Maratón DreamWorks 12: «Wallace y Gromit: La Maldición de las Verduras».

¡Buenas, buenas! Estoy de regreso en mi querida y abandonada bitácora, espero sepan disculpar el estado de letargo en el que quedó este blog en lo que va de año. Muero de ganas de que lleguen las vacaciones para retomar todos los borradores que están aguardando a ser publicados, pero no es momento de adelantarnos. Ha llegado octubre, y eso sólo puede significar una cosa: ¡Halloween! Se viene la noche más terrorífica del año, y en Vorágine de Palabras nos dedicamos a hablar de ficciones que podemos disfrutar los más asustadizos sin perdernos el clima de esta fiesta. Desde pequeña adoro ver películas cargadas de la imaginería de noche de brujas, pero ante cualquier jumpscare medio facilón ya me quedo perturbada al punto de ser incapaz de conciliar el sueño.

Esta sección comenzó enfocada en la animación, y aunque la idea es eventualmente incorporar también live-action, esta Vorágine de Halloween 2019 se queda en los dibujos en movimiento, ya que la edición del año pasado quedó truncada, pudiendo sólo recomendar un mediometraje. De hecho, ya que estamos, ¿qué tal si matamos dos pájaros de un tiro y también recuperamos otro especial de este blog? En efecto, señoras y señores, esta entrada es además la continuación de la lentísima Maratón DreamWorks. Aprovecho la ocasión porque el siguiente largometraje que toca es ideal para ver este mes. Sin más dilación, ¡comencemos con el especial!

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Si bien está claro que no soy muy seguidora de esta transición de DreamWorks a la comedia pura, sigo reconociendo que es un estudio que da oportunidad a la variedad. Podemos tener una cinta plagada de humor referencial y celebrities como viene siendo la norma, pero también dan lugar a ideas ciertamente peculiares y personajes que, aunque no acostumbramos a ver en el cine familiar, se vuelven íconos muy queridos. En la maratón ya hemos comentado algunos, pero todavía nos quedan bastantes por conocer.

El caso que hoy nos ocupa, en cambio, es otro tipo de film. Wallace y Gromit ya habían demostrado en cortometrajes estrenados en los años 90 que son uno de los dúos más adorables de la animación. Con un par de Óscars encima y tras el éxito de Chicken Run, Katzenberg le pidió a Nick Park y su equipo de Aardman otra colaboración; esta vez trayendo a la gran pantalla a sus dos personajes más reconocidos. No sólo ganó un premio de la Academia (el único de la productora hasta la fecha aparte de Shrek), sino que extendió la popularidad de los personajes al público general.

2005 | Aventura, comedia, animada | 1h 25min | Nick Park, Steve Box | ★★★

En esta oportunidad, Wallace y Gromit son controladores de plagas de conejos en el pueblo, y están cargados de trabajo, pues se acerca la competición anual de verduras y todo el vecindario quiere asegurarse de mantener a salvo sus cultivos. Sin embargo, sus métodos pacíficos serán cuestionados cuando aceche el misterioso hombre-conejo, y Lord Quatermaine quiera resolverlo recurriendo a las armas. Gromit no tardará en darse cuenta de que tal vez las locas invenciones de Wallace hayan vuelto a generar caos, y le tocará una vez más resolverlo.

La premisa es bastante absurda, y las situaciones en las que se ven enfrascados los protagonistas son propias de la excentricidad de la comedia inglesa. Particularmente los habitantes del pueblo tienen líneas y momentos bastante graciosos, con muchos momentos de homenaje burlón a los clichés del cine de terror. Los propios directores calificaron a la cinta como la «primera película de horror vegetariana del mundo», y ciertamente esa afirmación ya sintetiza la película.

Cabe aclarar que la carga irónica se conjuga con la dinámica inocente del dúo protagonista. El carisma y carácter torpe de Wallace se complementa con las expresiones de exasperación y la resolución de Gromit, en donde el perro es el que se encarga de resolver los desastres del humano. Con un humor que surge de los silencios y los pequeños gestos, haciendo que la película no peque en ningún momento de grandilocuente, sin perder su personalidad en el camino.

Qué decir de la animación (¡la animación!). En una época en la que el CGI y el 3D dominan las salas de cine las producciones como esta suponen un soplo de aire fresco. Esta cinta tomó cinco años en hacerse, iniciando Aardman el proceso de creación justo después de finalizar su anterior colaboración con DreamWorks: Chicken Run (2000). Realmente se nota el esmero y trabajo en un resultado impecable, donde el movimiento favorece a la caracterización de los personajes y los gags.

A pesar del buen rato que se pasa viendo la película, dista de ser un trabajo redondo y pulido. La trama resulta bastante predecible, los personajes secundarios no son tan entretenidos y por ello quizás debería haber tenido menos duración. Problemas similares a los que tuvo la cinta anterior ya mencionada, y que no es de extrañar que se arrastratan dado lo cerca que estuvieron sus producciones. Aún Nick Park y compañía se encontraban dando sus primeros pasos en la gran pantalla, teniendo que adaptar su estilo narrativo al largometraje con una técnica de animación bastante laboriosa. Por ello no hay que restarles mérito y ver esta cinta por lo que es: entretiene bastante, hace reír y cuenta con unos protagonistas entrañables que hacen disfrutar de principio a fin, con guiños y pequeños detalles que hacen de Wallace y Gromit: La maldición de las verduras un deleite que aporta algo ligeramente diferente a lo que solemos ver estas fechas.

