180° la segunda vez) además de memorable. Las escenas están desarrolladas de una forma muy cinematográfica, que usa muy bien su medio y que apela a nuestras emociones más primarias. ¿Quién no recuerda ese momentazo tan referenciado y parodiado de la parada del autobús? Esa atención a las pequeñas acciones de cada personaje, las interacciones cotidianas y el maravilloso uso de los silencios es algo que se volvería marca de la casa, y que sin lugar a dudas vuelven especiales a las películas producidas en este estudio. Ya no necesitan contar una buena historia, o seguir una estructura, sino que con su diseño, sus personajes y unas escenas perfectamente construidas ya se vuelven clásicos, pudiendo cualquiera encontrar algo con lo que enamorarse de sus trabajos.

Luego de este revisionado me queda añadir que no concuerdo con esa postura tan instalada de que en la cinta “no sucede nada”, o que “no es una típica historia”. Por más que tenga escenas con poco diálogo, o preste atención a situaciones habituales en un pueblo rural, Satsuki y Mei sí tienen algo que contar antes de toparse con el espíritu del bosque. Tienen un conflicto con el que lidiar mientras se adaptan a su nuevo hogar. Otro guionista lo hubiera abordado por el drama y la miseria; después de todo, estas niñas tienen a su madre enferma y para colmo su casa nueva se cae a pedazos. Cualquiera estaría tremendamente decaído. Esto es lo que me parece que muchos omiten a la hora de alabar esta cinta: su mensaje tan positivo, vitalista y que deja un impacto a cualquier edad. Las pequeñas con su padre encuentran diversión y momentos para desplegar su imaginación en cada rincón en el pueblo, por lo que el espectador siente una mezcla de nostalgia, entretenimiento, ternura y curiosidad frente al entusiasmo de las protagonistas, motivado por ese enorme… Totoro.

Aparte del mensaje en sí, es algo a apreciar desde un punto de vista no japonés las decisiones narrativas que se toman aquí. No hay villanos, no hay un conflicto o amenaza en especial, no se intenta esconder a Totoro ni hay un enfrentamiento entre niños y adultos porque estos últimos no les creen. Resulta muy extraño ver esta película sin conocer el estilo del estudio, o siquiera sin estar acostumbrado a las series anime, porque termina sorprendiendo, al ver cómo no van por las tramas a las que estamos acostumbrados con largometrajes para toda la familia. Su desarrollo está basado en situaciones, en sucesos que no están muy condimentados por la tragedia, ni por un tono particular. Es, sencillamente, como la vida misma.

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Además del planteamiento y la estructura de la historia, cada vez más alejada de la fórmula de película para toda la familia actual, los personajes constituyen un gran encanto del film. Son muy adorables y a uno le darían ganas de tener vecinos así en su ciudad o pueblo.

El padre es bastante particular a  mis ojos, pues pocas veces he conocido a un progenitor tan alegre, comprensivo e imaginativo como éste. La anciana del pueblo – un factor común en todas las cintas del realizador, al parecer – también es parte de ese reconfort: los adultos no son ni egoístas, ni incomprensivos, sino que son férreos secundarios que respaldan de forma asombrosa todo el tono de la historia. Normalizan y estimulan la fantasía desbordada de las niñas y las acompañan en sus alegrías. Incluso la madre, desde su desafortunada situación, se contagia del optimismo de los demás. Por su parte el nieto de Nanny aporta un elemento cómico bastante ameno, es el típico chico que tiene un crush infantil y que cada momento que aparece sabemos que nos va a hacer reír, incluso cuando no dice una palabra.

Las hermanitas, aún con las diferencias entre generaciones, capturan muy bien la esencia infantil. El encanto de Mei, que puede ser tan ruidosa y exploradora como un niño de su edad suelto en los campos, y la relación tan creíble que tiene con Satsuki hace que hasta nos olvidemos de la existencia de Totoro en numerosas ocasiones, son las que captan nuestra atención desde el comienzo de la película.

Faelyan: Pido disculpas de antemano a los lectores. Me di cuenta de que es imposible hacerle justicia a las obras de Ghibli en cuanto a las visuales, somos totalmente ignorantes en cuanto a asuntos relacionados al diseño, la animación o el soundtrack. Sin embargo, tenemos en cuenta estos aspectos, ya que son tan relevantes como la historia y, como espectadores comunes, podemos notar cuando algo destaca. Después de todo los filmes animados no están dirigidos únicamente para expertos en la materia, ¿no?

En lo que vamos de Travesía, se percibe un cambio notable en cuanto al color. La paleta es más compleja, incluso más apastelada y con un trabajo en los fondos increíble. Luce lo suficientemente realista como para relacionarlo a una región no urbanizada, pero da un efecto maravilloso y mágico muy efectivo. Eso se lo debemos a Kazuo Oga, que con su trabajo refuerza esa impresión animista que ya ha descrito Darío en las anteriores entregas de esta sección. Es una nueva dirección a tener en cuenta, pues el director artístico contribuyó enormemente en la definición del estilo visual tan reconocible del estudio Ghibli.

Aquí también inicia una forma de usar la animación que es marca de la casa, pues a veces los personajes se mueven sin necesidad de justificarse en la trama. Mei intentando gatear sin pisar el suelo como su hermana, gestos o expresiones que no tienen una razón en el argumento, pero que construye de manera fenomenal a los personajes, y los hacen sentir reales y cercanos.  Es esa atención al detalle que fascina a tantos animadores occidentales, y que la audiencia nota de forma inconsciente.

La banda sonora estuvo nuevamente a cargo de Joe Hisaishi y, ¿qué se puede decir? Sigue aportando su dosis de atmósfera agradable, con sus armonías y acordes relajantes y fantásticos. El tema principal es pegadizo, como debería ser cualquier canción que quiere quedarse en la cabeza de los niños, aunque a mi gusto la introducción no es tan buena como las dos anteriores, pero tampoco es un problema, pues no puede explotar los elementos de fantasía que sí tenían esas.

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Darijosanatus: Como hemos ido comentando a lo largo de la reseña, pese a que la propia autora del blog donde se va a subir esta entrada haya sido la que ha escrito más y me haya hecho la cama, dado de comer, lavado los dientes y demás como buena hermana mayor que es, Mi Vecino Totoro es una película en la que hay que sentarse y verla tranquilamente sin mayores pretensiones, en un momento donde te puedas olvidar de todas las preocupaciones y demás vaivenes de la vida para poder disfrutarla en su mayor pretensión, lo que no quita que otras no lo necesiten, pero en ésta es mayor la importancia a nuestro parecer ya que si no no se podrían notar esos matices: volver a recordar esos momentos de tu infancia donde jugabas con cualquier cosa, sin ningún límite a nuestra imaginación; disfrutar de esos bellos diseños y exquisita animación creada por todo el equipo artístico, con todos esos geniales paisajes y absorbente naturaleza, todo orquestado por el que ya sabemos quien es; querer a Mei y Satsuki con todo nuestro corazón y abrazar a Totoro si es que alguna vez le vemos, que seguro que tendremos suerte y si le veremos. Por todo esto y más cosas que se nos olvidarán en estas últimas palabras, hemos disfrutado de una gran película como es ésta, la tercera de nuestra travesía, que ojalá la sigamos con una mejor frecuencia y no nos desviemos demasiado.