 

 

Maratón DreamWorks 11: «Madagascar»

¿Alguna vez vieron una película que les dejó indiferente? ¿Que lo único que podían decir sobre ella era un liso y llano meh? Bueno, resulta que mi gran reto de esta maratón no era la anti-recomendación que supuso la anterior El Espantatiburones. Criticar una mala película no es complicado, los fallos son tantos y tan notorios que señalarlos es pan comido en comparación a intentar explicar por qué una cinta ni te va, ni te viene. No hay nada tan terrible en su metraje, pero tampoco nada lo suficientemente destacable para considerarla buena. En fin, en este onceavo paso por el recorrido DreamWorks tocará exprimirme algo el cerebro y plasmar mis impresiones tanto como se pueda.

2005 | Aventura, comedia | 1h 26min |Dir Eric Darnell, Tom McGrath| ★★1/2

Desde que era pequeña hasta la actualidad, una de las franquicias de más éxito de la productora es la de Madagascar: tres películas, dos series y un film spin-off. De todo eso (antes de la maratón, claro) sólo había visto la serie de TV Los Pingüinos de Madagascar junto a mi hermanito. Las cintas no me llamaban la atención por el diseño de los personajes, y cada vez que intentaba ver la primera de éstas me quedaba dormida de inmediato. ¿Me perdí de mucho? No creo.

La historia, sin embargo, puede resultar curiosa para el cine de animación. Un grupo de animales – león, zebra, jirafa e hipopótamo – viven tranquilamente en el zoológico de Nueva York. Mientras que el felino adora ser la estrella y principal atracción del lugar, su amigo zebra Marty no sabe si pasar su existencia en cautiverio es tan prometedor. Por una serie de eventos Marty escapa del zoo, y sus amigos irán tras él para hacer que regrese. Sin embargo, las cosas no salen como planean y acaban siendo llevados a la isla de Madagascar, donde la naturaleza a la que no están acostumbrados puede separarlos para siempre, pues el apetito de un carnívoro hambriento como Alex parece poner en peligro la vida de sus amigos.

Teniendo en cuenta que uno de los directores ha estado también a cargo de la maravillosa y divertida Antz, no es tan sorpresivo que en Madagascar se pretende jugar con la representación de los animales en la animación. Esa oscilación entre su humanización y su comportamiento animal es tan antiguo como el cartoon más clásico. Aquí la premisa parte de que el actuar como humano de estos animales se da por la domesticación que supone el zoológico, y tanto el conflicto como la comedia pasan por esta cuestión.

A lo largo de la cinta, hay gran cantidad de referencias a la cultura popular, como ya acostumbra a suceder en las películas de DreamWorks. El primer tramo de Madagascar es el más entretenido en mi opinión, con los mejores gags y la aparición estelar de los pingüinos, para muchos lo mejor de la franquicia (con mucha razón). Cuando llegan a la selva, en cambio, ya las risas disminuyen. El rey Julien y los lémures tienen potencial, pero nunca llegan a ser tan graciosos porque hay que resolver la cuestión del hambre de Alex. Y ésta no es lo suficientemente explotada como para mantener nuestra atención durante lo que resta de duración.

 

El conflicto entre el grupo de amigos, aunque curioso y poco visto en una película para toda la familia, no es suficiente para que Madagascar sea recomendable porque se queda en comedia para niños. A pesar de que es un elemento que puede divertir a los adultos, la cinta no sigue el camino de Shrek o la mencionada Antz desarrollando el humor negro relacionado a una trama como la presentada. Al quedarse en entretenimiento infantil pierde el potencial para entretener a más generaciones.

No tengo mucho más para añadir. Si te gustan las películas que van a lo seguro y tienen algo de humor escatológico y referencial, es probable que ésta sea de tu agrado. Es preferible verla en inglés, pues las voces de Ben Stiller, Chris Rock y muchos más comediantes la dejan mejor parada que los doblajes. Si no es tu estilo, entonces puedes saltearla sin remordimientos: ni los personajes ni los diseños son imprescindibles.

 

No tengo mucho más para añadir. Si te gustan las películas que van a lo seguro y tienen algo de humor escatológico y referencial, es probable que ésta sea de tu agrado. Es preferible verla en inglés, pues las voces de Ben Stiller, Chris Rock y muchos más comediantes la dejan mejor parada que los doblajes. Si no es tu estilo, entonces puedes saltearla sin remordimientos: ni los personajes ni los diseños son imprescindibles.

Meh.

La próxima vez dejamos un poco (desafortunadamente no por mucho tiempo) el 3D para volver a la entrañable animación por stop-motion. Confío en que pasaré un buen rato.

 

Maratón DreamWorks 10: «El Espantatiburones»

Meses atrás en esta maratón quedó finalizada la primer etapa en la filmografía de DreamWorks (no me cansó de repetirlo, lo sé). Una ciertamente curiosa, sin una identidad marcada. CGI, animación tradicional, stop motion, estilos visuales diversos y hasta géneros y tonos diferentes para cada cinta fueron utilizados. Sin dudas es un recorrido interesante (a pesar de lo irregular que resulta), pues muchos films que pertenecen en la misma tuvieron poco éxito y a largo plazo fueron olvidados y opacados por las producciones que ahora tocan.

Nos quedamos en Shrek 2, que estableció a la comedia en CGI como el estilo definitivo de la DreamWorks. Su triunfo en la taquilla marcó indefectiblemente la tendencia para los próximos años. Quizá me equivoque, pero lo que a muchos se les viene a la cabeza cuando piensan en esta compañía suele ser este tipo de largometrajes. Pero bueno, dejando los análisis de ciclos de lado, vamos con la siguiente cinta en el recorrido: El Espantatiburones (2004). Para muchos es la peor película que salió de DreamWorks, y otros consideran que no es tan terrible, veremos qué marca deja en el conjunto.

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Dirigida por Bob Bergeron (El camino hacia El Dorado) y Vicky Jenson (Shrek), esta película nos lleva a un mundo subacuático muy similar a la ciudad de Nueva York – o al menos al Times Square – en el que conocemos a Oscar (Will Smith), un pez que trabaja en un lava-ballenas y que ansía tener una vida de lujos. Todos le dicen que debe bajar a tierra, pero le llegará una oportunidad con la accidental muerte del hijo de un tiburón mafioso (Robert De Niro). La ciudad lo considera un héroe por deshacerse de una amenaza para la comunidad de los peces, volviéndose una celebridad. Entablará amistad con el otro hijo del tiburón, el vegetariano Lenny (Jack Black), que pretende iniciar una nueva vida entre los peces.

Como muchas de las películas que veía cuando era pequeña a principios de los 2000, esta cinta está atravesada por todo lo que estaba de moda en dicha década: el rap y hip-hop, celebrities del momento, frases cool, y las escenas al final con música destinada a ser parte de la lista de éxitos. Si bien muchos de esos elementos siguen persistiendo en el cine de animación actual, creo que se entiende a lo que me refiero. Gran parte del guión consiste en insufribles chistes de juego de palabras sobre Hollywood

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DreamWorks ha empleado siempre celebridades para doblar a sus personajes, no es algo que inició aquí. Sin embargo, mientras que en casos como el de Antz la historia se sentía orgánica y la selección de los actores de voz tenía directa relación con la personalidad de cada uno, El Espantatiburones parece totalmente construída alrededor de las figuras que forman parte, realizando referencias constantes a sus anteriores trabajos y teniendo implicancia directa en su diseño. En consecuencia, se siente más como un gran producto rentable y manipulador.

Otro problema con este paso intrascentede en la cronología fílmica de la productora es que carece de la personalidad para erigirse como una historia que valga la pena. Es tanta la similitud con su predecesora, la segunda de Shrek, que se ve absolutamente opacada al no aportar un giro lo suficientemente llamativo. Nuevamente se parodia un género cinematográfico (en este caso el de mafiosos), tomando un entorno que adquirió popularidad con Buscando a Nemo de Pixar, dándole el toque «moderno-urbano» para que los chicos del momento se interesen en verla.

 

Se podría decir que la saga de Shrek tiene características similares en cuanto a utilizar elementos propios de su tiempo. La (gran) diferencia es el manejo de los personajes para mí. Mientras que el ogro y compañía se hacen querer aún con sus defectos, los peces y tiburones no me generan nada. Más allá de la actitud sumamente egoísta de su protagonista, el mayor problema radica entorno a la falta de empatía que producen en el espectador de cualquier edad. Carecen de un objetivo o carácter con el que todos puedan reconocerse o reconocer a otro. Como dijo Roger Ebert en su crítica, la película está tan preocupada con las referencias a Hollywood y sus celebrities, manejando problemáticas adultas, que al final no logra que nos importe.

¿Significa que es la peor de todas? Bueno, teniendo en cuenta de que ni siquiera hemos llegado al Ecuador de la filmografía es absurdo afirmar algo tan contundente. Pero sin lugar a dudas el estilo visual y la música no ayudan (Hans Zimmer en uno de sus peores trabajos, ya que tampoco le mandaron a componer un score extenso) a una historia irrelevante. Me he reído con algunos chistes, pero principalmente porque entiendo las referencias, y poco tienen que ver con el escenario en el que nos quieren introducir. No es olvidable, lo cual es relativamente mejor que ser un bochorno, todo hay que admitirlo.

Si te gusta el cine de mafia, y quieres reírte un rato con la autoparodia que Hollywood adora hacer, es una película para ti. En mi caso, me asquea lo suficiente para no volver a verla nunca más. Una pena, porque de pequeña (no me explico cómo) me gustaba bastante, y de hecho recuerdo jugar a su versión videojuego. La fórmula de Shrek, por lo visto, funciona exclusivamente en dos films.