Faelyan: A mí me queda advertir al que va a visitar a las niñas y a Totoro por primera vez que el hype y las múltiples alabanzas con las que cuenta el film son totalmente merecidos. Quizá les pasa como a mí, que eso generó demasiada expectación que fácilmente causó una decepción, pero en un revisionado o algún tipo de reflexión al respecto se darán cuenta de que el problema no es la película, si no lo mucho que difiere del estándar de película infantil actual. No termina con una canción pop, ni sigue esas tramas ya mencionadas.

Fue un gran éxito en su estreno en Japón, en gran parte por la venta del merchandising, y salvó a Ghibli de la bancarrota. Por suerte nunca se les ocurrió hacer secuelas ni películas que sigan exactamente el mismo patrón, no como otros grandes estudios de animación de este lado del planeta (ejem, ejem).

Disfrutamos mucho de este refrescante y agradable paseo por el campo, pero ahora toca adentrarse en el pasado del país del Sol Naciente, y la primera película dirigida por la otra mente creativa del estudio: Isao Takahata. La vemos, la desmenuzamos, y si no lloramos mucho os contamos pronto por Cuatro Torbellinos Parlantes.

Travesía Ghibli #1: «Nausicaä del Valle del Viento»

A la hora de ver anime, muchos nos fijamos en el estudio que se encarga de animarlo. El staff de cada uno le da una impronta a las obras que pueden realzarla… o arruinarla. Madhouse, Bones, Gainax, Production I. G, entre otros son nombres que han hecho historia en la animación japonesa desde hace años, produciendo series, películas y OVAs inolvidables. Cualquier otaku que se precie le da importancia a la hora de ver un estreno a los encargados de darle vida a la historia, teniendo sus favoritos y algunos que no le terminan de convencer.

Pero vayámonos atrás en el tiempo, cuando Nippon Animation era el estudio que con su World Masterpiece Theater exportaba series basadas en clásicos de la literatura a Occidente. Detrás de Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes estaban Hayao Miyazaki e Isao Takahata, que luego de colaborar anteriormente en Las aventuras de Horus, Príncipe del Sol (1968), forjaron una amistad y un equipo que más tarde los llevaría a crear el estudio Ghibli; ¿necesito contar el resto? Es un ícono de Japón, y acerca sus largometrajes incluso a audiencias no interesadas en los dibujos nipones. Clásicos de la animación, desde El viaje de Chihiro, Mi vecino Totoro o La tumba de las luciérnagas fueron concebidos aquí, y son obras que cualquiera que adore el anime (o incluso el cine) debería de ver.

El problema es justamente ese. Hay películas del estudio que en mi vida he visto, y hace poco he descubierto que no soy la única. Dariijosanatus (o Froaude) del blog Cuatro Torbellinos Parlantes, no ha visto ni una película del estudio. Como era algo que teníamos que resolver para limpiar nuestro nombre, venimos a comentar todos los films de la casa de Totoro, no sólo para disfrutar de sus producciones por primera vez, sino para animar a los que están en nuestra situación a unirse y presenciar los mundos creados por Miyazaki y compañía con nosotros.

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Vamos a empezar por una cinta de 1984, estrenada un año antes de la fundación de Ghibli, pero que fue necesaria para que el mismo llegara a existir, contando con el staff que luego lo integraría. El mismo estudio lo considera como parte de su filmografía, y los encargados de licenciar sus trabajos la incluyen al catálogo; así que era preciso empezar por aquí.

La caída de una civilización industrializada de hace mil años llenó la tierra de óxido y fragmentos de cerámica, que creó un bosque que se extiende por un páramo inmenso dentro del planeta y se encuentra lleno de hongos denominado ‘Fukai’, que desprenden esporas y emana un miasma que son mortales para la vida humana.

Nausicaä es la princesa de El Valle del Viento, uno de los pocos asentamientos humanos que han sobrevivido a lo largo de los siglos, viviendo en armonía y paz con la comunidad. Es una chica aventurera y sensible que tiene la capacidad de calmar a los Ohms, criaturas gigantescas con aspecto de insecto.

Este equilibrio se rompe con la llegada del reino de Tolmekia, liderado por la princesa Kushana, con un aspecto imponente y ambiciosa, que invadirá el pueblo de Nausicaä con un determinado fin.

Darijosanatus: Esta bloguera, Faelyan, cuando se embala, coge la velocidad y altitud de una ave, es imposible de alcanzar. Yo soy de ciencias, y aunque ésto no quiere decir que mi habilidad para expresarme por escrito no sea mala, creo que es obvio que no tengo la capacidad de escritura que puedan tener otros blogueros, sean las razones que sean, o quizás mi modo de escribir sea diferente a lo de los demás, lo cual puede crear bajo mi punto de vista una entrada bastante interesante y llena de ideas o un desastre, por la mala coordinación de ambos, mal entendimiento o lo que sea.

Como Faelyan dijo, es la primera película del ‘Studio Ghibli’ que veo, e incluso ni se considera oficial dentro del mismo estudio, pero puedo decir que he visto una película ya dirigida por Hayao Miyazaki, cuyas impresiones dejaré y/o dejaremos en segundo plano para más adelante. Siempre he oído a este nombre en la industria del anime, por sus películas, además del estudio de animación, yendo ambos nombres unidos, incluso se paró la producción del propio estudio por la retirada de Miyazaki según he leído y tal, pero este hombre es esa clase de persona, que en mi opinión, morirá mientras esté rodando una película, como muchos otros directores de cine me supongo u otro tipo de artistas.

Dejándonos de presentaciones, la historia nos introduce a una sociedad post-apocalíptica, con una tecnología más avanzada a la nuestra actual, debido a la caída de una gran civilización industrial que provocó graves consecuencias, dejando el denominado ‘Fukai’ que ocupa gran parte del planeta, una niebla espesa que es mortal para los humanos sin las debidas protecciones y que suele estar custodiada por ‘ohmus’, insectos gigantes que también son peligrosos para la propia supervivencia humana, sobre todo cuando son agresivos.

Las pequeñas poblaciones humanas que sobreviven en zonas donde el ‘Fukai’ no llegó a extenderse, viven con sus recursos, aunque realizando incursiones en este territorio, como la propia protagonista que da el nombre a la película y al manga en el que se basa, Nausicaä, princesa de ‘’El Valle del Viento’’ que recolecta recursos de siglos pasados que son de utilidad para sus habitantes.