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Espero que disfruten este regreso de la maratón, que honestamente me daba bastante pereza retomar. Ahora se vienen una seguidilla de cintas de comedia 3D que jamás me he interesado lo suficiente como para verlas o recordarlas. Creo que ahora sólo puede mejorar este nivel tan bajo, ¿o no?

 

 

Maratón DreamWorks 9: «Shrek 2»

Hace un tiempo cerré mi crítica de Simbad, la leyenda de los siete mares un poco desanimada, pues la productora no volvería a hacer películas en 2D ni se arriesgaría con métodos poco convencionales como con Spirit. Los fracasos en taquilla hicieron que vayan a lo seguro, recurriendo a su personaje más rentable: el ogro verde.

No quiere esto decir que la película original del 2001 no fuera novedosa y rompedora, en absoluto. Solo que, explotar la fórmula puede romper ese impacto. Aún así, DreamWorks estrenó tres años después la secuela, que hoy no deja de generar disputas. Hay un grupo que afirma que se trata de la mejor de la franquicia, y otros que sólo consideran a la primera como buena. Así que será imposible hablar de Shrek 2 sin tener en cuenta a su antecesora.

Este film retoma la historia donde la dejó el anterior, con Shrek y Fiona en su luna de miel, hasta que reciben una invitación de los padres de ella para que vayan al reino de Muy Muy Lejano. Éstos se sorprenderán al ver que la maldición de su hija se rompió de la manera que menos esperaban. También se encontrarán con un hada madrina, que quiere romper el matrimonio de la princesa con el ogro para que así lograr que su hijo, el Príncipe Encantador, se vuelva rey. También conocemos a nuevos personajes, destacando el Gato con Botas (Antonio Banderas), para muchos de lo mejor de la película junto a Burro, un excelente dúo cómico en la versión original.

Esta cinta, que más que una secuela es una continuación, profundiza en los conflictos de nuestros protagonistas y añade personajes que encajan con el desarrollo de la trama. El romance entre Shrek y Fiona está bien manejado, aunque al tener que reafirmar su relación frente a este reino, repite el desenlace y la moraleja de la anterior. A su vez no queda claro por qué los padres de la princesa tomaron la decisión de encerrarla en la torre para que la salve un príncipe, pero supongo que es parte del absurdo del que se quieren burlar los guionistas.

El humor también es distinto en esta entrega, con muchísimos gags, más referencias a la cultura pop y parodias de la vida de ciudad estadounidense (tenemos a las versiones de Starbucks y Burger King de Muy Muy Lejano), pues el reino en sí mismo es un guiño a Beverly Hills. Posiblemente lo que produce que la gente se posicione a favor de esta segunda parte de la primera es por el humor. El tono de la primera película era más simple, tratándose de una sátira a los cuentos de hadas, con los chistes en los diálogos y más escatología. A pesar de que en esta segunda se continúa la burla a los cuentos con muchas locaciones creativas a lo largo del reino, más personajes que viven como nosotros y demás, es cierto que no es el centro de los chistes, con el foco en referencias a programas de TV, parodias de películas taquilleras del momento como Spiderman o El señor de los anillos, apariciones de celebrities. En ese sentido la primera pasa más la prueba del tiempo. 

Personalmente, Shrek 2 me gusta tanto o incluso más que la primera, con su clímax épico, su desarrollo de personajes, mejor animación, guión en general más divertido que en la anterior y el uso de escenarios. Es la que he visto más veces de la franquicia y la que pierde menos con los revisionados. Quizá en la búsqueda de mejorarse en todo aspecto pierde la irreverencia e innovación de la primera, y la intromisión de la cultura pop en ocasiones le resta importancia a la historia; pero las próximas secuelas que salgan del ogro verde nos demostrarán que lo podrían haber hecho mucho peor. Funcionó y funciona, siendo la película más taquillera de la productora hasta la fecha. Sin embargo, como todo lo bueno tiene un lado negativo, y es que el éxito rotundo cambiaría totalmente la dirección narrativa de DreamWorks, con films mediocres que priorizan los gags a la historia y los personajes.  No faltarán tampoco las secuelas innecesarias de Shrek. Te guste o no Shrek 2, es innegable que ésta es entretenida y entrañable, además de que es la única continuación buena de la franquicia.

Ahora toca ver lo que es para muchos el engendro de la productora. Hace bastantes años no la veo y ya me imagino el por qué. Deseadme suerte.

 

 

Maratón DreamWorks 8: Sinbad, la leyenda de los siete mares.

Me tomé un breve descanso de tanto ver animación, que ya me saturaba un poquito y esos días me sirvieron para ir teniendo conclusiones sobre esta primera etapa del estudio que cierra con la cinta de la que les comento hoy; Simbad… es la última película con animación 2D de la productora. Efectivamente, con los buenos resultados de Antz y el rotundo éxito de Shrek no era de esperarse que el departamento de animación se centrara totalmente a la técnica a la que todos se unían desde que Pixar arrasaba con cada film que estrenaba. Sumado a eso, El camino hacia El Dorado es al día de hoy el largometraje que menos recaudó, y tanto Spirit, un corcel indomable como la que toca no se quedaron atrás. Un estudio que para entonces era joven – sin siquiera tener una década en la industria – no podía permitirse tales reveses, tomando la dirección más rentable.

Centrándonos ahora en la historia de Simbad, que ya siendo claros poco tiene que ver con el personaje original, se puede decir que estamos ante un trabajo correcto, que mantiene el nivel de los trabajos recientes y mejora algunos aspectos que se pueden criticar de las anteriores obras.

       

La estructura es básica: tenemos a un protagonista badass que es un ladrón/pirata, el amigo noble (Proteo) que ve algo heroico en él y que cuando la diosa de la discordia Eris robe el Libro de la Paz – que el film nunca se encarga en explicarnos para qué sirve – haciéndose pasar por Simbad, lo defenderá queriendo recibir él mismo la condena a muerte en su lugar. Así nuestro supuesto héroe deberá ir a buscar el libro junto con Marina, la prometida de su amigo al mismísimo Tártaro y llevarlo a Siracusa antes de la ejecución de Proteo.

Con los tópicos del género como la búsqueda de un objeto, el romance de turno, distintos encontronazos con monstruos y demás, contados aquí con menos épica pero mucho entretenimiento. Lo cierto es que mantiene muy bien el ritmo, sin hacerse lenta en ningún momento.

 

A nivel visual tiene sus altas y sus bajas, con ángulos de personajes que van de aquí a allá en el barco muy atrapantes, algunos monstruos cuyos diseños son creativos, como las sirenas y por supuesto la villana. Eris es una delicia, con sus movimientos, transformaciones y demás. Realmente parece una diosa amenazante que controla el mundo. Espero que los gifs que encuentre le hagan justicia a sus escenas porque realmente es increíble lo que hicieron con ella. Diría hasta que la película es suya, por lo hipnótico que es verla.

En cambio, tenemos el CGI fuera de lugar que nos venimos encontrando en los últimos trabajos de la casa del ogro. Tanto fondos como los monstruos están hechos íntegramente en computadora, ofreciendo resultados decentes en el primer caso y en ocasiones extraño en el segundo. También el diseño de personajes no destaca. Por otra parte, la banda sonora compuesta por Harry Gregson-Williams funciona bien, sin tener ni una canción cantada por un famoso (al fin), lo que añade atemporalidad al relato.

La combinación de elementos que van desde mediocres a fascinantes dan como resultado un animado digno de ver al menos una vez, llevadera con su sencillez, sus tintes de aventura, una pareja con cierta química y la que por el momento es la mejor villana del estudio. Aquí DreamWorks no arriesgó: es una historia clásica y sencilla, con sus toques humorísticos y personajes que ya conocemos; sin embargo, se deja ver y entretiene lo suficiente como para que la recomiende. Éstos tres films que mencionaba al principio son buenos, pero sus fallas les salieron caras. La competencia de otras casas de animación las tiró en un olvido que debería desaparecer, pues son más agradables y memorables que muchas cintas de mayores logros en taquilla que parió esta productora. Siendo sincera, la etapa que viene no me atrae, con títulos que preferiría esquivar por su vulgaridad, humor escatológico y un estilo visual de lo más decepcionante. Ojalá me sea leve y encuentre refugios en algunas obras que creo merecen que les de una oportunidad ente malas y malas.

Maratón DreamWorks 7: «Spirit, un corcel indomable»

Pasaron ya un par de días desde que comenté sobre el ogro verde y llegamos a la etapa triste, queridos lectores. Sólo quedan dos películas y adiós a la animación tradicional en DreamWorks. Una pena realmente, pues El Princípe de Egipto, El camino hacia El Dorado y la que nos ocupa hoy son muy agradables de ver y uno de sus puntos fuertes es justamente la animación. No queda otra que disfrutar estos dos largometrajes restantes de una etapa en la productora que está por culminar.

El film que toca hoy es, sin lugar a dudas, peculiar. Protagonizado por caballos que no hablan, con una narración de Matt Damon en la VO y la banda sonora compuesta por Hans Zimmer (que ya hizo un trabajo espectacular en El Príncipe de Egipto) y Bryan Adams. Esta combinación un tanto extraña nos sitúa en el Lejano Oeste en la época de su conquista por el hombre blanco. Nos cuenta la historia de un caballo que es separado de su grupo por hombres del este que lo quieren domar. Este mustang – como lo llaman – sin embargo, se rehúsa constantemente y encontrará su camino a la libertad en un joven indígena que tiene un incidente similar. Así, en un relato cargado de aventuras, reencuentros, separaciones y conflictos del protagonista, éstos dos formarán una amistad singular mientras que el mustang, posteriormente denominado Spirit, buscará su lugar en el mundo.