Faelyan y yo, ella primero a mí, me comentó que el manga de Hayao Miyazaki, de la que se adaptó la película, ha de ser más extenso y que por ello algunas partes de la película puedan verse más apresuradas o mismamente recortadas, pero no es de esa manera; la película fue creada cuando el manga llevaba solamente 2 volúmenes publicados y terminó de publicarse en el año 1994, con un total de 7 volúmenes. Según he leído, el manga trata los temas que se dan en la película de una manera mucho más extensa, más profunda, con temas medioambientales más desarrollados y un mundo más desarrollado que el que hemos visto nosotros. Tuvo varios parones el manga por las diversas películas que dirigió o ayudó en parte estando en ‘Studio Ghibli’, por lo que la propia visión de Miyazaki cambió a lo largo de los años, así como sus ideas, pudiendo ser quizás el final del manga algo muy distinto a lo que nos encontramos en esta película, pero será algo que no profundizaremos demasiado, aunque si queréis ver más de este mundo o ver el propio desarrollo del manga, es muy recomendable que se lea el mismo. Yo quizás lo haga y puede que haga algo para mi blog o por dónde sea para el manga, pero no prometo nada.

La trama de la película puede ser un ejemplo de asignatura de lengua en la escuela o instituto de cómo realizar la introducción, el nudo y desenlace de una película. Es muy simple y no necesita de giros de guión inesperados, flashbacks o escenas colocadas de manera inteligente, aunque el primer recurso se usa, pero simplemente para describir la historia del propio personaje y algún suceso pasado. Rápidamente se va hacia el tiempo presente para seguir contándote la historia.

¿Esto que quiere decir? Que Hayao Miyazaki es un vago de manual… No, es broma, lo que quiero decir es que con toda la simplicidad con la que narra la historia de Nausicaä, su pueblo y el mundo que le rodea, por la propia calidad de las ideas, la fluidez con la que van pasando los acontecimientos, acompañados de una muy buena banda sonora y unos diseños gráficos que son alucinantes para la época en la que se dibujó y animó, es genial y te hace seguir viéndola desde el inicio hasta el final con ganas.

Esta obra tomó influencia de grandes clásicos, como son El Señor de los Anillos de Tolkien, la saga Terramar de la autora Ursula K. Le Guin o Anochecer de Isaac Asimov, pero este último más bien para el manga. El propio nombre de Nausicaä es tomado por La Odisea de Homero e incluso como dato muy curioso y muy cercano a mí por lo que estudié (Ciencias Ambientales) según he leído, a Miyazaki el desastre de la Bahía Minamata, que ocurrió por el vertido de aguas contaminadas, de altas concentraciones de mercurio, por fábricas y que provocó víctimas, no por la toma de la propia agua de la bahía, si no por la propia ingesta de peces y bivalvos (almejas) que son los que acumulan mayores concentraciones de mercurio (fenómeno de bioacumulación), con el que se inspiró para crear ese mundo tan tóxico de la película, el ‘Fukai’.

Incidiendo en el detalle medioambiental, hay un concepto que encontramos investigando un poco sobre el film, o más bien de la obra que ha ido realizando Hayao Miyazaki a lo largo del tiempo, lo cual no puedo aseverar porque no he visto más películas de él que ésta, que es el denominado ‘Animismo’, una creencia religiosa que se puede englobar dentro de una corriente filosófica o forma de pensar. Éste se define como la idea de que la propia naturaleza y/o propios objetos, tipo amuletos y demás, tienen consciencia propia y pueden actuar por su voluntad. En esta película, más bien se centraría en que los elementos naturales, ya sean las rocas, el agua o los propios ohmus poseen esta capacidad, que se puede observar bajo la perspectiva de la propia protagonista, Nausicaä, que posteriormente Faelyan describe brevemente su forma de actuar y la enorme sensibilidad que siente, tanto a las personas como a la propia naturaleza.

Es más, la película comienza con una recomendación de la WWF, el Fondo Mundial para la Naturaleza, lo cual deja ver o aclara aún más el mensaje que tiene la historia, pudiendo llegar a tener un objetivo de concienciar a los que vean la obra o de mostrar el importante tema naturalista que contiene la misma.

Faelyan: Como dice Darío, Miyazaki se ha inspirado en clásicos de la literatura para crear el mundo de Nausicaä del Valle del Viento. Crea así un universo evidentemente más amplio de lo que vemos en la cinta; que si se hubiera estrenado en la actualidad podría haberse vuelto saga de éxito fácilmente. Para lo que tenemos, no puedo evitar que la narrativa de ésta me recuerde a otro clásico animado de los ochenta: Akira, que usa más la baza tecnológica y su trama no tiene mucho que ver, pero que tienen tanto para contar que en un primer visionado uno se puede sentir abrumado de tanta información que te cuentan en cada escena, pero está mejor manejado que en otros casos, con escenas más pausadas que permiten seguir el ritmo. La segunda película que dirigió Miyazaki es totalmente disfrutable para todos los públicos. Cargada de épica, momentos más experimentales y un mensaje que no es pura moral ni pretende ser aleccionadora, esta obra resume muy bien lo que se puede ver en la obra de su director: la belleza de la naturaleza, con esos prados verdes y los cielos tan azules, la representación del viento, su pasión por la aeronáutica y el vuelo, protagonistas femeninas llenas de fuerza y carisma, además del uso de una tecnología que no parece de una época en particular. Es una excelente introducción a todo lo que a uno le viene a la cabeza cuando piensa en Miyazaki.

Es un relato que permanece vigente, pues no se trata precisamente de el humano contra la naturaleza, sino de los propios humanos y su tendencia a temer a lo desconocido, pelearse entre ellos y repetir errores del pasado, en este caso relacionado al descuido que hicimos y todavía hacemos del mundo que habitamos. También se centra en el equilibrio y la empatía como forma de resolver la injusticia, pues los humanos deben sufrir como los insectos para poder redimirse y ser perdonados para cambiar la situación.

Así como se nota la dificultad de adaptar una historia inacabada en un largometraje, los espectadores nos quedaremos con las ganas de conocer mejor a los personajes, que están bien planteados. Ninguno es realmente malvado, ya que sus motivaciones y conflictos son entendibles. Sin embargo, Kushana como némesis del pensamiento de Nausicaä queda bastante abandonada, así como Asbel, que me identifiqué mucho con su perspectiva.