La animación de esta película está muy bien…En la mayoría de los casos. Al no darles voz a los animales, gran parte de la emoción es trasmitida mediante las expresiones faciales muy logradas de los personajes. Los paisajes son preciosos, sobre todo a medida que avanza el largometraje veremos un arte de fondo más bello que el anterior. Lamentablemente, toda su belleza se ve arruinada por momentos cuando en pantalla vemos a personajes de fondo animados con CGI que parecen salidos de un juego de la primera PlayStation. Sé que estamos ante una cinta del 2002, pero en El Príncipe de Egipto, cuatro años anterior, se usaron también técnicas combinadas para animar a los personajes en el fondo y les salió muchísimo mejor. Aquí distrae bastante, pero reitero que sólo ocurre en contadas ocasiones.

La banda sonora suena mucho como la música de los años 80, y no es para menos teniendo en cuenta de que incorpora canciones de Bryan Adams. Al comienzo del film hay bastantes, pero en la segunda mitad ocupan menos tiempo. Y, aunque no me desagradó, no puedo negar que en algunas escenas quedaba fuera de lugar. Creo que acierta más cuando posee melodías más propias del oeste, siendo la mejor canción claramente Brothers Under The Sun. 

En cuanto a los personajes y al desarrollo no tengo mucho que criticar. Después de todo, este es un largometraje sencillo que tiene claro sus conflictos. Creo que no se pudo mejorar nada respecto a la trama, el protagonista es complejo pero decidido y se le nota cierta evolución, además de que los demás son secundarios memorables. Tiene un tono dramático que le queda bien (al final a la DreamWorks se le da mejor el drama que la comedia, ¿quién lo iba a imaginar?) y melancólico incluso. Llegaría tan lejos como para afirmar que es uno de los mejores protagonistas de la productora.

 

Como dije alguna vez, esta primera etapa del estudio esta marcada por el problema demográfico. Sus films de ese entonces tienen elementos que pueden gustar a niños y adultos, lo cual les da desventaja en taquilla frente a otros productos más orientados a los pequeños, que suele ser el predilecto con el público familiar. Y no me refiero a elementos cómicos adultos como los hay en Shrek, sino a componentes maduros que generan ambigüedad en el target. Spirit… no es una excepción: el hecho de que no hablen los animales podría impulsar una cinta especial, que tendría la capacidad de ser tan poderosa como la primera mitad de Wall-E. En cambio, las canciones y la narración la hacen más accesible para toda audiencia en cierta medida. Y añado esto último porque es una película que depende mucho de los gustos de cada uno para que guste, puesto que combina elementos muy distintos para dar un resultado de lo más particular.

Personalmente me gustó, se deja ver y tiene momentos memorables. Buena, pero ni de lejos lo mejor que puede ofrecer DreamWorks. Si tan sólo se hubieran arriesgado a quitar la narración y que la banda sonora fuera de mayoría instrumental quizá sería una película de animación única. Aún así la recomiendo ya que es una producción injustamente olvidada.

 

 

Maratón DreamWorks 6: «Shrek»

Bien, llegamos al pez gordo, al elefante en la habitación, la obra más valorada del estudio. Quien no conoce al ogro verde, no conoce a DreamWorks, ya que hasta una canción de su banda sonora, True Love´s First Kiss es el tema recurrente en la secuencia de inicio de la mayoría de films de la productora. Además, el éxito rotundo que supuso este film marcó la impronta de DreamWorks, creando un patrón para los próximos trabajos de la misma.

Shrek conquistó al mundo con sus gamberradas, su sátira al estilo de Disney y sus formas, más similares a una comedia romántica live action  que a una película animada promedio. La gente se volvió loca por ésta, llegando a ser la ganadora del primer Óscar a Mejor Película Animada. Por todo ello, no podía esperar a verla luego de tantos años desde la última vez y, bueno…Realmente esperaba algo mejor.

Lo primero es que, mientras que el comienzo y el final son intachables, el resto es bastante irregular, con momentos que llegan a lo soporífero y otros desternillantes. El mundo de fantasía no está tan explotado como para que sea una gran sátira y como comedia romántica pierde puntos al repetir ciertos convencionalismos como los malentendidos tan trillados.

Por otra parte, presenta muchas situaciones realmente hilarantes, sobre todo a partir de la aparición de la princesa Fiona y el villano es cómico en general. También hay algún que otro personaje secundario que tiene buenos momentos. La banda sonora funciona bastante bien dentro del estilo de cinta que es.

A su vez tengo opiniones encontradas al respecto de ciertos apartados, como por ejemplo burro, que oscila entre lo gracioso y lo incómodo (sigo sin encontrarle sentido al hecho que hable de waffles y parfaits), el estilo visual con una apuesta arriesgada de usar CGI hiperrealista, luce bastante mal y en ocasiones si considero que es una decisión acertada. Asimismo, si bien me gustó el final, es cierto que su mensaje no le da la vuelta a la fórmula de la casa del ratón. Tanto da si los dos son bellos o los dos ogros, la moraleja parece ser que cada cual debe estar con alguien igual. No es malo de por sí (teniendo en cuenta que La Bella y la Bestia es de mis largometrajes favoritos de Disney), pero si se quiere romper con el prototipo de cuento de hadas, la elección que tomaron no trasgrede demasiado. Aún así he de reconocer que está ejecutado de maravilla, volviéndolo en un producto sólido.