     

Pero hablemos de la más importante, la princesa que da título al film. Cuando comentaba con Darío la película el me dijo algo que me dejó pensativa. Le daba la impresión de que Nausicaä era tal vez demasiado perfecta, tan valiente, idealista y heroica. Puede ser que sea un personaje que está diseñado para ser un modelo a seguir; sin embargo, también es bastante incomprendida a lo largo de la película. Adora la vida natural, y puede hablar de los ohmu y el fukai sin que nadie intente entenderla. Los personajes de otras ciudades, e incluso la gente del Valle del Viento – que la adoran por ser su princesa – en ocasiones no saben como tomársela. Lo realmente admirable de ella es que a pesar de no poder compartir con nadie esa visión que tiene del mundo realmente se esfuerza para que haya paz en ambas especies. Siempre hace algo, resolviendo problemas constantemente, a veces dejándose llevar fuertemente por sus emociones. Tampoco es completamente pacifista, pues usa notablemente la violencia ante un hecho que le afecta, cosa que no deja de hacerle sentir culpabilidad y, aunque llore seguido por ver tanto sufrimiento, está muy lejos de ser parecida a los personajes femeninos a los que estamos acostumbrados, que van a la lágrima fácil o pasan la mitad de la trama protestando sin tomar partido en lo que les rodea, lo que demuestra que el film no ha envejecido después de más de treinta años.

Sin lugar a dudas el aspecto audiovisual es algo por lo que también es imprescindible ver esta obra. A pesar de que no tenga una animación tan fluida como las películas ya producidas por el estudio, las escenas de vuelo siguen siendo increíbles, y el detalle de los fondos, de colores suaves, es impresionante. Se aprecia el trabajo duro que hay sobre todo en el clímax, con todo lo que sucede en el mismo. Todo está realizado en forma tradicional, y no deja indiferente el esfuerzo puesto, dada nuestra época, en la que fácilmente se recurre al uso de CGI para fondos y demás.

Asimismo, es un largomentraje en el que no sólo trabajaron futuros integrantes clave de Ghibli, sino que participaron como animadores figuras tan reconocidas como Hideaki Anno, trabajando en la escena del Dios Guerrero.

Algo a destacar es el diseño de los ohmus y de las naves usadas por los humanos, similares a los insectos (ya que no existen aves en este mundo). Nuevamente se nota la pasión del director por la aeronáutica, y es algo que le aporta cierta identidad a la obra.

Con los años, las remasterizaciones del filme han distorsionado los colores en ciertas escenas, por lo que, en la versión que hemos visto, parecía que al comienzo Nausicaä no llevaba pantalones. Nos ha distraído un poco, a decir verdad, durante los primeros minutos. Luego, investigando, nos dimos cuenta de que era un problema de la reedición. Lo mencionamos para avisar a los que les llegue a pasar lo mismo cuando disfruten de la película.

Luego está la banda sonora, que se trata de la primera colaboración de Joe Hisaishi con Miyazaki. Me costó reconocer que era un trabajo suyo, pues no adoptará aquí sus armonías características. Con canciones llenas de épica, toques medievales y ritmos electrónicos totalmente ochenteros (que funcionan extremadamente bien como parte de la ambientación post-apocalíptica) es un soundtrack completo, con un tema principal memorable. A su vez el requiem se ha convertido con los años en parte de numerosos memes, siendo una mezcla curiosa entre perturbadora y encantadora.

Darijosanatus: Como primera película ghibliana que veo, me resulta bastante complicado decir algo al respecto de forma personal, más que nada por la cantidad de fans que hay de sus películas y que pueden saber mucho más que yo. Ambos coincidimos en que es una película de animación japonesa que cualquier otaku que se precie debería ver, le guste más o menos, y es una recomendación tanto como película en sí como para conocer más del universo creado por Miyazaki y su estudio de animación.

En mi opinión, y a decepción de los más fans, Nausicaä del Valle del Viento no me ha podido llegar tanto como a ellos, más bien por la simpleza de los personajes, con los cuales no logro empatizar, salvo con Nausicaä un poco, pero igualmente es un personaje que parece más un ideal que una persona de verdad, de ahí que no logro identificarme con ella como con personajes de otras obras, que son más humanos, de los cuales puedo decir ejemplos a patadas, como Kenzo Tenma de Monster, Yang Wenli de Legend of Galactic Heroes, o algunos más conocidos como pueden ser Luffy de One Piece o Izuku Midoriya de Boku no Hero Academia.

En contraparte, y por eso seguiré viendo más de la filmografía de ‘Studio Ghibli’, su universo junto a las ideas que propone y la narración tan amena y fluida que se da, me han gustado, porque no llega a ser, al menos en este caso, una historia rocambolesca ni incoherente de guión con lo que quiere contar el propio autor de la obra. Es una historia muy bien estructurada, narrada y que no se te llega a ser pesada en ningún momento, por lo que de mi parte os animo a que la veáis para que le déis una oportunidad a toda su filmografía.

Quizás conforme vaya viendo más empiece a coger un gusto mayor por las películas, y por esta misma, pero por el momento no me puedo declarar fan de ‘Studio Ghibli’.

Y para terminar, ya lo dije en parte, su banda sonora junto a su diseño gráfico son geniales, en serio, nos ha costado elegir imágenes para añadir a la propia reseña porque es que de verdad, se puede hacer captura de pantalla a cualquier paisaje que veas dentro de la propia película. La banda sonora la escuché ayer por la noche mientras discutíamos o conversábamos que queda más bonito con Faelyan, y es preciosa también.

Una obra totalmente recomendable, pero quizás a mí los mundos de ciencia ficción y fantasía no me llegan a gustar, casi ninguno, así que no quiero que mi opinión os coarte a la hora de ver esta película porque es muy buena.

Faelyan: Concuerdo en la recomendación de Darío, es una historia sólida que merece al menos una oportunidad, aunque su protagonista se coma al resto en pantalla. Así como expresé antes, a mis ojos es una excelente heroína, totalmente entretenida. Plantea un mundo fascinante en el que queremos saber lo que va a pasar y en el que nos vemos inducidos por un ritmo estable y unos diseños maravillosos. Es una obra esencial para conocer a Miyazaki en estado puro, con toques de la época que la vuelven irresistible. Me ha sorprendido gratamente.

Y esas fueron nuestras impresiones de la primera película en esta travesía sobre las películas de Ghibli, que recién comienza. Próximamente comentaremos El castillo en el cielo en el blog de Darijosanatus, Cuatro Torbellinos Parlantes, que deberían revisar. Esperamos que hayan disfrutado leyendo tanto como nosotros escribiendo y esperamos que nos cuenten su opinión de ésta y las demás cintas. Hasta entonces, ¡a ver anime se ha dicho!

Mix de abril, mayo y junio 2018

Parecería que se ha vuelto costumbre que en este blog haya meses enteros sin entradas que coinciden con exámenes por rendir. Supongo que es parte de acostumbrarse a nuevas rutinas pero no importa, porque me vuelvo con un triplete. Para compensar esta ausencia trimestral traigo, como en cualquier mix, un montón de cosas que vi, leí o escuché entre libros de texto y el otoño sureño. No hay tantas cosas como si fueran tres meses de vacaciones, claro está. Pero hay aquí ciertas obras que me han encantado y que ya están entre mis favoritas.

Perfectos desconocidos

2017| Álex de la Iglesia | Comedia, remake | 96 min. | ★★★

El primer film que veo del cineasta español Álex de la Iglesia y dudo que sea el último, a pesar de que no me haya parecido una comedia redonda. Basada en la cinta homónima italiana, la historia se desarrolla en una cena de amigos que deciden poner todos sus teléfonos sobre la mesa y compartir con todos cada mensaje o llamada que les llegue. La trama invita a ver cómo las cosas se desmadran cada vez más, con los secretos desvelándose y los personajes dudando cada vez más del otro mientras que intentan ellos mismos no quedar al descubierto. Los primeros dos actos van in crescendo en los que las risas aumentan hasta que, después del frenesí de complicaciones, todo lo construído se cae, reemplazando la comedia negra por un intento de drama que no termina de funcionar, sumado a una conclusión que da la impresión de que algo no cierra bien en la ecuación. En parte porque cuesta empatizar con personajes que se presentan como gente muy particular, por momentos desquiciada y a su vez porque se le ven los hilos en varias ocasiones. Un tanto predecible con un tercer acto poco convincente, pero aún así un retrato interesante de esta época además de sumamente entretenida.

James Acaster: Repertoire

2018 | Comedia, stand-up | 4 episodios | Netflix | ★★★1/2

Sucede seguido que, en lugar de ponerme lo que tengo en la lista de mi cuenta de Netflix, exploro el catálogo a ver si me encuentro con alguna joya inesperada o añaden series y películas que me encantan. A comienzos de abril, se estrenó en la plataforma un especial de stand-up de cuatro capítulos a cargo del humorista británico James Acaster. Al ser producción originial de los mismos, anuncios estaban desperdigados por todas partes, por lo que llamó ligeramente mi atención, a pesar de que a priori el trailer no me pareció tan bueno y que dentro de la comedia no suelo preferir el stand-up. 

Sin embargo, una vez vista la primera parte no podía parar, y de hecho he repetido mis partes favoritas. Acaster hace un hilo un tanto peculiar de historias surrealistas y bizarras propias del mejor humor británico, narradas de forma interesante e inesperada por momentos. Conecta chistes que ya usó en otros trabajos con nuevos y construye cuatro capítulos sólidos, lo cual es algo a destacar en un género que a veces queda simplemente en una sumatoria de anécdotas que buscan simplemente la complicidad del público; o al menos desde mi punto de vista. Tanto si te gusta el stand-up como si no, te recomiendo mucho este especial con un giro fresco al género de la mano de un personaje estrambótico e hilarante.

La vida de Brian

1979 | Terry Jones | Comedia | 1h 34min | ★★★★★

Ya que hablamos de humor británico, la plataforma de streaming incorporó a su catálogo en mayo todas las películas y la serie de televisión de Monthy Python, considerados los Beatles de la comedia y de gran influencia en este ámbito.

Hacía pocos años supe de su existencia cuando por televisión vi una escena de La vida de Brian, un film que nos cuenta los infortunios de un hombre que nació el mismo día que Jesucristo y es tratado como Mesías por error. En su momento no pude terminarla, y aprovechando su reciente disponibilidad en Netflix, decidí verla por fin.

No tengo mucho más que añadir que la mayoría no haya dicho ya sobre esta película. Es una obra maestra con todas las letras. Satiriza un montón de aspectos de las sociedades occidentales, hace reflexionar y prácticamente todas sus escenas son icónicas, memorables, repetibles y citables en cualquier conversación. Es fascinante ver la cantidad de cosas que contiúan sucediendo o que tienen incluso más gracia teniendo en cuenta lo que sucede en la actualidad, permanece totalmente vigente. Si no la has visto no sé qué estás haciendo en este momento, porque es muy fácil de encontrar siendo un clásico, las carcajadas están garantizadas. Seguramente vea el resto de películas de ellos, y ya estoy disfrutando de su programa Monthy Python’s Flying Circus.

Merlí (sólo primera temporada)

2015 | Héctor Lozano | Drama | 13 episodios | ★★1/2

Las series españolas están causando un gran revuelo en Latinoamérica. Todo el mundo imita el acento, las calles comerciales se llenan de trajes de La Casa de Papel, empiezan a hablar de historia del país ibérico con El Ministerio del Tiempo y debaten sobre educación chapuceando catalán con Merlí.

Después de tanta referencia y recomendaciones esperaba mucho más de lo que obtuve. El profesor de filosofía tiene cierto encanto en su descaro, claro está, pero lo que promete ser una premisa que ponga en cuestión el sistema educativo, el rol del docente y sirva como medio divulgador de la misma, se queda en otra serie adolescente del montón. Da más centralidad a los problemas de los chicos, los líos de Merlí con los demás adultos y no pasa de ahí. Todos los alumnos son estereotipos andantes que usan sus vocablos juveniles y se la pasan bebiendo, teniendo sexo y lidiando con sus padres. Seguramente varios se puedan sentir identificados con los ellos, pero no es mi caso. Creo que a este tipo de enfoques les falta algo de diversidad y de sustancia.

Por otra parte los guionistas de esta serie adoran a su protagonista tanto que no sólo hacen que el desarrollo de la trama le de la razón constantemente, sino que nunca sufre consecuencias cuando se equivoca. Tratandose de una serie «de divulgación filosófica» que propone a los jóvenes una forma más crítica de ver el mundo eso es un mal signo.

Tiene sus buenos momentos y un final logrado, pero no creo que con eso me alcance para querer ver sus otras dos temporadas.

The Story of Diana

2017 | Rebecca Gitlitz | Documental, biografía | 4h | ★★★1/2

En 2017 se cumplieron veinte años de la muere de Diana Spencer y, como es de esperarse, gran cantidad de documentales fueron creados para conmemorar y analizar desde una retrospectiva más contundente la historia y el impacto que tuvo en el Reino Unido y en el mundo el «cuento de hadas» que se tornó en tragedia de la Princesa de Gales. Habiendo visto una gran cantidad de programas y películas sobre ella dado el interés de mi madre, que era adolescente cuando sucedió la famosa boda real, puedo decir que dentro de todo ese material éste documental dividido en dos partes es de lo mejor que se puede ver sobre el tema.

Ponen sobre la mesa las numerosas aristas de Lady Di y todo lo que la rodeó desde su exposición al público. El manejo que tuvo de su imagen, su relación con Carlos, la dinámica con los medios de comunicación, el legado que dejó en la Corona británica y en las celebridades en general, entre otros puntos de su historia son desarrollados. Con la participación de su hermano, personas que trabajaron en los tabloides en su momento, gente del seno de la monarquía y otros participantes que de alguna forma en los sucesos contados aportan sus perspectivas que, sumadas a una buena edición, forman dos largometrajes que valen mucho la pena; más allá de que te interese o no saber sobre la vida de «la princesa del pueblo» o los escándalos de la monarquía, es un material que despierta reflexiones acerca del cuarto poder, dejando la puerta abierta a pensar en nuestros tiempos en comparación al panorama hace dos décadas.