Creo que con esta película tuve un problema similar al de El camino hacia El Dorado. Puedo ver las buenas ideas y sus respectivas virtudes, pero tenía tantas expectativas de encontrar en ellas una gran comedia, que los defectos de cada una no me pasaron tan desapercibidos como en otros casos. Cosa que me sucedió más con esta cinta que con la otra, puesto que tiene un título de rompedora que le queda algo grande. No sé si lo veo de esa manera porque, a partir de su estreno, muchas películas animadas quisieron imitar su estilo, lo que me cansó del formato, o si realmente es poco consistente como comedia o como romance (a pesar de que no puedo negar la química entre el ogro y la princesa).

A fin de cuentas, la película tiene el nombre adecuado, siendo como su protagonista: gamberra pero con corazón, lo que la pone por encima de esas comedias escatológicas que miran a la audiencia infantil como si no tuvieran ni una neurona como para ofrecerles un entretenimiento más inteligente (cosa que parece que veremos seguido cuando estemos más adelante en la filmografía de la productora). Es fácilmente reconocible que el éxito de este se debió a la audiencia adulta. Mis padres me cuentan que siempre fuimos a ver cada entrega de la franquicia a la gran pantalla por lo divertida que les resultaba a los padres por encima de los hijos y lo innovadora que les resultó esta primera película.

Por mi parte, cae en la categoría meh, aunque puedo ver el porque de su fama. Espero no sufrir con su excesiva cantidad de secuelas.

Maratón DreamWorks 5: «Chicken Run»

Después de una comedia, vamos a otra comedia con Chicken Run o Pollitos en Fuga según el país. La presente cinta fue co-producida por DreamWorks junto con el estudio británico Aardman, conocida en ese entonces por los cortos de Wallace y Gromit, siendo éste su primer largometraje.

Es interesante ver esta primera etapa de DreamWorks tan pragmática: un film en CGI, dos animados tradicionalmente – con técnicas mixtas igualmente – siendo uno un drama épico y el otro una comedia, una película directa a vídeo y el último en stop-motion. Variedad y calidad. Todavía estaban definiendo su estilo.

La cinta que nos ocupa hoy trata sobre una gallina que quiere escapar constantemente del gallinero, intentando también sacar al resto gallinas, sin éxito. Las cosas se tornan peor cuando la dueña decide hacer un negocio de tartas de pollo y dejar de ganarse la vida vendiendo huevos. Su salvación parece llegar con la aparición de un gallo que les enseñará a volar para lograr su propósito, el problema es que tiene un ala herida y tendrán que apañárselas para aprender antes de que llegue el día en el que la máquina de hacer tartas se ponga en funcionamiento.

Lo primero que destaco es el trabajo de Aardman en la animación, con grandes dosis de humor visual y diseños siempre característicos, logran que la gran mayoría de sus trabajos sean memorables al menos por su aspecto. Realmente se nota el trabajo que hicieron, ya que se sabe que filmaron un minuto de película cada semana.

Otro punto a favor son los personajes. Tienen mucha personalidad, les dan mucha expresión y son totalmente divertidos de ver. Me gusta además el choque cultural entre algunos personajes con la llegada de Rocky, que es estadounidense. Ver el rechazo del gallo viejo, que es totalmente nacionalista y los malentendidos que surgen con una gallina escocesa por su acento es una de las delicias de verlo en versión original, cosa que recomiendo en este caso, puesto que sino se pierde algo de la comicidad de los diálogos.

 

Adoro cuando interviene Babs

Lo que sí diría que es el eslabón más flojo de la película es el desarrollo de la historia. Es sencilla como para introducir todo el carisma de los personajes y el humor, pero es bastante predecible. Como por ejemplo (resaltar si ya la has visto) desde el principio de la cinta se sabe que el gallo anciano fue miembro de la Fuerza Aérea, y a partir de ese momento supe que iba a tener relevancia al final. Incluso me preguntaba cuándo iban utilizarlo las gallinas. También se nota algo raro en Rocky desde el principio y uno ya quiere que pase la parte en la que las gallinas van a descubrir eso que a él le cuesta tanto decir. No sé si considerar a esto un problema mayor o menor, pero claramente es algo que impide que el film brille como podría. Al menos está bien escrito. Quizá hubiera funcionado mejor como un medio-metraje o con menos duración.

Así y todo, Chicken Run me pareció una película notable, muy entretenida y de las más aptas para toda la familia hasta ahora de las que vengo reseñando. Si no la has visto todavía, te recomendaría que utilices una hora de tu tiempo, que verdaderamente lo vale.

 

Maratón DreamWorks 4: «El camino hacia El Dorado»

Llegamos a otra película que tenía mucho interés en ver. El camino hacia El Dorado utiliza tramas históricas nuevamente pero constituye un producto más cómico y menos épico que los anteriores films de DreamWorks.