27: Gone Too Soon

2018 | Simon Napier-Bell | Documental, música | 1h 30min | ★★

Mi fascinación creciente por los documentales es cada vez más notoria en el blog y en mi cuenta de Twitter. Se trata de una forma muy entretenida de aprender y a pesar de tener sus métodos deja cierto margen a la creatividad de sus desarrolladores. Al ver el ingreso al catálogo de Netflix de uno dedicado al asunto a veces místico y a otras amarillista como el club de los 27, me preguntaba cómo lo podían abordar.

Francamente no aporta nada, se basa en segmentos con pequeñas biografías de los «miembros» e intentan conectar esas historias con los vaivenes de la industria musical y la droga, cosa que ya se encuentra muy extendida en internet y otros trabajos similares. Es decente para el que no conoce nada sobre el emblemático grupo de músicos, pero no destaca en nada.

Songs Of Faith And Devotion

1993 | Depeche Mode | Mute/ Reprise Records | spotify | ★★★★

Desde hace bastante tiempo que identifico cada año de mi vida con un músico. Por más variedad de artistas que escuche, hay uno que descubro y que durante doce meses es lo que más suena en mis auriculares. Voy descomponiendo sus sonidos, recorriendo su discografía, a la vez que me acompañan sus composiciones en todos los eventos del año, a modo de banda sonora. El pasado 2017 fue atravesado por la discografía de Arcade Fire, que probablemente termine escribiendo sobre ellos en un futuro. Actualmente, fui desplazando a los canadienses (sin dejar de tararear sus temazos, por supuesto; los artistas que marcaron años anteriores no son borrados de mis listas de reproducción bajo ningún concepto) por los hits de la banda inglesa Depeche Mode, que muchos conocerán por sus padres y otros tantos por su juventud. Estrellas del sintetizador a lo largo de la década de los ochenta, los de Sussex siguen en el presente grabando discos y haciendo giras, aunque nunca con la relevancia que tuvieron hace treinta años. En gran parte es por su estancamiento en cuanto a innovación con la música electrónica, pues se podría decir que desde la retirada de Alan Wilder el sonido fue cada vez más formulario. Aunque esa cuestión no es lo que importa en este mix.

No quiero incurrir en la historia de la banda, aunque tiene bastante importancia a la hora de hablar de su octavo álbum de estudio. Como decía antes, en los ochenta fueron grandes exponentes de la música electrónica, y su carrera estaba en la cima con Violator (1990), donde están sus singles más conocidos por el público general. Era a lo que parecía estar destinado a ser desde que se fue Vince Clarke, nada más sacar el primer disco.

Pero vamos al punto. Después de tal triunfo mundial, había mucha expectativa con el próximo trabajo de los ingleses, y muchos se decepcionaron cuando en 1993 sale a la luz Songs of Faith and Devotion, que se alejaba bastante del sonido que fueron perfeccionando desde que comenzaron, con muchos toques de gospel, blues y hasta el grunge. Aquí apostaron por lo analógico, incorporando batería, guitarras como en Violator y coros de gran potencia. Sin embargo, es un gran muestrario de las composiciones de Martin Gore, con las temáticas en las que brilla. Sexo, amor, pecados, todo eso está aquí – sobre todo los asuntos religiosos, que son centrales – con la mejor interpretación vocal que Dave Gahan haya hecho. Son canciones muy sentidas teniendo en cuenta que el cantante estaba casi al borde de la muerte.

Así como en su momento fue polémico entre los fans o incluso la crítica, con el tiempo fue siendo más reconocido, incluso es considerado el último gran disco de la banda, después del cual Wilder no participó más. De apuesta arriesgada, en un momento en el que el grupo casi se pierde por completo entre drogas, alcohol y disputas; Songs of Faith and Devotion no es sólo un imprescindible de Depeche Mode (que es ideal para conocer algo del grupo si no te gustan los sintetizadores), también de la década de los noventa.

 

Dummy

1994 | Portishead | Go Beat | spotify | ★★★★1/2

Pasamos de un gran disco noventero a otro.

Estos meses donde vivo fueron muy lluviosos y grises. Sobre todo en mayo, día tras día había una atmósfera calmada, en ocasiones extenuante, que suele ir acompañada de películas animadas o música que vaya en consonancia con el ambiente. Ahí es donde entra Portishead, una banda que hacía tiempo me decepcionó por no resultar ser lo que esperaba por mi desconocimiento del trip hop. Sin embargo, cuando ví que en Versus, un programa radiofónico que se ha vuelto un indispensable cada miércoles, iban a enfrentar su Dummy contra Heaven or Las Vegas, de Cocteau Twins (escucha ese combate aquí) me decidí a darle otra oportunidad al grupo de Bristol. No pude haberme econtrado con un disco que más adecuado para el momento.

Con su beat que alterna entre lo puramente urbano y lo sofisticado, sumado al timbre delicado y melancólico de Beth Gibbons, el tono del álbum te inserta en una atmósfera oscura, aterciopelada y con la clase de un soundtrack refinado. Junta elementos que a primeras no parecerían quedar tan bien juntos y, pese a ser ya muy aclamado, sigue sorprendiendo. Una gran forma de descubrir el género.

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Éstas fueron las cosas que, para bien o para mal, destacaron en los últimos meses de pausa en el blog. Menciono también a la película Sing Street, un musical del 2016 que me fascinó, y que si no está en esta entrada es porque ya hablé de sobra en twitter acerca de ella, además de la reseña que hice en mi cuenta de Letterboxd, que voy a ir actualizando al igual que este espacio.

 

Y ustedes, ¿qué cosas pueden recomendar que hayan descubierto hace poco? ¿Conocían alguna de las de este mix? Como siempre los comentarios son más que bienvenidos.

 

 

 

 

Mix de Marzo 2018

Todos los que entran en este espacio pueden leer la descripción: blog misceláneo sobre historias. Un subtitulo que evoca la gran cantidad y diversidad de intereses de su autora; la mayoría audiovisuales, pero en una vorágine cabe de todo, sobre todo teniendo en cuenta que la gente cambia y sus gustos, también. Por el momento, mis gustos no han cambiado y el enfoque del contenido de esta bitácora cibernética permanece intacto. Sin embargo, hay cosas que van quedando en el tintero: películas, series, libros, canciones, bandas sonoras y más descubrimientos que no traigo a este espacio porque no soy precisamente de escribir reseñas todo el tiempo; tampoco puedo desarrollar artículos o análisis tan extensos para recomendar todo eso que no expongo entre las líneas del blog. Así que, queridos lectores, ha llegado a Vorágine de Palabras esta especie de boletín mensual con diversas cosas que me hayan gustado y quiera compartir.