Tulio y Miguel son dos amigos españoles estafadores que por accidente suben a bordo en el barco de Hernán Cortés y, luego de huír de la embarcación junto con el caballo Altivo, llegarán a la ciudad de El Dorado, habitada por una tribu indígena similar a los mayas que, como su nombre indica, está hasta arriba de oro. Nuestros protagonistas son confundidos con dioses, cosa que aprovecharán para volver a España con todo el oro que puedan. Para la tarea tendrán la ayuda de Chel, una ladrona de la ciudad. Parte del plan consiste en hacer que se peleen el sacerdote y el jefe de la ciudad, así no se darán cuenta de la verdad. No todo será sencillo, ya que el sacerdote es un loco por la sangre y Cortés les pisa los talones.

Tengo que admitir que la cinta me dejó algo tibia. Tiene buenos momentos, personajes carismáticos, es colorida y el diseño de la ciudad es destacable. La música, a cargo de Elton John, resulta estándar, siendo la única que me gustó la que da inicio al largometraje. La animación en ocasiones es notable, sobre todo en expresiones cómicas, y en otras irrumpe en los planos un CGI un poco maloliente, por decirlo de alguna forma.

Los personajes más divertidos para mí sin duda son Altivo, el caballo que veremos años después replicado en Enredados de Disney y Chel, que aporta humor más adulto. El dueto de protagonistas funciona bien, a pesar de que no siempre sus chistes sean efectivos. Los diseños se parecen un poco al de los anteriores trabajos, con rasgos más caricaturescos y ojos algo grandes.

La cinta tiene pinceladas de aventura y alguna que otra reflexión interesante sobre la religión. Y con todo eso, hay algo que me falta para que este trabajo de DreamWorks llegue a la altura de los dos primeros. Y lo peor es que no sabría definirlo con exactitud. Claramente no se puede parecer en ningún aspecto a El Príncipe de Egipto, pero no llega a la frescura y gracia de Antz. Es un film menos trascendente y más típico, lo que no quiere decir que sea malo. Siempre nos vamos a referir a las obras en el contexto del repertorio de la productora, por lo que este no destaca especialmente.

 

Es una buena comedia, con un guión inteligente, diseños y personajes memorables. Le falta algo para que brille y desarrolle todo su potencial. La productora se recuperó del bajón de José el Rey de los Sueños sin hacer algo rompedor. No obstante, no hace falta realizar siempre películas excelentes, por lo que la recomiendo…Si no has visto las dos primeras todavía.

 

Maratón DreamWorks 3: «José el Rey de los Sueños»

Al obtener El Príncipe de Egipto cierto éxito, DreamWorks pareció encontrar en las historias bíblicas lo que Disney en los cuentos: son historias conocidas en general y poseen simpleza narrativa que permite prestar atención al apartado artístico. Así volvió a adaptar, en esta ocasión una historia del Génesis, para una película directa a vídeo: José el Rey de los Sueños.

Este film nos cuenta la historia de José, último hijo de Jacob, que es visto por sus padres como un milagro al creer éstos que no podían tener más hijos, por lo que le dan un trato especial y le enseñan a leer y escribir, generando el rechazo de sus hermanos. Tan hartos están de la situación que lo venden como esclavo en Egipto. De ahí, José tendrá que vivir de forma miserable, aunque pronto el hecho de estar alfabetizado y su don de interpretar los sueños para conocer el futuro provocarán que ascienda socialmente. De repente, cuando parece que ha establecido su nueva vida en Egipto, sus hermanos se reencontrarán con él, lo que podrá ser una oportunidad de José para vengarse de ellos.

Intenta encontrar las diferencias entre estos personajes

Si antes dije que el estandarte de DreamWorks estaba bastante alto, aquí vemos el primer bajón – y uno importante – en la filmografía de la productora. Aún así, encuentro difícil tacharla de mala. El principal problema de la cinta es que fue hecha directamente a vídeo, lo que implica animación de menor calidad, colores más claros y brillantes, nivel de producción inferior, para ser claros. Las canciones son olvidables y, en la mayoría de los casos, prescindibles y los diseños de los hermanos son tan similares que apenas se pueden distinguir.

Puedo destacar en cierto sentido la evolución de José de un insoportable niño mimado a un hombre maduro. El resto de personajes, como la esposa de José o incluso los padres no son interesantes en lo absoluto. No recuerdo ni una característica que los identifique, excepto lo insoportable que puede ser el padre.

Realmente es una pena, pues había potencial en el proyecto. La secuencia en la que José entra en Egipto está bastante bien, las escenas de los sueños podrían dar lugar a momentos artísticamente creativos e incluso la relación de los hermanos no explotó la capacidad conmovedora, y todo estaba ahí para hacer una buena película, sólo que su producción limitada y su mala ejecución arruinaron lo que otrora eran buenas ideas. Y aquí está otro problema: la sombre de El Príncipe de Egipto es demasiado grande. Además, se puede comparar porque para este largo escogieron una historia con varias coincidencias con la predecesora, desde el protagonista que madura, pasando por la relación de hermanos y hasta la locación en Egipto.

Básicamente es lo dicho, poco más que añadir. Supongo que para niños no es un mal producto, para darles a conocer esta historia, pero a nivel general es aburrida y con menos espíritu que la anterior película de la productora. Si te interesan estas temáticas, es totalmente más recomendable ver El Príncipe de Egipto.