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Cine

La Princesa Prometida

1987 | Dir. Rob Reiner | Aventuras, comedia, fantasía | 98 minutos

Hacía un tiempo tenía en mi lista de pendientes a este clásico de los ochenta y, cuando finalmente pude verlo… ¡Cómo me arrepentí de no haberlo hecho antes! De hecho, creo que me hubiera encantado de niña. Ciertamente es un film imperdible, lleno de momentos hilarantes que uno no se va a olvidar, personajes simpáticos, frases que quedaron en la historia del cine y una historia que no envejece. Gente de todas las edades pueden encontrar algo de su interés en ésta sátira y homenaje a su vez de los cuentos de hadas. Lo más destacable es sin duda el humor, es efectivo sin necesidad de referencias a la cultura pop, ni gags escatológicos, hoy en día la comedia familiar está falta de ese estilo, mucho más puro y único. Además de todo eso – que no es poco – es de las que uno podría ver muchísimas veces sin cansarse. Si películas como Shrek no te convencen, ésta es un absoluto must.

La Forma del Agua

2017 | Dir. Guillermo Del Toro | Fantasía, romance | 123 minutos

Muchas expectativas tenía con el estreno de la cinta de Guillermo Del Toro, incluso antes de su gran cantidad de nominaciones a tantos premios. Como habrán podido notar si me siguen, las historias de amor son mi debilidad, y el toque fantástico podía salir muy bien… o ser un completo desastre. Esperaba una historia de «humana y monstruo» que me quitara el mal sabor de boca que me dejó la versión live action de La Bella y la Bestia y la historia de Elisa y la criatura lo logró con creces. Creo que cumplió su cometido y, además de darnos un cuento de hadas adulto, logra trasmitir su mensaje sin ponerlo por todas partes. El departamento artístico es fantástico, y ayuda a construir una atmósfera muy lograda.

Siento que, como ocurrió con La La Land, las películas salen un poco perjudicadas cuanto obtienen tantas nominaciones al Óscar, puesto que las miradas sobre las mismas son más atentas, más inquisitivas. Como no, es lógico que el que se quede con la estatuilla sea realmente merecedor de la misma, pero en esa búsqueda de que el film sea una maravilla, puede que se esté criticando demasiado lo que, de otra manera sería evaluado como otros tantos largometrajes. ¿Merecía el Óscar a Mejor Película entonces? Seguramente no, pues había muchos contingentes que de una forma u otra eran superiores. Sin embargo, eso no significa que La Forma del Agua sea mala, en absoluto. En lo personal me gustó mucho, probablemente la vuelva a ver algún día.

Series

Everything Sucks!

2018 | Comedia, drama | Netflix | 10 episodios | 24 minutos por ep.

Cuando le di una oportunidad a esta serie original de Netflix, estaba convencida de que se trataba de una comedia de instituto ambientada en los años 90, con ese filtro nostálgico que está resultando tan exitoso en las ficciones de los últimos años. Al darle play a su primer episodio, tenía la intención de desconectar un rato del estudio, y no pude terminar más sorprendida con lo que ofrece. Claramente, tiene ese humor «de instituto», pero cuando le dan menos importancia a mostrar lo que estaba de moda en ese momento y a bromear con lo nerds que son algunos de sus secundarios, realmente brillan los personajes y sus relaciones, entrelazando muy bien la comedia y el drama. A ritmo de Oasis y unos cuantos one-hit wonders noventeros, vemos en pantalla a unos actores muy prometedores que nos atrapan con sus historias, risas y desgracias, en una representación de la adolescencia que no vuelve todo un melodrama. Lo mejor es sin duda el personaje de Kate, que a medida que transcurre la serie va descubriendo sobre su sexualidad y, sin darse cuenta, afirmando quién es: Peyton Kennedy se come al resto con su actuación, sólo por ella vale la pena sentarse un fin de semana y maratonear Everything Sucks! De lo mejor en lo que respecta a series de adolescentes que tiene el servicio de streaming.

Duels

2014 | Documental | France 5 (Netflix) | 8 episodios | 50 minutos

Últimamente ando enganchada con las series documentales, pues noté la existencia de una gran variedad de propuestas que son realmente curiosas. Ésta producción de France 5 quizá no es tan original en su planteamiento: en cada capítulo cuenta la historia de una rivalidad entre compañías o personalidades más o menos conocidas, desarrollando a fondo sus causas y su impacto en la cultura; pero su fuerte está en el desarrollo, mezclando contenido de archivo con testimonios y expertos, con la duración justa en cada episodio. Se aprende bastante, pues se trata de cultura general y tangible, ya que en la actualidad se puede notar lo que aportaron sus protagonistas al mundo de la moda, el marketing y el cine, por ejemplo. Relatos de batallas sin piedad tan conocidas como la Coca-cola con la Pepsi, Bill Gates y Steve Jobs y tantas otras, con muchos datos que uno desconoce. Entretenida e interesante, ¿qué más se puede pedir en un documental?

NOTA: se doblaron al inglés sólo un par de capítulos, disponibles en Netflix (Latinoamérica)

Literatura

Mamá

Jorge Fernández Díaz | 2002 | Ficción moderna | Editorial Sudamericana

«Una campesina española envía a su hija de quince años a la Argentina de Perón. Quiere sacarla de la miseria y le promete que pronto la seguirá toda su familia. Pero algo falla y nadie viene, y la chica se queda atrapada en un país hostil donde crece, se casa, lucha contra su destino y sufre el destierro más cruel. Luego de muchos años, deja de sufrir y se hace argentina. Entonces sus hijos y nietos le anuncian que quieren irse a vivir a España, huyendo de la depresión económica, y todo vuelve a empezar».

Mamá es conmovedora. Poco más se puede decir de esta novela que Fernández Díaz escribió sobre la historia de su familia. Más allá de su contexto con el que muchos se pueden identificar, ya que en este país hay muchísimos descendentes de inmigrantes españoles que cruzaron el Atlántico en esas épocas, en las páginas de este libro se encuentran retratos sobre la inmigración en general, la lucha de una mujer por salir adelante en varias situaciones adversas y sobre todo, una realidad narrada de una forma sencilla pero bella y emotiva. Durante mi lectura, no pude evitar lagrimear con ciertos eventos y reflexionar, pues como inmigrante la historia de Carmina te toca de una manera muy profunda. Pude ver a mi abuelo, llegando a la ciudad en los años cincuenta y a mis padres siendo niños durante los sesenta y setenta mientras conocía a los personajes y era testigo de su vida.

Es un relato apasionante, que es un imprescindible de la literatura argentina contemporánea, como pedazo de la historia y como experiencia en general.

Youtube

Jaime Altozano

Cuenta aquí | Difusión musical | Twitter

Sí, Youtube también cuenta, pues hay infinidad de canales cuyo contenido es interesante, original y entretenido. Uno de esos es el de Jaime Altozano, de difusión musical. Sin explicar como en libro de texto, aportando mucho humor y su carisma personal, en su canal homónimo se pueden encontrar vídeos sobre conceptos musicales explicados de manera que el público general lo pueda entender, trucos muy curiosos y comentarios sobre bandas sonoras, entre otros. Justamente conocí su cuenta a través de sus análisis de la BSO de la trilogía de El Señor de los Anillos, muy completos y fascinantes. Otro imprescindible de este usuario es el top 10 de las mejores bandas sonoras de anime, dividido en diez partes para hablar en profundidad sobre cada una. Lo recomiendo muchísimo.

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Y éstas fueron las cosas que descubrí este pasado mes de marzo. Si conocían alguna y también me gusto déjenmelo en los comentarios y si, conocen cosas parecidas que me puedan gustar por igual no duden en decírmelas, quizá entren al mix de abril. ¡Hasta la próxima!

 

 

 

 

 

 

 

10 grandes canciones que ganaron los Oscars.

Se acercan los premios de la Academia y, con ello, la polémica. Las nominaciones injustas, el asunto de la mejor película, la diversidad, la política y demás cuestionamientos son de lo que todo el mundo habla en esta época del año. Y es que, nos guste o no, estas ceremonias se volvieron luego de nueve décadas una institución, una referencia para muchos de qué películas ver, además de carnada para la prensa rosa y los obsesionados con las celebrities. Es difícil ignorarlos cuando se tiene un espacio en el que escribes sobre cine entre otras cosas, así que en lugar de escribir sobre esta edición en particular, quiero aprovechar para introducir la temática musical en Vorágine de Palabras. He aquí no un «top 10», pues hay millones de grandes canciones que quedarían fuera y que han marcado a muchas personas y generaciones de espectadores. Sencillamente enumero una decena de ganadoras al Oscar a la Mejor canción original que fueron y son trascendentes, que representan muy bien al largometraje del que provienen o que han pasado a estar en la cultura popular desligándose del material para el que estuvieron hechas en su momento.

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Jai Ho

Slumdog Millionaire | 2008 | A. R. Rahman y Gulzar Tanvi Shah

La más pegadiza de la lista, esta composición de ritmos hindúes es una de las pocas en ganar la estatuilla cuya música tiene orígenes no occidentales. Fue todo un hit en el año de estreno de la película y sin duda la secuencia en la que aparece es lo que más recuerdo de la cinta de Danny Boyle.

The Way We Where

The Way We Were | 1973 | Alan Bergman, Marilyn Bergman, Marvin Hamlisch

Escoger entre ésta y Evergreen (ambas interpretadas por Barbra Streisand) fue difícil, pero la nostalgia que irradia The Way We Were, con la melodiosa voz de la cantante dejan un preciosa introducción a la obra de Sydney Pollack. Hayas visto el film o no, es una canción que trasmite mucho. No sólo ayudo a revivir la carrera de Streisand, sino que ha sido versionada por varios artistas. Temas de corte clásico como este ya no son comunes en el cine y menos en las listas de éxitos.

(I´ve Had) The Time of My Life

Dirty Dancing | 1987 | John DeNicola, Donald Markowitz, Franke Previte

Los 80 fueron a nivel musical una delicia, y la Academia se encargó de premiar canciones icónicas, que a día de hoy se escuchan en la radio y que cualquiera reconoce de inmediato. Dos películas estrella de la década trajeron consigo temazos para el recuerdo acompañados de escenas memorables, ambas sobre baile. Flashdance y su What a feeling merecen una mención, pero este dueto entre Bill Medley y Jennifer Warnes rompieron con la pista. ¿Quién no soñó con bailar como Patrick Swayze y Jennifer Grey al escuchar esto?

Skyfall

Skyfall | 2012 | Adele y Paul Epworth

La más reciente de las diez y la primera canción de una película de James Bond en ganar el premio (que era hora), la interpretación de Adele es espectacular, juntando lo clásico y lo moderno. Sin duda, una gran introducción sonora que tiene la marca del 007 por todos lados.

My Heart Will Go On

Titanic | 1997 | Jamer Horner, Will Jennings

Un gran blockbuster como Titanic tenía que ir acompañado de una canción cargada de épica y tristeza, y Céline Dion cumplió ampliamente con el reto. Seguramente es de las más reconocibles de las ganadoras y además sigue siendo asociada al film de Cameron. A su vez es el segundo single más vendido por una artista femenina de la historia.

When You Wish Upon a Star

Pinocho | 1940 | Leigh Harline y Ned Washington

La banda sonora de la infancia de muchos, el tema de cabecera de The Walt Disney Company y hasta una canción de Navidad en numerosos países. Tanto ha conseguido que ya poco se la asocia con la adaptación animada de la novela de Carlo Collodi.

Muchas más canciones de la casa del ratón fueron ganadoras de este premio, sobre todo en la década de los 90, teniendo a Alan Menken como compositor de cabecera. Casi entraba en la lista Colors of the Wind (Pocahontas); sin embargo, pocas composiciones transcendieron tanto durante los años como ésta.

Lose Yourself

8 Mile | 2002 | Eminem, Jeff Bass, Luis Resto

La primera canción de rap en ganar en la estatuilla y el mayor single de Eminem. Como no-seguidora de este estilo de música, debo decir que no deja de ser inspiradora, efectiva y una excelente introducción a lo que es el género, rompiendo barreras y prejuicios. Dan ganas de hacer caso a la invitación del artista y ver la cinta de donde proviene.

When You Believe

El Príncipe de Egipto | 1998 | Stephen Schwartz

He aquí una canción que difícilmente encontrarán en la mayoría de rankings de este estilo. A pesar de ser emotiva, bella, atemporal, humana y esperanzadora está terriblemente eclipsada por las ganadoras de Disney. Aún así, esta canción merecía el premio que obtuvo y este puesto. El puente en hebreo me sigue poniendo la piel de gallina.

Por supuesto me estoy refiriendo a la versión de la película, y no a la que interpretaron Whitney Houston y Mariah Carey.

Streets of Philadelphia

Philadelphia | 1994 | Bruce Springsteen

Al igual que la anterior, la humanidad que desprende la composición de Springsteen es increíble. Contundente, efectiva y conmovedora. Tras ver la película, es normal que provoque un nudo en la garganta como mínimo, pues realmente hace pensar y trasmite tanto como la obra que acompaña.

Somewhere Over The Rainbow

El Mago de Oz | 1939 | Harold Arlen y E. Y. Harburg

En cualquier lista de este tipo no puede faltar esta canción, conocida y extendida desde la desesperanza de la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros tiempos, siendo versionada continuamente. Himno a lo largo del siglo XX y responsable del éxito posterior del musical al que pertenece, es imposible borrarse la imagen de una inocente Judy Garland cantándola como Dorothy. Pensar que la MGM quiso removerla del largometraje.

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Esas fueron mi selección para conmemorar estos 90 años de premios. Quedaron fuera grandes como Moon River, Raindrops Keep Fallin’ On My Heady o The Way You Look Tonight, entre otras. Sin embargo, creo que es un listado diverso en cuanto a estilos y épocas.

¿Hice alguna gran omisión? ¿Hubo alguna injusticia en la entrega de la estatuilla en esta categoría? ¿Qué canción te trasmite más? Los comentarios están abiertos…